Consejo para escribir un guión y lograr el éxito

A lo largo de mi carrera como docente y guionista profesional he leído casi todos los manuales y libros de texto relacionados con las escritura del guión. La mayoría de los autores repite las viejas formulas ya establecidas por los pioneros y las actualizan cambiando algunos términos por otros, lo que hace que en definitiva exista muy poco material teórico novedoso.

La experiencia me ha enseñado que por más que uno lea la mayoría de la bibliografía existente, nada tiene que ver con el resultado final que se obtenga. Si bien es importante formarse intelectualmente y no estoy en contra con hacerlo, al contrario, lo promuevo, el conocimiento de las reglas existentes en la escritura audiovisual no asegura el éxito de un guion.

Entonces la pregunta que cabe hacerse es ¿que es lo que garantiza que un guion sea exitoso?. Y aquí las respuestas son varias. En primer lugar hay que tener en cuenta al público, quien es en definitiva quien paga por una entrada o quien sigue una serie de televisión. El público es el que manda. El que marca el terreno en el que los autores deben mover sus piezas. Sin el conocimiento del público al que va destinada la obra audiovisual es muy probable que cualquier proyecto que se inicie fracase. No es una regla de oro, pero es preferible no experimentar con el método de la prueba y el error, sobretodo con un margen de éxito tan ínfimo.

Además de saber cuál es el público apuntado, es fundamental conocer el género en el que va a versar el guion. Y esto básicamente se consigue mirando mucho cine, series, etc. Los libros ayudan, pero el manejo adecuado de los componentes que tiene cada género solo se puede incorporar pasándose horas frente a una pantalla de cine o televisión. Entender como funciona determinado género de ficción, es en principio, tener un As escondido bajo la manga, lo que en cuestiones de escritura audiovisual es sumamente valioso.

Saber narrar la historia de manera que sea entendible, atractiva e interesante es otro de los puntos que hay que saber manejar, porque como escribiera el filósofo David Hume “Si tienen la intensión de conmover en extremo a una persona con narración de algún suceso, el mejor método de agrandar sus efectos sería retardar artísticamente su exposición y excitar primero su curiosidad e impaciencia” (…) Esto que aquí plantea Hume no es otra cosa que narrativa pura, y saber como hacerlo para que de un posible resultado exitoso es parte de la práctica y el entrenamiento que un guionista debe tener. Algo asi como un piloto que a lo largo de su carrera va juntando horas de vuelo para terminar piloteando un Airbus 380 con 500 pasajeros a bordo.

He dejado el talento para lo último, porque sin dudas este es el punto en dónde las cosas no dependen de ningun factor que pueda modificar algo, sino que tiene que ver con aquello con lo que nacemos. Ser talentoso no es algo que se consiga en un supermercado por 50 pesos, tampoco algo que se logre a base de esfuerzo y tesón. O se es talentoso o no se es. El trabajo contante puede hacer que el talento se potencie, pero no puede generarlo. Como en toda profesión hay personas más talentosas que otras y ésta capacidad innata es la que hace la diferencia cuando uno lee un buen guión y un guion excelente.

Como consejo final digo que si bien toda teoría sobre la escritura audiovisual es necesaria y recomendable, no es la panacea, y mucho va a depender de que quien este detrás de la escritura de un guion, ya sea de cine o de televisión, tenga la capacidad de poder conjugar estos cuatro aspectos que he mencionado. Muchas veces apegarse a técnicas estrictas o modelos al estilo de lo que escribe Syd Field, Robert MacKee o Blake Snyder, pueden resultar interesantes como punto de partida, pero un problema a la hora de resolver las cuestiones más creativas.
Ya que nada de lo que dije garantiza un éxito asegurado, aunque ayuda a encontrarlo, lo mejor es dejarse llevar por la escritura, porque en definitiva, escribir un guión no debe representar una carga para el guionista sino una satisfacción, libre de toda atadura metodológica que atente contra la creatividad y el talento.

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El showrunner

El hombre orquesta

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Para los que transitamos en mundo de la escritura audiovisual televisiva escuchar la palabra showrunner es habitual, pero para aquellos que recién se inician en el oficio este vocablo de origen anglosajón puede resultarles desconocido. ¿Pero que es un showrunner?

El showrunner es aquella persona que tiene la idea de una serie televisiva y la lleva a cabo. Es como un director de orquesta que está atento a que todos los instrumentos den la nota justa y estén a tono con la pieza musical. El showrunner se encarga de cuestiones productivas como asi tambien argumentales y de artistica y no deja nada librado al azar.

Ser un showrunner implica tener un amplio conocimiento del medio, los formatos televisivos y las cuestiones administrativas y burocráticas de la industria. Es bueno que además tenga un nivel cultural elevado y que conozca sobre distinto temas y aspectos, los cuales después trasladará a sus proyectos.

Los showrunners mas conocidos son Chris Carter ideologo de “The X files”, J J Abrams quien fue el creador de la revolucionaria serie “Lost”, Vince Gilligam cerebro detrás de la exitosa “Breaking bad” o Frank Darabont y Robert Kirkman creadores de “The walking dead”

En nuestro país la figura del showrunner todavía es difusa. Algunos pueden decir que Adrián Suar sería nuestro principal showrunner, pero a diferencia de los nombrados, Suar recibe historias ya escritas por exitosos guionistas y las produce con su nombre que es totalmente distinto. Quizá nuestro verdadero showrunner sea Gastón Portal, quien escribe, produce y dirige sus series.

Si bien tenemos una calidad excelente en series televisivas todavía estamos lejos de formar una figura de showrunner al estilo de los que genera la televisión norteamericana. Igualmente, a no desanimarse y a seguir pensando en nuevas ideas e historias y quien sabe muy pronto, tendremos a nuestro gran showrunner.

Aquí un link donde pueden ver el documental “Showrunners”

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Como hacer un buen Pitch

Pitch
Hace poco asistí al taller de Pitching a cargo de Marian Sánchez Carniglia y me gustaría compartir con ustedes algunos conceptos interesantes sobre cómo se debe hacer un buen pitch cuando vamos a presentar nuestro proyecto.

El pitching se ha convertido desde hace ya algunos años en la mejor herramienta de defensa de los proyectos audiovisuales a la hora de la búsqueda de financiamiento o de un productor, por eso conocer algunas reglas y cómo debemos manejarnos en los breves minutos de los que disponemos puede hacer la diferencia entre un resultado positivo y uno negativo.

Pitchear, verbo derivado de la palabra en inglés Pitch y cuyo significado más acertado sería discurso, es una estrategia comunicacional entre alguien que quiere vender o posicionar su proyecto audiovisual en el mercado y un productor, canal de televisión o cualquier organismo del Estado destinado a la financiación de este tipo de proyectos.

Cada pitching es distinto al otro y varía según sea la relación que se da entre quien se expresa y quien escucha. Habitualmente, el que escucha dispone de escasos minutos para recibir la información, por lo que una de las habilidades de un buen “pitcheador” es la de saber aprovechar al máximo el escaso tiempo del que dispone. Para eso es necesario antes de presentarse a un pitching tener en claro las siguientes 3 máximas:

1) Conocer la industria
2) Conocerse a uno mismo
3) Conocer el proyecto

Si hemos hecho bien los deberes y podemos respondernos a estas tres máximas sin dudar, seguramente tendremos una gran parte de pitch en nuestro bolsillo. Pero saber esto solo no alcanza, hacen falta más herramientas para que nuestro pitch sea exitoso y logre entusiasmar a quien tenemos enfrente. Tengan en cuenta que es difícil que nos den una segunda oportunidad, por lo tanto debemos contar bien nuestro proyecto, manifestando todas las capacidades que este tiene y sabiendo de antemano todas las debilidades de las que adolece.

tesis
Las 5 W del pitch

Las 5 W del pitch tienen que ver con una serie de preguntas que por su origen en inglés llevan la W como su primera letra. Esta serie de preguntas deben seguirse en este orden cuando uno está frente a un posible inversor por cuestiones estratégicas. Estas son:

1) Por qué
2) Qué
3) Dónde
4) Cuándo
5) Quién o quienes

Cuando comenzamos un pitching debemos arrancar con el por qué, es decir con las motivaciones que nos llevaron a escribir tal guión o tal proyecto para un serial televisivo. La mejor manera de hacerlo es tratando de emocionar a quien tenemos enfrente, argumentando nuestra forma de trabajo, conociendo a fondo el conflicto de la historia y cual es el tema que aborda. Eso demostrá seguridad frente a quien nos esta escuchando. Es importante que uno sea claro, breve y coloquial. Ser demasiado formal solo ayuda a endurecer más el hielo de la primera vez. En este arranque hay que tratar de ser inteligente, efectivo, efectista, y estratégico.

Algunas preguntas con las que está bien empezar nuestro pitch:

¿Por qué quiero contar esta historia?
¿Por qué es relevante para mí y para el otro?
¿Por qué vale la pena?

Una vez que iniciamos nuestro pitch con el por qué, continuamos con el qué y aqui está perfecto realizarle a la persona que nos está escuchando alguna de las siguientes preguntas:

¿Qué pasa si…?
¿Qué haría usted si…?
¿Que conoce usted de…?

Y este es el momento ideal para utilizar la fórmula X meets Y . Esta fórmula consiste en definir nuestro proyecto abriendo con una obra importante y cerrando con otra obra importante. Sería algo así:
“Mi proyecto es como “El resplandor” de Stanley Kubrick con “Drácula” de Francis Ford Coppola”

Esto de relacionar una obra conocida con otra de igual reconocimiento le da al productor una idea de que tipo de proyecto es y que género o tono tiene. Es importante que aquí quede claro quien es el personaje principal y lo hacemos mediante dos características narrativas concretas:

1) Cómo empieza
2) Cómo termina

Para luego seguir con una serie de preguntas sobre el personaje:

¿Qué pretende?
¿Qué necesita?
¿Qué hace para conseguirlo y cuáles son sus miedos?

Es en esta etapa del pitching el momento en que debe quedar claro el arco de transformación del personaje, el punto de mayor clímax, el formato y la estética de nuestro proyecto.

El siguiente punto a seguir es el dónde. Aquí lo que se va a mencionar es el mundo en el cual se desarrolla la historia, el universo al que pertenece. Es un buen momento para introducir lo que se conoce como “Gimmick” El Gimmick es un anglicismo que hace referencia a todo elemento añadido a una obra creativa con el fin de hacer que sobresalga por encima del resto y que sorprenda a quien nos está escuchando. Por ejemplo, una serie de piezas de diseño que muestre y sintetice nuestro proyecto.

El punto cuatro es el cuándo, aquí es donde recién vamos a comentar el estado financiero y de producción de nuestro proyecto. Costos, aportes, financiamiento, dinero necesario para completar el presupuesto.

El punto cinco y último está referido a quién o quienes . Este es el momento para hablar de los actores involucrados, los técnicos y las cabezas de equipos de fotografía e iluminación, sonido, producción y dirección.

La regla de las 8 R de Michael Hutch

Para ir cerrando, estan las 8 reglas de Michael Hutch, a las cuales Marian Sánchez Carniglia le suma una más, por lo tanto son 9. Como todo lo anterior, la letra R es por su origen en inglés y son:

1) Revisar
2) Investigar
3) Escribir
4) Ensayar
5) Rapport
6) Revelación
7) Solicitud
8) Respuesta
9) Respeto

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Todos estos puntos son necesarios tener en cuenta antes de ir a hacer un pitch. Revisar bien nuestro proyecto. Investigar el mercado, la productora o canal al que vamos a presentarnos. Escribir el pitch antes. Ensayar varias veces. Lograr el rapport (fenómeno en el que dos o más personas sienten que están en “sintonía” psicológica y emocional). Tener siempre una revelación a mano (gimmick). Solicitar la ayuda económica necesaria. Esperar una respuesta de la persona con la que estuvimos, la cual es de 15 día, recién allí debemos volver a retomar contacto, no antes. Manejarnos siempre con respeto y educación.

Por último, algunas cosas a tener en cuenta. Lo que está prohibido:

1) Decir no sé
2) Decir dos veces lo mismo
3) Dudar o no responder a alguna pregunta

Lo que sí debemos hacer

1) Responder solo lo necesario
2) Mencionar el título de nuestro proyecto al menos 3 veces, esto hace que se le grabe en el inconsciente a quien nos está escuchando.
3) Si es una serie de televisión revelar el gancho del final de temporada. Esto abre la posibilidad de que el proyecto interese más por su proyección. Tengan en cuenta que hoy los canales o productoras de cable grandes no compran proyectos que no demuestren su potencial para futuras temporadas.
4) Revelar el carácter del personaje principal.
5) Utilizar el juego de palabras como una manera de que quien nos está escuchando se interese en nuestro proyecto.

Bueno, hasta aquí un síntesis de lo que se necesita para realizar un buen pitch, espero le haya sido de utilidad.

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Narrativas transmedias

Historias del futuro
nt

Hoy en día vivimos escuchando la frase “narrativas transmedias” pero poco sabemos realmente de qué se trata. Intuimos algo, pero es más una apreciación que una certeza. Lo cierto es que aún hoy, y luego de algunos años de que se empezara a hablar del tema, las cosas siguen siendo bastante confusas y las definiciones teóricas son tan difusas como lo poco que se sabe al respecto.

En principio hay que decir que explicar las narrativas transmedias no dependen solo de una definición, sino de un conjunto de elementos que sumados nos acercan mejor al fenómeno de estudio.

En primer lugar hay que saber que para que existan las narrativas transmedias se deben conjugar tres factores a saber:

1) La inteligencia colectiva, término acuñado por el sociólogo Pierre Levy, que plantea una forma de inteligencia superior en donde las masas mundiales se unen mentalmente en pos de un mismo objetivo o bien común.

2) Convergencia mediática. Este concepto fue utilizado por primera vez por Henry Jenkins, quizá junto con el argentino Carlos Scolari y la australiana Christy Dena, tres de los principales referentes en el tema, y se refiere a una nueva forma o estado en el que se desenvuelve hoy el productor- consumidor, quien con su intervención a través de las redes sociales redefine las historias, pasando a tener un rol más activo y dejando de lado su carácter de consumidor para pasar a ser lo que hoy se conoce como “prosumidor”

3) Fenómeno fan. Por último está el “fandom” o fenómeno fan que no es otra cosa que la relación de absoluta fidelidad entre una persona o colectivo humano hacia un actor, un cantante o un producto audiovisual, literario o musical. El fan es quien de alguna medida canaliza los dos factores anteriores, moviliza las masas y modifica las historias de acuerdo a sus gustos, de ahí que sea considerado fundamental para que este proceso sea posible.

¿Pero que otros factores entran en juego para que se pueda considerar que un producto es transmedia?

Podríamos decir que un producto se transforma o se gesta como transmedia cuando intervienen, además de la idea original, una estructura comunicacional alrededor del proyecto. Es decir, que cuando hablamos de transmedia, estamos hablando de cine, música, videojuegos, merchandising, juguetes, web, libros o cómics, Apps para dispositivos móviles, etc. Porque como dice Carlos Scolari “Cuando se hace referencia a las NT no estamos hablando de una adaptación de un lenguaje a otro (por ejemplo del libro al cine), sino de una estrategia que va mucho más allá y desarrolla un mundo narrativo que abarca diferentes medios y lenguajes. De esta manera el relato se expande, aparecen nuevos personajes o situaciones que traspasan las fronteras del universo de ficción. Esta dispersión textual que encuentra en lo narrativo su hilo conductor, aunque sería más adecuado hablar de una red de personajes y situaciones que conforman un mundo, es una de las más importantes fuentes de complejidad de la cultura de masas contemporánea” (Scolari, 2013: 25)

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Frases sueltas

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Cuando nada sale de nuestra cabeza

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– ¿Que estas haciendo?
– No me molestes, estoy escribiendo un guion
– ¿Y de que se trata?
– No sé, no vez que todavia no empecé

Esta pequeña escena dialogada puede que les resulte común si alguna vez intentaron escribir un guion ya sea para cine o para televisión. Sentarse horas frente al papel, para los más viejos, o pantalla para los más jóvenes y no poder sacar nada en limpio, ni siquiera INT. DORMITORIO CASA DE PEDRO – NOCHE. Frustrante ¿verdad? Todo nos molesta, todo nos distrae, todo nos incomoda, todo a nuestro alrededor parece estar conspirando en nuestra contra. Estamos odiosos, molestos, irascibles, agresivos y a la defensiva. Cualquier excusa es buena para expiar nuestra incapacidad creativa.
-¡Viste, por tu culpa, ahora se me fue la idea!
Como si esa idea tuviera alas y echó a volar por si sola para nunca más regresar.
A veces hasta la liga el perro o el gato
-¡Perro de mierda, justo ahora se te ocurre ponerte a ladrar! No te das cuenta que estaba a punto de encontrar el conflicto!
Como si fuera en el juego de la búsqueda del tesoro, el conflicto permanece oculto y no quiere darnos pistas para que lo encontremos. Mientras, el perro nos mira con cara de “yo no mastique tu ojota, fue la gata”

En fin, empezar a escribir un guión es un verdadero “rompe cocos” y una suerte de terapia de shock para algunos, que enfundados en la gallarda decision de escribir, se lanzan a la aventura cual Don Quijote contra molinos de viento, con la esperanza de llegar al final de la página 90 sin los “cable pelados”, separado de nuestra compañera o compañero y enemistado con uno mismo.

Para evitar que la mascota, los amigos, la pareja y quien se cruce por el camino carguen con toda la responsabilidad de nuestras momentáneas lagunas mentales, he ideado unos 10 “tips” que quizá pueden ayudarlos a no quedar como los malos de la película y a vencer la adversidad que provoca estar estancado.
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1) Tómese las cosas con calma. Si no sale hoy saldrá mañana. La inspiración no es de todos los días y suele ser bastante perversa con los escritores. Es capaz de aparecer en el momento menos indicado, justo cuando estamos viajando en colectivo, en auto o entrado a darnos una merecida ducha, en esos momentos en que la lapicera y el papel parecen estar a miles de kilómetros de distancia. Paciencia, no es al único que le sucede.

2) Levántese de la silla y de un par de vueltas por su casa. Salga a caminar al jardín, patio o calle. Esto le ayudará a frenar el loco impulso de querer romper la computadora o los pocos papeles que ha escrito, esto también evitará enfrentarse con su esposa, esposo o mascota y echarle la culpa.

3) Medite sobre lo que está haciendo, trate de pensar ordenadamente, repasando todos los puntos oscuros de la historia. Busque ejemplos en situaciones de la vida real, a veces la mejor solución está en lo cotidiano.

4) Cuéntele la historia a un conocido o conocida, ya sea por teléfono o personalmente y escuche atentamente todo lo que él o ella le dice. Quizá tengan la pieza que le está faltando.

5) Verbalice todo lo que le venga a la mente, no importa si suena algo desordenado en un principio, el cerebro es sabio y en algún momento el caos buscará encontrar un orden. Si puede utilizar cualquier medio de grabación sería ideal.

6) Haga mapas mentales utilizando un lápiz y papel y ligue a los personajes con la trama principal, sub tramas, ideas, situaciones, acciones, etc. Este ejercicio es sumamente útil para saber dónde está parado.

7) Deténgase a escuchar los sonidos de la naturaleza en el caso que este en un lugar alejado del ruido. Si no es así ponga una música agradable y envuélvase en su melodía. La buena música ayuda a equilibrar nuestras energías y a mejorar la creatividad.

8) Lea el fragmento de un libro, revista o artículo, esto lo sacará por unos instantes de la maraña creativa y le puede dar ideas para su historia.

9) Regrese a su lugar de trabajo con todo lo recogido.

10) Ordene todo en un borrador y comience darle forma su historia.

Bueno, espero que estos pequeños consejos les sean útiles y recuerden que por más que uno machaque y machaque, las ideas necesitan de un tiempo de maduración para florecer de la mejor manera.

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El espectador, nuestro primer colaborador

Espectadores
Cuantas veces vamos al cine o vemos una película por Internet y terminamos pensando que algo no anduvo bien, que muchos de los hechos que se sucedieron en la trama no terminaron de la mejor manera o no respondieron a nuestras expectativas de espectador. Esta cuestión, que parece ser una nimiedad a la cual estamos cada vez más acostumbrados, deviene de un problema conceptual en la construcción del guión.

No siempre cuando se empieza a escribir se tiene en cuenta o se piensa en el receptor como un binomio autoral, como un colaborador que nos ayude en la redacción. Generalmente el espectador es una masa con amplia diversidad cultural, social, intelectual, moral, que sabemos está allí y que entendemos como una referencia, incluso como una regla de medición de ciertos estándares, pero que no incorporamos a la hora de sentarnos en la pc a escribir. ¿Por qué sucede este distanciamiento? ¿Por qué a sabiendas de que en definitiva uno debe escribir para un público disfrazado en una multitud que paga su entrada para ver nuestra película no lo tenemos del todo en cuenta?

Algunos dirán así como hay libros para todos los gustos, también hay cine para todos los gustos, y esto de hacer una película que deje conforme a todos es imposible. Y es correcto. Ahora lo que no es correcto es que si yo hago un filme de los hoy denominados “pochocleros”, no les de pochoclos, o que si hago una obra con intenciones vanguardistas me quede a mitad de camino entre el vanguardismo y lo popular.

El público, a pesar de su masificación y diversidad no come vidrio y si lo come es porque le gusta, no porque se lo quieran imponer. La proliferación de las nuevas tecnologías que han promovido el concepto de inmediatez y de accesibilidad, le ha dado un plus al espectador. Hoy es mas difícil engañarlo que años atrás donde el cine se veía en una sala oscura y no había otra manera de hacerlo. Los nuevos tiempos traen aparejados grandes avances en cuanto a tecnología se refiere, pero también mayores desafíos para quienes trabajan con la comunicación. El cine es comunicar algo y ese algo empieza por el guión.

Más arriba hacía la pregunta de porqué muchas veces no se tiene en cuenta al público cuando escribimos una historia audiovisual. La respuesta, está en que la mayoría escribe sus guiones desde la omnisciencia de todo creador, desde la soberbia que el sentirse un artista provoca. Y ahí está el error. Los guionistas somos creativos, somos artistas, pero no vivimos del arte “per se” vivimos de un público que nos mira, que nos sigue, que nos apoya y paga por ver lo que hacemos, por eso nos debemos a ellos y tenemos que imaginarlos como nuestros colaboradores autorales al momento de ponernos a escribir.

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Tiras Brasileras versus tiras Argentinas

Irreconciliables deferencias

Mis amigos de siempre
La sinceridad suele ser una de mis mejores virtudes, algo que reconozco como valioso, pero que en muchas ocasiones me ha traído más que un problema. A veces, ser sincero no resulta políticamente correcto y lo que uno creía era una virtud indiscutible, termina convirtiéndose en el peor enemigo.

Pero, bueno, como soy tozudo y aún sigo sosteniendo que decir las cosas de forma sincera, es mejor que andar mintiendo o escondiendo la verdad, es que voy a empezar este texto con una particular sinceridad:

La tiras diarias en Argentina es lo peor que existe en redacción de guiones para TV.
Si, sin ninguna dudas, escribir una tira diaria es un verdadero dolor en la zona genital.

¿Cuál es la razón para que afirme de forma tan abierta y descarada que esto es así?
Dos razones: Una, el excesivo tiempo que lleva una tira diaria en nuestro país. Dos, los productores de este tipo de programas de ficción junto con la gerencia de programación del canal emisor. Veamos esto con algunos ejemplos.
Avda Brasil

La gran mayoría de consumidores de telenovelas diarias están atrapados por Avenida Brasil. ¿Qué sucede con esa tira para que sea tan exitosa? Muy simple, las dos razones que nombre más arriba como los principales problemas de las tiras televisivas argentinas no aparecen en las producciones de la Tv Brasilera. Son novelas generalmente más cortas y los productores interfieren, pero hasta un cierto límite, permitiendo así que los autores puedan mantener su idea original de punta a punta.

Vamos ahora Mis amigos de siempre. Fue vendida como una comedia al estilo Graduados y hoy se convirtió en un drama con ribetes policiales que incluyen mafiosos Colombianos y trafico de droga. ¿Que paso? muchas cosas. Actrices que no terminaron su contrato, caso Soledad Silveyra y Claribel Medina. Una historia que fue perdiendo el sustento a lo largo del tiempo y mucha mano por parte de Adrián Suar, productor del ciclo, para revolver el guiso. Resultado un verdadero “pastiche”.

Como ejemplo basta esto, y los seguidores de la nueva tira de Polka no lo van a desmentir. De un día para el otro dos de los personajes, Simón (Nicolás Cabré) y Julián (Gonzalo Heredia) se convierten en policías, si así como lo cuento, de la nada, sin una cronología lógica de los hechos y de la caracterización de los personajes. Y si algo le faltaba el personaje de Cholo (Osvaldo Laport) resulta que era un policía encubierto y ahora los dos trabajan para él. Increíble.

Como podemos ver, escribir una tira diaria en Argentina es realmente desgastante, denigrante para la profesión de autor, quienes, atrapados en contratos que habilitan al productor a meter mano en la historia si la cosa no viene bien de rating, se ven imposibilitados de llevar adelante su idea argumental. ¿Por qué creen que apareció un mafioso Colombiano en la historia? Y si, el narcotráfico en Argentina esta instalado como tema en la sociedad y es un reaseguro de posible aumento en la audiencia.

Por otro lado, esa estúpida idea que una tira tiene que durar todo un año, hace que las situaciones se caigan por su propio peso y que los actores no puedan terminar de la mejor manera su personaje y entonces haya que modificar los guiones una vez mas. En definitiva todo termina en una especie de Frankenstein, hecho con pedazos que van juntando de diferentes lados.

Esa es la gran diferencia entre los productores de novelas y tiras de Brasil y los de Argentina.

Les dejo el link de la productora polka con la sinopsis de la tira para que vean cual iba a ser su historia central.

http://www.pol-ka.com.ar/series/mis-amigos-de-siempre.html

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