Stephen Goldblatt, ASC, BSC mientras filma Charlie Wilson’sWar (2007).

American Cinematographer

1 de Mayo, 2023

Jon Silberg

Stephen Goldblatt, ASC, BSC, galardonado con el premio Lifetime Achievement, ha disfrutado de dos carreras ilustres: una como fotógrafo fijo en Londres durante los años 60, y la otra como director de fotografía en una impresionante variedad de películas aclamadas, gigantes de la taquilla y notables producciones televisivas, como El ansia (1983) de Tony Scott, Arma mortal (1987) de Rchard Donner, The Cotton Club (1984) de Francis Ford Coppola, El príncipe de las mareas (1991) de Barbra Streisand, El informe Pelicano (193) de Alan J. Pakula, Batman Forever (1995) de Joel Schumacher, Ángeles en América (1993) de Mike Nichols, e Historias cruzadas (2011) de Tate Taylor.

Goldblatt nació en Johannesburgo, Sudáfrica, y emigró a Londres a los 7 años cuando sus padres, que estaban en contra del apartheid, comenzaron a caer bajo el peligroso escrutinio del gobierno. Cuando era niño, no le importaba su nuevo país de origen, las escuelas, los deportes o los maestros, y recuerda que fue “igualmente despreciado”.

Stephen Goldblatt, ASC, BSC, retrato tomado por su esposa Deborah.

Goldblatt fue aceptado como miembro de ASC en 1987, con recomendaciones de los miembros de la Sociedad Howard Schwartz, Vilmos Zsigmond, y Jordan Cronenweth.

Descubrimientos emocionantes

La vida cambió por completo cuando Goldblatt se matriculó en la Escuela de Arte de Guilford «sin el entusiasmo de mis padres», dice. “No sabían lo que podía significar la escuela de arte o lo que significaba para mí”. Finalmente, estaba comprometido en algo que le apasionaba y estudiaba con otras personas que compartían sus intereses. “Recuerdo haber trabajado con lo que se llamó una cámara de vista de Gandolfi. Tomó una película de 4 por 5, y pasó meses fotografiando huevos contra un fondo blanco estrictamente para estudiar composición”.

Un giro inesperado de los acontecimientos cayeron rápidamente en su carrera: Winston Churchill murió y su cortejo fúnebre prometía ser un espectáculo para la eternidad. Paris Match extrajo datos del alumnado de Guildford, recurriendo a “cada estudiante con una cámara” para documentar el evento desde tantos puntos de vista como fuera posible. Goldblatt se paró con su Pentax, «la cámara de espejo más barata que podría comprar», en un lugar en Whitehall, esperando desde la medianoche hasta la mañana siguiente para el cortejo. Capturó muchos momentos únicos y salió con algunas fotografías impresionantes. «Obtuve tres páginas en Paris Match, ¡fue fabuloso!»

Con un “hermano de sangre” Mehinacu, en Brasil.

Con su trabajo salpicado en las páginas de una revista respetada internacionalmente, decidió que estaba listo para seguir adelante con su carrera. “Fui lo suficientemente tonto como para pensar que ya no necesitaba ir a la escuela”, dice. Goldblatt adquirió un agente y una pasantía en la popular revista London Life, y comenzó a trabajar como fotógrafo profesional. Asistía todas las noches a fiestas de moda y de la alta sociedad, y se burlaba de celebridades como Twiggy, Marianne Faithfull, James Taylor e incluso una joven Helen Mirren. “Londres era muy abierto en ese momento”, señala.

Un golpe de suerte permitió que Goldblatt sirviera como fotógrafo de respaldo en las sesiones de fotos de los Beatles para lo que se conoció como «El álbum blanco». Se las arregló para tomar fotos de los Fab Four desde ángulos donde parecían menos conscientes de la cámara. “Yo era una mosca en la pared”, dice. Muchas de estas imágenes llegaron a la carátula de álbumes, libros y carteles y se convirteron en íconos.

Las fotos de Goldblatt de los Beatles ilustraron un artículo de la revista Life de 1968 sobre la banda escrita por Hunter Davies.

Film 101

Fue un trabajo a tiempo parcial como «fotógrafo especial» paraBritish Lios Films lo que despertó a Goldblatt a la posibilidad de que la cinematografía podría ser una pasión más fuerte para él que la fotografía fija. “Ya sentí la soledad del fotógrafo de larga distancia”, bromea. “Te vas a pasar un verano en África: vas solo al aeropuerto, [viajas] solo y, al final del día, regresas a tu hotel”. Por el contrario, sus asignaciones de British Lion involucraron a “un grupo que parecía ser muy feliz, desde arriba hasta abajo. Parecía que lo que estaban haciendo era divertido. Sin embargo, nunca he estado en un lugar de trabajo tan disciplinado: ¡los AD eran ex comandantes de regimientos de tanques! Se podía escuchar caer un filtro en el set”.

Si bien el aspecto colaborativo de la realización de películas lo inspiró, el departamento de cámara que demostró no lo hizo. “Vi cómo se ilumino y pensé: ‘¡Vaya, eso se ve feo!’ Utilizaron un sistema de iluminación tan anticuado, con luz dura y luz por todas partes. Las sombras tienen que ser desterradas. No había nada artístico en ello. Y me preguntaba cómo sería si pudiera filmar películas”.

En Perú durante el rodaje de la serie de televisión británica Disappearing World para Granada Televisión.

Se postuló al Royal College of Art para estudiar cine. Su solicitud fue aceptada y disfrutó trabajar con compañeros como Tony Scott, con quien colaboraría en el futuro. En un mar de aspirantes a director, Goldblatt filmó muchas películas de estudiantes, aprendiendo más sobre el oficio cada vez.

Después de recibir su título, vendí su colección de cámaras fotográficas para obligarse a aguantar los trabajos de cinematografía, que eran muchos más escasos. “Estaba decidido a ser director de fotografía y tenía que hacerlo bien, no tenía otros recursos financieros”.

Imaginar a partir de la experiencia

Goldblatt atribuye su capacidad para previsualizar cómo se vería una escena en la película a su experiencia en fotografía fija, y todavía cree que esta habilidad es esencial para el éxito de un director de fotografía. También hizo un estudio detallado de las emulsiones de cine Eastman Kodak de 35 mm de la época. “Creo que grabado en mi corazón está ‘5254, 5247, 5293…’”, declara. “Aprendí, trabajando, lo que podía y no podía hacer con esas películas. Había un nivel serio de ansiedad al principio porque no podías ver cómo se veía realmente la imagen hasta los rodajes diarios; tenías que imaginar constantemente cómo se vería todo. Eventualmente, después de haber hecho suficiente trabajo, sabes cómo se verá lo que estás imaginando”.

En el Valle del Loira de Francia mientras filmaba un documental sobre globos aerostáticos.

Una de las primeras oportunidades para rodar películas surgieron en el campo de los documentales. Goldblatt filmó dos documentales etnográficos para Granada Televisión, que lo llevaron a él, un director y pequeños equipos a la Amazonía ya la Cordillera de los Andes para filmar durante muchos meses seguidos. Sigue orgulloso del trabajo que hizo en condiciones difíciles, pero, después de presenciar muchos actos criminales, ver a un director casi morir y, en un trabajo, entrar en coma él mismo, decidió cambiar de rumbo.

Regresó a Londres y comenzó un filmar comercial. «No lo sabía», dice, «pero esa era una tarjeta de presentación para los largometrajes». Empezó a trabajar para Tony Scott y Brian Gibson, que se estaban haciendo un nombre en el mundo comercial.

Hazel O’Connor en Rompiendo cristales (1980).

La pantalla grande

Cuando a Gibson le ofrecieron su primer largometraje, la anárquica película punk-rock de 1980 Breaking Glass, se llevó a Goldblatt. “Estaba volando por el asiento de mis pantalones”, recuerda el director de fotografía, y agrega que esto en realidad resultó ser una ventaja. “Ni siquiera sabía cómo pedir una configuración de iluminación convencional. Iluminaba a través de las ventanas, exponía de par en par con la luz de las velas, todas estas cosas que se pusieron de moda en unos pocos años. Pero lo hice porque no sabía cómo hacer las otras cosas”.

El siguiente proyecto de Goldblatt fue el thriller de ciencia ficción Outland, protagonizado por Sean Connery y dirigido por Peter Hyams, quien definitivamente filma sus propias películas. “Peter me contrató para despedirme”, dice Goldblatt. Al darse cuenta de que Hyams tenía la intención de fotografiar la película él mismo, Goldblatt decidió aprovecharla al máximo.

Sean Connery en Terrallende (1981).

Se iban a filmar numerosos efectos en la cámara con un nuevo sistema de proyección frontal, IntroVision, que usaba placas de vidrio. “Me di cuenta de que si no aprendía sobre proyección frontal, retroproyección, espejos semi-plateados y todo eso, me despedirían”, dice Goldblatt. Le da crédito al supervisor de efectos visuales William Mesa por ponerlo al día. “Gracias a la bondad de su corazón inspirado en el budismo, Bill me puso en un curso intensivo de tres semanas sobre cómo hacer todos los trucos. Lo más importante que aprendí fue que no se pudo medir la luz en los elementos de efectos. Podrías tomar una lectura de luz incidente de la cara o el cuerpo de un actor, pero luego tendrás que equilibrarlo todo a ojo”. Fue una habilidad que Goldblatt pronto dominó.

The Hunger, de Tony Scott, un thriller de vampiros de 1983 protagonizado por David Bowie y Catherine Deneuve, le dio a Goldblatt una oportunidad de oro para mostrar lo que podría aportar una historia muy estilizada. Scott y él se llevaban bastante bien, pero el director, que compartió la afición por las sombras, cuestionaba con frecuencia el trabajo de Goldblatt. “Tony tenía la costumbre de decir, justo antes de que empezáramos a filmar, ‘Apaguen algo’. Entonces, comencé a colocar luces adicionales, sin que él lo supiera, para poder apagar dos o tres de ellas y él sería feliz”.

Goldblatt proveyó imágenes sorprendentes al elegante drama de vampiros de 1983 The Hunger, dirigida por Tony Scott, y protagonizada por David Bowie y Catherine Deneuve.

Bowie como se ve en la película.

Catherine Deneuve captada en un elegante primer plano.

En la producción, Goldblatt experimentó con varias técnicas de iluminación que anteriormente no habían tenido el presupuesto para intentar. A veces se iluminaba con Brute Arcs colocados lejos y probaba varios efectos en los que había pensado pero que nunca usó, como colocar la luz principal (dirigida a través de un gran marco de difusión) en una plataforma rodante que empujaba hacia una actriz que se acercaba mientras la lente permanecía en su primer plano. “Esta técnica aumenta la suavidad de la luz, envolviendo más”, explica. “En una toma amplia, no puedes obtener la difusión tan cerca como quisieras para realmente dar forma a la cara. Generalmente, cambia la configuración para un primer plano y acerca de la difusión para tener una luz más suave. Si la toma avanza hacia el talento, entonces no tiene la oportunidad de ‘limpiar’ el primer plano en una configuración separada. Entonces,

Hoy, le da crédito a Scott con la hermosa estética de la película y el electricista jefe Martin Evans por crear soluciones ingeniosas a problemas difíciles, que incluyen «colgar una luz de arco, apuntando hacia abajo a unos 45 grados, de un columpio de trapecio de gran tamaño».

Avances taquilleros

Sin lugar a dudas, Lethal Weapon  fue un salto a la corriente principal. “No fue un gran presupuesto, alrededor de $20 millones”, señala Goldblatt. “¡Pero hizo tanto dinero!”

Escrito por Shane Black, el guión comienza con el suicidio de una mujer joven, y Goldblatt presentó una foto icónica de 1947 de Robert C. Wiles en su entrevista con el director Richard Donner. La imagen muestra a una mujer joven que acaba de suicidarse saltando del Empire State Building y aterrizando en un automóvil estacionado, que parece estar acunando su cuerpo sin vida en su techo abollado. “Pensé que era una imagen tan inquietante, así que la traje conmigo y Donner me ofreció la película en el acto”, dice Goldblatt. De hecho, el director reescribió la escena de apertura para hacer referencia a la imagen específica.

Colaborando con el director Richard Donner en el thriller de acción Lethal Weapon de 1987.

Goldblatt y Donner se llevaron bien, y la colaboración continuó en Lethal Weapon 2, otra producción de acción que ayudó al director de fotografía a aplicar su experiencia de efectos en la cámara a una gran persecución en la que Mel Gibson y Danny Glover iban a toda velocidad por las calles de Los Ángeles. Inicialmente, los cineastas intentaron filmar la escena en el lugar, pero Donner se sintió frustrado por la asistencia de video (no podía ver a sus actores) y rápidamente canceló el rodaje para encontrar una mejor manera.

La solución involucró el uso de retroproyección en un estudio de sonido en Warner Bros., y Goldblatt supervisó el rodaje de las placas necesarias. También solicitó un procesamiento especial del material a proyectar, aumentando el contenido de plata en el positivo para aumentar el contraste.

Las imágenes resultaron parecer excesivamente contrastantes a una vista simple, pero resolvieron un problema que Goldblatt había notado con este tipo de trabajo. Él explica: “Una vez que se proyectaron estas imágenes, el derrame de luz las desaturaría y reduciría el contraste en las copias, por lo que se leen como si tuvieran un contraste normal en la versión final. No creo que eso se haya hecho antes. Donner pudo dirigir a los actores y pudimos hacer que la escena pareciera muy real”.

Le da crédito al camarógrafo Ray de la Motte por ayudar a vender la ilusión. “No ensayábamos, y animé a la muñeca a mover la cámara como si estuviéramos filmando desde un automóvil independiente”, recuerda. “Ray realmente le dio una sensación de movimiento a las tomas, como si estuviéramos en una persecución de autos”.

Goldblatt trabajó con el director Joel Schumacher en las películas de Warner Bros. Batman Forever y Batman & Robin. En muchos sentidos, dice, estas películas fueron de las últimas de una era. “De hecho, construyeron escenarios del tamaño que parecen tener en la pantalla; prácticamente no había pantalla verde o pantalla azul. Cuando el Batimóvil tuvo que chirriar por las calles de Nueva York, iluminamos Wall Street, ¡e iluminamos hasta 40 pisos de altura desde el suelo! Fue la configuración más grande que tuve que hacer y que haré, hoy en día, la mayor parte porque se haría con efectos visuales. El maravilloso [supervisor de efectos visuales] John Dykstra [ASC] se hizo cargo de nuestro trabajo y luego lo aumentara, por así decirlo, pero la tecnología en comparación con la que tenemos ahora era primitiva”.

Goldblatt aportó una paleta de colores a Batman Forever (1995), dirigida por Joel Schumacher.

Examinando una configuración para Batman Forever con la actriz Nicole Kidman.

Un bate de utilería se cierne detrás del director de fotografía en el plato.

En la Lista A

Goldblatt también se distinguió en los primeros días de las «producciones de prestigio» de HBO, comenzando con el drama de la Segunda Guerra Mundial de 2001 Conspiracy, que mostró la infame Conferencia de Wannsee.  Goldblatt convenció al director Frank Pierson para filmar cámara en mano “con el gran operador Trevor Coop usando cámaras Super 16 mm”, lo que permitió a los cineastas completar 10 páginas de guión por día y lograr un estilo documental inmediato. El éxito de este proyecto condujo a otra producción de HBO, Path to War, dirigida por John Frankenheimer.

Fue en la siguiente salida de Goldblatt para HBO que forjó lo que consideró su colaboración más gratificante con un director, a pesar de que tuvo un comienzo algo difícil. El proyecto fue la adaptación a la miniserie de Mike Nichols de Angels in America, basada en la aclamada obra de Tony Kushner.

“Fui a encontrarme con Mike en el Hotel Bel-Air”, recuerda Goldblatt. “Tuvimos una reunión maravillosa. No hablaba del trabajo, pero claro, nunca lo hacía; siempre hablaba de las experiencias de su vida, y me di cuenta de que en realidad estaban iluminando la vida interior de la historia».

Sin embargo, cuando comenzó la preparación, Goldblatt descubrió que Nichols era tan insufrible que avisó al productor ejecutivo Cary Brokaw con dos días de anticipación para que buscara un nuevo director de fotografía, en la tercera semana de la fotografía principal. Goldblatt recuerda: “Estaba subiendo al taxi que me llevaría a casa. Estaba muy molesto, y el asistente de Mike me agarró del brazo, me sacó del taxi y me dijo: ‘¡Mike debe verte!’ Fui y lo vi, y él me miró y dijo: ‘No puedo evitarlo’. Hasta que confiara plenamente en alguien, podría ser muy difícil, y lo sabía. Pero me dijo que sí confiaba en mí y me pidió que me quedara.

“Salta muchos meses adelante, y quería compartir una idea de cómo pensé que se podría filmar un momento muy grande y elaborado, y Mike me detuvo y dijo: ‘No quiero escuchar; No quiero ver el ensayo; No quiero saber nada al respecto. Quiero que me sorprendas. Luego, ese día, después de la primera buena toma, me abrazó y me besó en ambas mejillas”. La secuencia resultó de un ángel (interpretado por Emma Thompson) que aparece de manera espectacular.

Goldblatt en exteriores durante la producción de Charlie Wilson’s War (2007) con el verdadero Charlie Wilson (extremo izquierdo) y el director Mike Nichols (centro).

Goldblatt luego filmó las dos últimas películas de Nichols: el drama abrasador Closer y la comedia política La guerra de Charlie Wilson, y muchas otras películas sorprendentes.

Pagar hacia adelante

A lo largo de su carrera, Stephen Goldblatt, ASC, BSC se ha tomado el tiempo de asesorar a cineastas más jóvenes a través del Instituto Sundance y otras organizaciones. La actriz Octavia Spencer dijo, al entregar un Goldblatt el premio ASC Lifetime Achievement Award el 5 de marzo, que él también la había educado durante la filmación del drama de época The Help de Tate Taylor. En particular, recordó cómo él le explicó amablemente «con gran detalle» por qué era importante para ella dar en el blanco en una escena en particular, una cortesía profesional de la que no solo aprendió, sino que nunca olvidó.

En el lugar de la película biográfica de James Brown Get on Up de 2014, con el director de la película, Tate Taylor.

Goldblatt ha sido honrado con dos nominaciones a los premios de la Academia por El príncipe de las mareas y Batman Forever , tres nominaciones a los Primetime Emmy: Conspiracy, Path to War y Angels in America, tres nominaciones a los premios ASC: El príncipe de las mareas, Batman Forever y Ángeles en América, y el premio Camerimage Lifetime Achievement Award.

En sus comentarios en la ceremonia de los Premios ASC de este año, expresó su agradecimiento a quienes lo han ayudado a lo largo de su carrera, entre ellos Nichols, Donner y Taylor; los camarógrafos De La Motte, Will Arnot y Henry Tirl; y los gaffers Evans, Colin Campbell, Steve Mathis y Jim Plannette.

“Sin embargo”, dijo, “más allá de todos los colegas y colaboradores, la fuerza, la perspicacia, el coraje, la paciencia y el amor de mi esposa Deborah han significado todo para mí”.

En la 37.ª entrega anual de los premios ASC el 5 de marzo de 2023, Goldblatt y su presentadora, Octavia Spencer, con quien se hizo amigo mientras filmaba el drama de época The Help (2011), dirigida por Tate Taylor.

Hoyte Van Hoytema

WELAB Plus

18 de Octubre, 2022

¿Quién es Hoyte Van Hoytema?

Quizás no hayas oído hablar mucho de nuestro protagonista de hoy. Pero estamos convencidos de que has visto más de una de sus películas. Hoy hablamos del DF neerlandés-sueco Hoyte Van Hoytema. Pertenece a una “nueva generación” de directores de fotografía, que seguro dará mucho que hablar a lo largo de los años.

Hoyte Van Hoytema nació el 4 de octubre de 1971 en Horgen, Suiza. Su infancia transcurrió en Holanda. Al crecer, trató de ingresar un par de ocasiones en la Escuela de Cine. Ambas veces fue rechazado. Tras la negativa por parte de la escuela, Van Hoytema pasó por diferentes puestos de trabajo. Llegó a trabajar en una fábrica de jabón, en una carpintería e incluso tocó en una banda.

Tras un tiempo de empleo en empleo, Hoyte y su hermano decidieron ir a Polonia a visitar y conocer mejor sus raíces. Su abuelo era polaco. Allí, asistió a la escuela de cine polaca de Lodz. Por esta escuela han pasado grandes cineastas, entre los que cabe destacar a Andrzej Wajda, Roman Polanski o Krzysztof Kieslowski.

Durante la última etapa de Hoyte en Lodz, Kieslowski fue su profesor. Incluso llegó a supervisar uno de sus últimos proyectos. Finalmente, abandonó la escuela sin haber obtenido el título, pero con muchas credenciales y una técnica muy pulida.

Sus primeros pasos en el mundo de la dirección de fotografía están estrechamente ligados a la elaboración de documentales. Más tarde, rodó una película de muy bajo presupuesto en Noruega. Esto permitió a nuestro protagonista rodar su segunda película en Noruega. En esta ocasión, dirigida por un productor muy activo en Suecia.

Primeros trabajos

Tras finalizar el proyecto, el productor le ofreció trabajar en un programa de televisión y en otro largometraje. La carrera de Hoyte empezaba a despegar. Poco a poco fue obteniendo fama en Suecia. Pero, “Delame entrar” (2008), de Tomas Alfredson, fue la película con la que consiguió un mayor reconocimiento internacional.

Fotograma de “Déjame entrar” de Tomas Alfredson

La siguiente película en la que participó fue “El luchador” (2010), dirigida por David O. Russell y protagonizada por Mark Wahlberg y Christian Bale. A Bale, este film le valió para hacerse con el Oscar a Mejor Actor de Reparto, gracias a una de sus más sorprendentes caracterizaciones.

En 2011, el director Tomas Alfredson volvió a contar con Hoyte Van Hoytema para otra de sus películas. Esta vez se trataba de “El topo” (2011). En este film, Gary Oldman interpreta a un espía británico que se ve forzado a abandonar su jubilación.

Dos años más tarde, el director de fotografía neerlandés-sueco trabajó en la película “Her” (2013). Esta película dirigida por Spike Jonze, cuenta la historia de un hombre enamorado de su asistente de voz.

Fotograma de “Her” (2013), de Spike Jonze

Si una de las colaboraciones de Hoyte Van Hoytema destaca, es sin duda la realizada junto a Christopher Nolan. Junto al londinense ha trabajado en “Interestelar” (2014), “Dunkerque” (2017), y “Tenet” (2020).

“Interestelar” (2014,) de Christopher Nolan

“Dunkerque” (2017), de Christopher Nolan

Fotograma de “Tenet” (2020), de Christopher Nolan

Su fotografía también ha aparecido en una de las sagas de acción más importante de todos los tiempos. Junto al director Sam Mendes, trabajó en “Spectre” (2015) una de las últimas entregas de James Bond.

“Spectre” (2015), de Sam Mendes

También dirigió la fotografía de “Ad Astra” (2019). Una película ambientada en el espacio, protagonizada por Brad Pitt y dirigida por James Gray.

Fotograma de “Ad Astra” (2019), de James Gray.

Su trabajó más reciente es la película de terror “Nope” (2022) dirigida por el oscarizado Jordan Peele.

“Nope” (2022), de Jordan Peele

Filosofía de trabajo y Técnicas utilizadas

• Su trabajo como director de fotografía se basa en el naturalismo mejorado. Busca capturar imágenes épicas. Llenas de dinamismo, carácter y textura.
• Siempre que sea posible prefiere rodar sin demasiados efectos visuales. Así consigue mantener ese naturalismo y la textura original que le otorga la película.
• Su iluminación también es naturalista.
• Prefiere iluminar a los personajes de manera lateral. Con media cara iluminada y media cara en la sombra. Así se sabe de donde proviene la luz. También consigue dar más profundidad a los primeros planos.
• Le gusta iluminar a través de las ventanas, complementando la luz natural.
• También ilumina mediante el color. Siempre que la iluminación de colores sea creíble y esté motivada por fuentes de luz prácticas.
• Sus movimientos de cámara son bastante tradicionales. Proporciona a la audiencia un trabajo de cámara atractivo y familiar. Se aleja de escenas complejas, que sacan al espectador de la historia.
• Crea imágenes lo más inmersivas posibles

“Hasta cierto punto, siempre estoy tratando de encontrar algo nuevo a mis propios ojos. Aunque, uno gravita hacia lo que se siente seguro”. Hoyte Van Hoytema.

Equipo utilizado por Hoyte Van Hoytema

• Prefiere filmar en película, aunque también ha filmado en digital. Le gusta la textura fotográfica que se consigue al rodar en película.
• También le gusta filmar películas de gran formato. Sobre todo, por la perspectiva visceral que aporta el formato. Este gusto lo comparte con Christopher Nolan. Ambos buscan una experiencia más visceral que “observacional”.
• Al rodar con IMAX, ha utilizado el modelo MSM 9802
• Para trabajos de 35 mm, ha utilizado la Panaflex Millenium XL
• Y en digital, se decanta por Arri. Ha utilizado el modelo clásico y el Mini.
• Ha filmado con una gran variedad de lentes a lo largo de los años. Tanto estándar como personalizadas. Sin embargo, la mayoría de las lentes que escoge, se basan en un aspecto específico. Vidrio antiguo, con un nivel de suavidad vintage y desenfoque en los bordes de la imagen.
• Según el proyecto utiliza lentes anamórficas o esféricas.
• En anamórfico, prefiere Panavisión. Llegando incluso a solicitar a la marca modificaciones especiales, para conseguir destellos más cálidos.
• Para rodar en IMAX, utiliza lentes fijas Hasselblad, ya que cubren el negativo completo, sin viñetear la imagen.
• También ha usado otras lentes esféricas. Por ejemplo, las Zeiss Super Speed o las Cooke Speed Panchros. Estas últimas sin revestimiento.
• Cabe destacar que Hoyte Van Hoytema siempre rueda con la cámara al hombro. Incluso cuando rueda en IMAX.
• También suele usar cámaras fijas. Las suele colocar en un vehículo en movimiento, como un avión o un coche, aunque en alguna ocasión, las ha colocado en los propios actores.

Gracias a estas técnicas y equipo, el director de fotografía consigue una cinematografía épica, pero a la vez, inmersiva y basada en la realidad. No es la fotografía más “romántica”, ni la “manera más pulida de hacer las cosas”, pero nos acerca a la verdad. Sin importar la escala de la película, Van Hoytema siempre nos mostrará experiencias clásicas, íntimas e inmersivas.

Ellen Kuras DF

WELAB Professional Equipment.

Julio 2022

A lo largo de su carrera como directora de fotografía, Ellen Kuras ha trabajado diferentes géneros audiovisuales. Documentales, películas de alto presupuesto, largometrajes independientes, vídeos musicales y cortometrajes. Su trabajo destaca por mostrar su propio punto de vista y se caracteriza por el uso de “metáforas visuales” que reflejan el significado de la historia que se cuenta.

¿Quién es Ellen Kuras?

Natural de Nueva Jersey, Ellen Kuras estudió antropología. Durante su etapa estudiantil realizó varios proyectos documentales, esto se convirtió en su primer contacto con el mundo de la cinematografía. Su primer éxito como directora de fotografía llegó de la mano de un cortometraje documental rodado en Camboya. Estrenado en 1992, este proyecto recibió el premio Eastman Kodak Best Cinematography Focus Award y se proyectó en el Festival de Cine de Sundance.

Ese mismo año se encargó de la fotografía de “Compulsión” (1992) de Tom Kalin, su primer largometraje dramático, que dio el impulso a su carrera.

Fotograma de «Compulsión» (1992), de Tom Kalin

Ha rodado junto a directores de renombre como: Michel Gondry, Martin Scorsese, Spike Lee, Jim Jarmusch y Sam Mendes. En alguna ocasión también ha dirigido sus propios proyectos.

“Ahora hay un ambiente diferente en el mundo de la cinematografía. Puedes hacer una película con tu iPhone. Así que la pregunta es: ¿Qué te distingue de otra persona que está haciendo una película?”. Ellen Kuras.

Ellen Kuras cree que la respuesta a esta pregunta está en el punto de vista o la perspectiva que el director de fotografía aporta a sus proyectos. La DF utiliza su perspectiva para crear imágenes que reflejan el significado de la historia que se está fotografiando. Esta lección la aprendió al principio de su carrera, cuando contrató a otra persona para rodar su tesis de máster en antropología en los años ochenta. Aunque la película no tenía fallos técnicos, le faltaba una metáfora visual que conectara con el núcleo de la película.

A partir de ese momento cogió la cámara y empezó a rodar documentales. Se retó a sí misma a ser consciente de la forma de la fotografía y a esculpirla para adaptarla al significado de la película.

“Cada plano tiene una historia. Cada movimiento de la cámara tiene un motivo. Hay una razón para elegir los objetivos. ¿Por qué hacer un movimiento con dolly? ¿Por qué parece una buena toma? Puede ser. Pero entonces, ¿qué significa? Hay que entender que cuando vemos algo, lo percibimos visualmente como público y nos afecta”. Ellen Kuras.

Filosofía de trabajo

Ellen Kuras combina su conocimiento del lenguaje visual y la idea de trasladar a la pantalla la visión del director. A veces, esto requiere desviarse de sus propias preferencias para satisfacer los deseos del director. Le gusta crear una sincronía entre el director y el director de fotografía. Para crear esta relación, conocer a fondo la historia y familiarizarse con la visión que el director tiene de la película, insiste en una extensa preparación previa a la producción.

Para trabajos narrativos de larga duración, pide al menos cuatro días con el director antes de que empiece el rodaje. A nuestra protagonista no le gusta perder tiempo en el plató. Utiliza este conocimiento para traducir las descripciones y sentimientos del director sobre la historia en forma fotográfica tomando decisiones técnicas.

Por ejemplo, en “Olvídate de mí” (2004) de Michel Gondry, el lenguaje tenía que ser orgánico y dinámico para añadir naturalismo e imperfección a la relación de los personajes y evitar que la película se volviera estática. Para crear esta metáfora visual, decidieron rodar cámara en mano, con tomas más largas y sin preocuparse de que los planos fueran fijos. Esto añadió una capa emocional al trabajo de cámara y consiguió el tono visual adecuado para la película.

Fotograma de «Olvídate de mí» (2004), de Michel Gondry

Una de las primeras preguntas que se hace al crear el lenguaje visual de una película es desde qué punto de vista debe contarse la historia o una escena en concreto. Kuras apunta que es especialmente importante que los directores de fotografía sean conscientes de ello en los documentales. Ya que, a veces, se ruedan partes sin la presencia del director.

Equipos utilizados

Su primera cámara fue una de 16 mm, concretamente la Arri SR2. Esto le permitió rodar siempre que lo necesitó. También le permitió familiarizarse con la cámara al principio de su carrera, lo que le permitió manejarla con eficacia y eficiencia como una extensión de sí misma.

A diferencia de otros directores de fotografía, Kuras no se aferra a un determinado conjunto de objetivos, cámaras o películas. Cambia de equipo en función de las necesidades del proyecto.

Ha utilizado cámaras de 35 mm como las Panavision Millennium y Platinum, las Arricam ST y LT. Y claro, también su propia Arri SR2 de 16 mm. Aunque la mayor parte de su trabajo ha sido en celuloide, ha empezado a utilizar la Sony Venice para trabajos que requieren una cámara digital, que ha complementado ocasionalmente con la A7S II.

Entre los objetivos que ha utilizado se incluyen: Panavision C y E-Series anamórficas, el Cooke Xtal Express anamórfico vintage, Zeiss Super Speeds y Cooke S4s. Sin embargo, no se limita a los objetivos de focal fija y le gusta utilizar zooms como el Cooke Varokinetal de 16 mm o la gama Angénieux Optimo.

Cuando empezó su carrera, se opuso a la idea de que los directores de fotografía sólo debían utilizar objetivos de focal fija debido a la inferior calidad óptica de los objetivos zoom. Los zooms le daban la oportunidad de hacer movimientos sutiles. Kuras cuenta que obtuvo la bendición del legendario director de fotografía Sven Nykvist para utilizar zooms. Él le dijo que siguiera lo que sintiera, su punto de vista, y que dejara que eso influyera en las decisiones sobre el equipo.

Detrás de las cámaras de una toma aérea en «Olvídate de mí» (2004) de Michel Gondry

Le gusta encontrar soluciones creativas y no tiene miedo de limitar su selección de equipo cinematográfico en un trabajo. Por ejemplo, en “Olvídate de mí” (2004) no utilizó una dolly normal, sino que optó por una dolly de puerta o de trineo, o a veces incluso una silla de ruedas en la que el operador de cámara se sentaba con una cámara portátil al hombro mientras su empuñadura realizaba el seguimiento. Algunas tomas aéreas también se hicieron con una grúa GF-8 y se manejaron cámara en mano.

¿Cómo es su iluminación?

Le gusta incluir accesorios de iluminación prácticos en las localizaciones seleccionadas para sus escenas.  A veces los complementa con bombillas individuales conectadas a reguladores de intensidad, esto podemos observarlo en varias escenas de la película “Blow” (2001) de Ted Demme. Su veterano gaffer, John Nadeau, fabricó un creativo equipo de iluminación personalizado con cuatro focos de pinza fijados a un soporte en forma de C que se moldeaba y controlaba con cinta aislante. De este modo, se podía crear una luz realista y práctica.

Le gusta complementar la luz existente con luces de película añadidas. Por ejemplo, en una escena nocturna en el exterior de una calle, instaló luces de vapor de sodio adicionales en postes telefónicos para aumentar las farolas existentes.

Fotograma de «Blow» (2001) de Ted Demme

A lo largo de su carrera, Kuras ha utilizado diferentes tipos de película Kodak y Fuji. Sin embargo, le gustaban especialmente las de Fujifilm, como la Reala 500D, por su tono más frío en las zonas de sombra, su saturación y su grano. Una vez más, esto iba en contra del status quo de la época, según el cual las sombras debían ser de un negro puro, sin detalles cian.

En ciertas ocasiones, el estilo de Ellen Kuras ha ido en contra de las convenciones cinematográficas tradicionales. Pero, sus decisiones siempre han estado motivadas por su punto de vista, que utiliza metáforas visuales para reforzar la historia. Técnicamente es muy competente y además es toda una experta a la hora de operar la cámara. Pero, sin duda alguna, su cualidad más fuerte es el uso de su punto de vista. Eso es lo que realmente identifica y diferencia a cada director de fotografía de los demás.

Gordon Willis ASC

WELAM Plus

Junio 2022

¿Quién es Gordon Willis?

Su manera de tratar las luces y las sombras, magistral aunque incomprendida para la época, le hizo ganarse el apodo de “Príncipe de las Tinieblas”. Gordon Willis ha sido, sin ningún tipo de dudas, uno de los mejores directores de fotografía de la historia y un maestro a la hora de trabajar la subexposición. Acompáñanos en este artículo para conocer su vida, trayectoria profesional y las técnicas empleadas por este DF neoyorquino.

Queens, la Guerra de Corea y los inicios de Gordon Willis en el cine

Gordon Willis nació el 28 de mayo de 1931 en el barrio de Queens, el más grande de la ciudad de Nueva York. Hijo de un maquillador de la Warner Brothers, al terminar sus estudios en el Instituto Manhasset, probó suerte como actor y constructor de decorados en el teatro. Pero su verdadera pasión siempre fue la fotografía.

A principios de los años 50, Gordon Willis se alistó en las Fuerzas Aéreas de Estados Unidos donde fue asignado a la Unidad Cinematográfica durante la Guerra de Corea.

Una vez finalizado el conflicto, nuestro protagonista decidió volver a la Industria Cinematográfica que tanto amaba. Comenzó a trabajar como ayudante y operador de cámara para, finalmente, en 1970 debutar en el cine formando parte del equipo de “End of the road” (1970), de Aram Avakian.

Carrera cinematográfica y galardones

Después de su debut, conoció al director Alan J. Pakula con el que trabajó como Director de Fotografía para la película “Klute” (1971). Gracias a este film, Jane Fonda ganó el Oscar a mejor actriz tras interpretar a una prostituta que colabora con un detective en la resolución de un caso.

Un año más tarde empezaría una de sus colaboraciones más reconocidas por la crítica y el público, ya que Francis Ford Coppola quiso que Gordon Willis fuese el Director de Fotografía de “El Padrino” (1972).

Tras realizar esa película se ganó el apodo de el “Príncipe de las Tinieblas”, debido a la forma en la que aplicó sombras en los rostros de los actores. Willis también fue el encargado de la dirección de fotografía de “El Padrino: Parte II” (1974) y “El Padrino: Parte III” (1990), ambas dirigidas por Francis Ford Coppola.

Otro director importante para la carrera de Gordon Willis es, el también neoyorquino, Woody Allen. Han colaborado en ocho ocasiones, siendo “Manhattan” (1979) la cumbre estética de Allen y una de las grandes odas a la ciudad de Nueva York. Este film marcó la forma en la que se retratará la Gran Manzana en la mayoría de proyectos cinematográficos venideros. Otras películas a destacar de la colaboración entre ambos son “Annie Hall” (1977), primera película que realizan juntos y “La rosa purpura del Cairo” (1985), última colaboración entre el cineasta y el director de fotografía.

Gordon Willis y Woody Allen

En lo que a reconocimientos y galardones se refiere, fue nominado al Oscar por Mejor Fotografía en dos ocasiones. La primera por “Zelig” (1983), un falso documental dirigido por Woody Allen. La segunda nominación llegó de la mano de “El Padrino: Parte III” (1990), cierre de la trilogía dirigida por Francis Ford Coppola. Pero no fue hasta el año 2009 cuando se le hizo entrega del Oscar Honorífico por su larga trayectoria en el mundo del cine.

Filosofía y técnicas empleadas por Gordon Willis

Gordon Willis seguía una filosofía de trabajo basada en estos tres puntos:

• Ser directo para conseguir buenos resultados. Hacer sencillo lo complicado y no andarse por las ramas.
• Dominar y entender la luz, para no sentirse inseguro.
• Si quieres un estilo propio, debes tener claro qué elementos vas a usar.

“Nuestro trabajo no consiste en recrear la realidad, consiste en representar la realidad”. Gordon Willis

Gordons Wills y Francis Ford Coppola

Los trabajos de Gordon Willis destacaban por el empleo de las siguientes técnicas, por las cuales se ganó el apodo de “Príncipe de las Tinieblas”:

• El movimiento naturalista cambió la forma de ver el cine en los años 70 y Willis es uno de sus máximos exponentes.
• Hacía especial énfasis en los contrastes, jugaba con la luz y los negros. Cambia de oscuridad a luz.
• Su manera favorita de iluminar una escena era mediante iluminación cenital. El foco se situaba en la parte superior de la escena para iluminar desde arriba, lo que hacía que en muchas ocasiones los ojos de los actores no se veían con claridad. El ejemplo más claro de esto, son los ojos de Marlon Brando durante el rodaje de “El Padrino” (1972). No mostrarlos era la manera que tenía el DF de ocultar el excesivo maquillaje que llevaba el actor, ya que debía aparentar bastante más edad.
• En ocasiones, iluminaba los rostros de tal manera que un lado aparecía iluminado y otro no. Con esto, trataba de hacer un símil con los mafiosos, personas que siempre tienen un lado oculto.
• Era todo un experto de la subexposición, llegando a convertirla en un arte.

El Padrino (1972) de Francis Ford Coppola

Sin la existencia de Gordon Willis el cine tal y como lo conocemos hoy en día sería diferente. Su tratamiento de las luces y las sombras o la forma en la que retrató la ciudad de Nueva York, han servido de base para gran parte de los Directores y Directoras de Fotografía actuales. Falleció el 18 de mayo de 2014.

 Matthew Libatique

WELAM Plus

Diciembre, 2022

¿Quién es Matthew Libatique?

Matthew Libatique ha fotografiado desde películas de bajo presupuesto hasta algunos de los blockbusters de superhéroes más taquilleros de la historia del cine.

La mayoría de los directores que trabajan con él se sienten atraídos por su riesgo creativo, sus primeros planos atrevidos, subjetivos y directos. Esto, combinado con su gran experiencia y sus conocimientos de configuraciones técnicas, lo hacen uno de los DF más completos del momento.

El director de fotografía nació el 19 de julio de 1968 en Queens, Nueva York. De padres filipinos, estudió sociología y comunicación en la California State University en Fullerton. Más tarde estudió un Máster de Cinematografía en el AFI Conservatory de la ciudad de Los Ángeles. Allí conoció a un director que sería uno de sus colaboradores más importantes y duraderos: Darren Aronofsky.

«Hay muchas maneras de rodar una película. En este mundo, en el que hay tanta gente que intenta hacer películas, ser original también es realmente difícil. Cuando intentas crear algo especial, tienes que dejarte llevar». Matthew Libatique.

Colaboró en el primer cortometraje de Aronofsky, “Protozoa” (1993). También fue el encargado de fotografiar la primera película del director: “Pi” (1998).

Tras el éxito de las primeras películas de Aronofsky, Libatique empezó a trabajar como director de fotografía de largometrajes con otros directores de fama mundial, como Spike Lee, Jon Favreau o Bradley Cooper.

Sin duda, una de las principales características de la fotografía de Libatique es su interés por asumir riesgos visuales. Esto da lugar a los conocidos como «errores» o «accidentes felices».

Lenguaje visual y compartir ideas

Sus películas suelen tener un lenguaje visual que no se ajusta a las convenciones cinematográficas de Hollywood. A veces, sus movimientos de cámara y su iluminación distorsionan deliberadamente y desafían lo que se considera una imagen perfecta y limpia, encontrando la belleza en las imperfecciones.

Por ejemplo, su película “Pi” (1998) de Darren Aronofsky, se rodó con una película reversible en blanco y negro de alta sensibilidad. Esta película tiene una latitud de exposición mucho más limitada que la película negativa en color tradicional. El resultado fue una película en blanco y negro de altísimo contraste, totalmente opuesta a las imágenes en color de Hollywood.

Otro ejemplo de riesgo visual es el uso de monturas corporales en películas de Aronofsky. En “Requien para un sueño” (2000), la cámara se sujetó directamente a los actores para obtener un punto de vista subjetivo y centrado en ellos. Incluso en “Venom” (2018), una de sus películas con mayor presupuesto, a menudo dirigía la luz directamente a las lentes anamórficas. Esto generó un gran número de destellos horizontales que ensuciaban la imagen.

Fotograma de «Requiem por un sueño» (2000) de Darren Aronofsky

Gran parte de estas ideas visuales provienen directamente del director. Especialmente si se trata de Aronofsky. Pero en ocasiones, surgen de la colaboración y las pruebas realizadas previas al rodaje. Por ejemplo, antes del rodaje de “Ha nacido una estrella” (2018), Matthew Libatique y el director Bradley Cooper realizaron varias pruebas de cámara. Allí surgieron ideas como el uso de una luz roja, similar a la que tenía el director en su cocina, para algunas escenas de la película.

Otra característica de la fotografía del DF es su interés por el punto de vista de la cámara y la perspectiva subjetiva u objetiva que aporta a la escena. Es conocido por utilizar una cámara muy subjetiva. Para ello, filma a los protagonistas casi de frente, en grandes primeros planos ajustados que aíslan al personaje en el encuadre.

También suele rodar cámara en mano. Al hacerlo como si estuviera atado a los actores, hace que las tomas se centren más en el personaje y sean más subjetivas. Aunque, en otras historias ha rodado con un estilo más amplio, distante y objetivo. Pero sea cual sea la película, siempre es muy consciente de dónde coloca la cámara y del efecto que produce en el público.

Fotograma de «Ha nacido una estrella» (2018) de Bradley Cooper

¿Qué sabemos sobre su manera de iluminar?

Antes, hemos comentado que Matthew Libatique no se ajusta en muchas ocasiones a los cánones establecidos por Hollywood. En el terreno de la iluminación esta idea no varía.

«Lo que más me ha impresionado a lo largo de mi carrera es el impacto de la iluminación reflectante» – Matthew Libatique

Hay dos métodos para medir la cantidad de luz durante un rodaje. El primero se llama medición incidente. El fotómetro se coloca directamente entre la fuente de luz y el sujeto, de cara a la luz, para determinar cuánta luz incide directamente sobre él.

Otra forma de medir la luz, que utiliza Libatique, es la medición por reflexión. En lugar de orientar el fotómetro hacia la luz, lo orienta hacia el sujeto. De este modo, el fotómetro mide la cantidad de luz que incide sobre el sujeto y rebota en él.

Equipo utilizado por Matthew Libatique

Libatique cambia mucho de formato, cámara y objetivos en función de la historia y las necesidades prácticas. Algunos de sus trabajos los ha rodado en 16 mm con Fuji Eterna. Pero también ha utilizado Kodak Vision en otros casos. También ha rodado muchas de sus películas en 35 mm, alternando de nuevo entre Fujifilm y Kodak.

Desde que comenzó a usar digital, utiliza sobre todo diferentes versiones de la Arri Alexa. Especialmente la Alexa Mini, aunque a veces utiliza cámaras RED. También ha utilizado la Canon 7D DSLR con un objetivo de 24 mm de la serie L para rodar varias escenas de “Cisne negro” (2010) de Darren Aronofsky.

Fotograma de «Cisne Negro» (2010) de Darren Aronofsky

Su selección de objetivos es muy variada. Alterna entre objetivos esféricos y anamórficos. Algunos de ellos han sido los Panavision Ultra Speeds, Cooke Anamorphics, Zeiss Ultra Primes, Panavision Primo y Cooke S4. En “Ha nacido una estrella” (2018) de Bradley Cooper, llevaba dos juegos de objetivos anamórficos diferentes. Los Cooke Anamorphics, más modernos y limpios, y los Kowas, súper vintage. Cambiaba de uno a otro en función de la sensación que quería obtener.

En general, la iluminación de sus películas tiende más hacia el naturalismo. Sin embargo, introduce cambios sutiles en función de la naturaleza y el tono de la historia. En la comedia “Rudy Sparks” (2012) de Jonathan Dayton, la iluminación, aunque naturalista, era muy suave y difusa en los rostros de los actores. En “Straingh Outta Compton” (2015) de F. Gary Gray, con un tono más tenso y dramático, las sombras eran más duras, había menos difusión y una exposición general más baja, sin dejar de ser naturalista.

Desde el auge de la iluminación LED, suele utilizar dispositivos como LiteGear, LiteMats, Astera Tubes y Arri Skypanels. Prefiere montarlos en un tablero para poder ajustar con precisión los niveles. Incluso hacer cambios sutiles mientras la cámara se desplaza por el espacio.

Aunque ha utilizado todo tipo de equipos para mover la cámara, desde un robot Movi hasta una Steadicam o un Dolly, prefiere manejar la cámara en mano sobre el hombro. Por ejemplo, incluso en la superproducción de Marvel “Iron Man” (2008) de Jon Favreau, de la que cabría esperar que sólo utilizaran dolly, grúa y steadicam, rodó con la cámara al hombro en más de una ocasión.

Fotograma de «Iron Man» (2008) de Jon Favreau

Aunque Matthew Libatique utiliza muchas herramientas diferentes para capturar sus imágenes, no lo hace al azar. Ser un buen director de fotografía es algo más que conocer todos los equipos disponibles. Se trata de saber cómo utilizar ese equipo para obtener el efecto buscado. A veces ese efecto debe ser un poco más sutil, pero ciertas historias exigen audacia.

Sus imágenes pueden asumir grandes riesgos creativos que van en contra de las convenciones y las expectativas, pero esos riesgos sólo se asumen cuando están justificados por la historia. Esto podemos observarlo en dos de sus últimas peliculas: “The wale” (2022) de Darren Aronofsky, y “No te preocupes, querida” (2022) de Olivia Wilde.

Wally Pfister DF

WELAN Plus

Agosto 2019

Wally Pfister pasó de rodar películas de clasificación R a ser autor de algunos de los títulos cinematográficos más populares de toda la década de los 2000.

¿Quién es Wally Pfister?

Nació el 8 de julio de 1961 en la ciudad de Chicago (Illinois), pero se crió en Nueva York. Desde muy pequeño fue un apasionado al cine y la televisión. Sus inicios en el mundo del cine se remontan a su etapa en la secundaria. Y es que, tras acabarla daría sus primeros pasos como asistente de producción en la cadena de televisión WMDT-TV.

Pero lo que realmente le catapultó al éxito fue comenzar a filmar películas como “Vidas desiertas” (1999) de Ron Judkins , la cual participó en el Festival de Cine de Sundance. Allí conocería a Christopher Nolan, el resto es historia del cine.

Pfister también es conocido por su trabajo en películas como “The Italian Job” (2003) de F. Gary Gray, “El caballero oscuro” (2008) Christopher Nolan, “El caballero oscuro: La leyenda renace” (2012) de Christopher Nolan o “Transcendence” (2014) de Wally Pfister.

Filosofía de Wally Pfister

Uno de los pilares fundamentales de la filosofía de Pfister es la idea de que el trabajo de un DF es la intersección entre ser un técnico y un artista, para él “la cinematografía es en parte arte y en parte artesanía”.

Gran parte del desarrollo de sus habilidades viene de su trabajo previo en películas de clasificación R. En este tipo de cintas, iluminar bien y de forma rápida es clave. Esto, junto a su pensamiento creativo, le permite representar mucho mejor visualmente cada historia en la pantalla. Todo esto se ve reflejado cada vez que se le presenta un guión.

“La primera lectura del guión la afronto como si fuera un espectador más. Ya en la segunda, comienzo a cuestionar lo que acabo de leer y surgen las primeras preguntas. En el proceso junto a Chris (Nolan), hago un listado con todas ellas y después me da su punto de vista. Es algo que ayuda en mi proceso creativo y me permite pensar con más claridad”. Wally Pfister

Este proceso lo ha utilizado en varias películas, especialmente en aquellas con varios hilos argumentales simultáneos como “Origen” (2010) de Christopher Nolan, película con la que gano el premio Oscar a la mejor Fotografía.

Fotograma de la película «Origen» (2010) de Christopher Nolan

Aspectos claves del trabajo de Wally Pfister

En un mundo cada vez más volcado a la filmación digital, Pfister se considera un amante y defensor acérrimo del formato anamórfico.

En más de una ocasión lo hemos visto trabajar con IMAX para conseguir esa espectacularidad característica del formato. El estadounidense también es partidario del uso de tomas muy abiertas, para definir el lugar en el que transcurre la acción e intensificar la acción de las distintas tomas.

En cuanto al movimiento de la cámara experimenta desde diferentes ángulos. Esto tiene una gran dificultad y genera cuestiones importantes: cómo iluminar una escena si se va a filmar desde todos los ángulos, o cómo esconder las luces. En la mayoría de casos lo soluciona situando las propias luces dentro del encuadre.

Fotograma de la película «El caballero oscuro» (2008) de Christopher Nolan

Suele colocar las luces de modo que la iluminación de un personaje provenga de un lado. La iluminación lateral de un personaje produce sombra en un lado de la cara, mientras que el otro lado se expone más. También, a menudo proyecta en los actores y actrices fuertes fuentes de luz de fondo, esto forma un reflejo alrededor de la parte posterior del cabello y los separa de un fondo más oscuro. Combina las técnicas de luz lateral y de fondo para producir un negativo con un fuerte contraste.

El estilo de Pfister es naturalista y poco estridente. No quiere que la fotografía se convierta en un impedimento para la trama. Debe encargarse de contar la historia, pero dejando el protagonismo a los personajes y a la narración.

Equipos más utilizados

El aspecto que utiliza en las películas de Nolan podría definirse en tres puntos:

• Suele rodar en 35 mm.
• Utiliza una combinación de película anamórfica y el formato Imax.
• Ilumina y expone el negativo con un alto nivel de contraste, color y saturación.

Como aficionado del formato anamórfico, la mayoría de sus trabajos de alta gama fueron rodados con lentes anamórficas Panavision, como Primos, E-Series y C-Series, y con cámaras Panaflex de 35 mm como Millenium XL y Platinum.

“Lo importante es que no se nos trata como nada más que narradores visuales de la película. Y en eso la gente no debería estar dictando qué tipo de equipo usamos para nuestras películas. Deberíamos ser los que, con nuestra experiencia, podamos elegir las herramientas que queremos utilizar”. Wally Pfister

En sus primeros trabajos con Nolan, Memento (2000) e Insomnio (2002), utilizaron casi exclusivamente lentes de distancia focal anamórfica de 75 mm. Para películas posteriores, prefirieron filmar en distancias focales de 35, 40 y 50 mm con la cámara físicamente más cerca de los personajes y la acción.

También llegó a usar cámaras especializadas como Arriflex 435 o Photo-Sonics 4C para películas en cámara lenta, a velocidades de cuadro más altas.

Fotograma de la película «Memento» (2000) de Christopher Nolan

Wally Pfister descubrió que siempre que mantuviera el enfoque del encuadre en las tomas Imax más hacia el centro, la transición era más suave cuando se hacía un corte entre los dos formatos. Así, los ojos de la audiencia continuaban en el mismo lugar.

Otro aspecto que también tiene importancia en sus trabajos junto a Nolan, fue el negativo. Le gustaba exponer la película y las clasificaba normalmente con un ISO más bajo. Si se recomendaba filmar una película de 500T de Kodak a 500 ISO, Pfister lo haría a 400 ISO. Luego, la película se revelaría regularmente a 500 ISO. Más tarde reducía la exposición en la misma cantidad para producir un negativo rico y de aspecto más profundo, buen contraste y saturación.

Sin duda, la carrera de Wally Pfister ha tenido un desarrollo lento, de menos a más. Su estilo está basado en la colaboración, un look característico de Hollywood (que varía según las necesidades de cada cinta) y una grabación de escenas de acción viscerales. Ha colaborado con varios directores de renombre, pero, sí uno destaca por encima de todos ese es Christopher Nolan. Todo esto, sumado a la mezcla entre tecnología y creatividad lo han convertido en uno de los DF más reconocidos de los últimos tiempos.