BRITISCH CINEMATOGRAPHER . CRUCE DE LÍNEAS ESTATALES – Hélène Louvart AFC / Nunca Rara vez A veces Siempre

Filmado en Kodak 16 mm por la directora de fotografía francesa Hélène Louvart AFC, el poderoso e íntimo drama de la escritora y directora Eliza Hittman, Never Rarely Then Always, narra las dificultades y el acoso de una adolescente y su prima mientras se embarcan en un viaje de Pensilvania a la ciudad de Nueva York. después de un embarazo no planificado.

Elogiado por los críticos por su descripción inquebrantable de la realidad de ser una adolescente y las constantes intimidaciones que enfrenta la pareja por parte del sexo opuesto, Hittman ganó el premio especial dramático del jurado estadounidense por neorrealismo en el Festival de Cine de Sundance 2020 por la película, y un Oso de Plata en el Festival Internacional de Cine de Berlín.

La historia sigue a Autumn, una adolescente tranquila y estoica, que trabaja como cajera en un supermercado rural de Pensilvania. Enfrentada a un embarazo no deseado y sin alternativas viables para la interrupción del embarazo en su estado natal, ella y su prima Skylar consiguen algo de efectivo, empacan una maleta y abordan un autobús galgo a la ciudad de Nueva York. Con solo la dirección de una clínica en la mano y sin un lugar donde quedarse, las dos chicas se aventuran valientemente en la ciudad desconocida.

Para acentuar la complejidad de las interpretaciones naturales pero minimalistas de los dos jóvenes protagonistas, los recién llegados Sidney Flanigan y Talia Ryder, Louvart usó Kodak 16 mm para crear una estética cinematográfica austera para la película, mientras se enfocaba en primeros planos íntimos, gestos y detalles, como viajan a través de las fronteras estatales y en territorio desconocido.

«Eliza quería que esta película pintara una imagen realista del viaje de Autumn y Skylar a través de imágenes con las que la audiencia realmente pudiera conectarse», dice Louvart, cuyos créditos anteriores en celuloide incluyen Happy As Lazzaro (2019), ganador de múltiples premios, de Alice Rohrwacher y Sundance 2017 de Hittman. galardonada película Beach Rats, ambas también filmadas en Kodak de 16 mm.

«Filmar una película hace que todos sean muy precisos y muy concentrados durante las tomas. Es muy simple. Como director de fotografía, mirando a través del ocular, tienes una conexión con la acción y los personajes. Los ves y los sientes, y ellos pueden ver y te sientes filmando su interpretación. De esta manera, vuelves a algo fundamental y veraz. Este enfoque compartido aporta una especie de verité y realismo a la imagen». – Hélène Louvart AFC

«La película, especialmente la película de 16 mm, proporciona ese tipo de conexión visual automáticamente, en la forma en que representa el color, los tonos de piel y a través de la textura general del grano aleatorio. Mientras que Beach Rats tenía una paleta de colores rica pero tenue y efectos visuales de ensueño, nunca rara vez Siempre necesitó una claridad auténtica para representar un arduo viaje y cómo Autumn recupera su cuerpo y su espíritu».

La fotografía principal de Never Rara vez A veces Siempre comenzó a mediados de febrero de 2019 en torno a Shamokin, un municipio de carbón en el condado de Northumberland, Pensilvania, antes de trasladarse a los distritos de Brooklyn y Manhattan de la ciudad de Nueva York, donde las ubicaciones incluían varios hospitales y clínicas, el metro de Nueva York, más edificios de la Autoridad Portuaria. Más allá de algunas imágenes fijas para inspirar las escenas de Pensilvania de la película, del fotógrafo Matt Eich, cuyo trabajo está dedicado a capturar la condición estadounidense, las referencias visuales para la producción fueron mínimas.

Como explica Louvart: «Aunque optamos por un aspecto ligeramente elevado en las escenas de la clínica y el hospital, no se puede cambiar la luz en lugares como el metro y el exterior. Así que optamos por lo que teníamos en el metro y en los exteriores diurnos, y mantuvo las cosas reales, para que siempre creamos en Autumn y Skylar y las cosas que les suceden».

Louvart seleccionó cámaras ARRI 416, equipadas con lentes Zeiss Ultra Prime, para la producción de 28 días. Este paquete diminuto y liviano permitió la operación manual y configuraciones rápidas, especialmente durante las escenas del metro y la Autoridad Portuaria de la película, con los lentes en sí mismos entregando nitidez y precisión en planos panorámicos y primeros planos. Las cámaras y los objetivos fueron suministrados por ARRI en Nueva York.

El director de fotografía eligió capturar toda la acción, día / noche y escenas interiores / exteriores, utilizando solo un material, a saber, Kodak Vision3 7219 500T. «Me decidí por el 500T, ya que es un material de película maravillosamente flexible para todas las ocasiones: el interior de la clínica y el metro, así como los exteriores luminosos de día y de noche», dice Louvart. «En cuanto al color, el 500T es encantador y natural en los rostros, y también funcionó bien en la extraña luz verde del metro y las calles oscuras de Shamokin, que es justo lo que Eliza quería. El nivel de detalle que ofrecía en las áreas oscuras de la imagen durante la nota final de 2K y la forma agradable en que trata los aspectos más destacados no dejan de sorprenderme.

«Para una pequeña cantidad de escenas diurnas, como en el autobús y cuando las chicas salen del metro, teníamos reflejos realmente fuertes, pero quería evitar el alto contraste. Así que tendía a procesar estas escenas en un diafragma en el laboratorio que tuvo el efecto deseado».

Para mantener el realismo actual en la imagen, Louvart se aseguró de que la iluminación se mantuviera mínima y de apariencia natural, aunque se adoptó un aspecto ligeramente elevado para los primeros planos, especialmente durante las escenas cruciales en las clínicas.

«Por supuesto, la iluminación normal en este tipo de espacios interiores no es especialmente favorecedora o propicia para la realización de películas», comenta, «por lo que reemplazamos las luces prácticas existentes con alternativas LED, como Litegear LiteMats y LiteTiles. Todas estaban conectadas a un iPad que me permitió controlar el nivel y la calidad de la luz mediante atenuadores, y me permitió incorporar la luz según fuera necesario para crear una sensación de forma y profundidad ligeramente mayor».

El procesamiento de la película, el escaneo 2K y el grado de color final se realizaron en Metropolis Post en Nueva York. La DI en sí se realizó en el espacio de color P3, que presenta una gama de colores mucho más amplia que la Rec. Tradicional. 709 que Louvart había estado acostumbrado tradicionalmente en proyectos originados en celuloide. «P3 le dio un aspecto diferente a la película escaneada de 16 mm, y resultó ser una experiencia muy diferente para mí. Aprendí mucho sobre la combinación de 16 mm y P3. Me dio un nuevo aspecto y, en cuanto al color, fue bueno. Encontré Obtuve muchos más matices de color con los escaneos de película 2K».

Junto con las cualidades estéticas de la película de 16 mm, Louvart dice que la presencia física de la cámara de 16 mm en el set también resultó poderosa para ayudar al equipo y a los actores a trasladar las cualidades de intimidad y conexión a la pantalla grande.

«Grabar una película hace que todos sean muy precisos y muy concentrados durante las tomas», dice. «Es muy simple. Como directora de fotografía, mirando a través del ocular, tienes una conexión con la acción y los personajes. Los ves y los sientes, y ellos pueden verte y sentirte filmando su actuación. De esta manera, vas volver a algo fundamental y veraz, este enfoque compartido aporta una especie de verité y realismo a la imagen.

«Nuestros protagonistas eran relativamente nuevos, y con el ritmo y el ritmo de rodar y recargar, también llega un cierto consuelo. De esta manera, la película es amable con todos. Crea una atmósfera concentrada única en el set y registra un aspecto honesto y orgánico. – que es nuestra intención y creo que el público sentirá cuando vea la película».

BRITISCH CINEMATOGRAPHER-TIERRAS DE CAZA- LARRY FONG ASC / EL DEPREDADOR

DESPUÉS DE ENCONTRARSE CON LA GUERRA DE LOS ESPARTANOS EN 300, LUCHAR CONTRA SUPERHÉROES EN BATMAN VS SUPERMAN: DAWN OF JUSTICE, Y MONSTRUOS FURIOSOS EN KONG: SKULL ISLAND, LARRY FONG ASC COLABORÓ ​​CON EL CINEASTA SHANE BLACK (KISS KISS BANG BANG), Y LOS MIEMBROS DEL REPARTO BOYD HOLBROOK, TREVANTE RHODES, JACOB TREMBLAY, KEEGAN-MICHAEL KEY, OLIVIA MUNN, STERLING K. BROWN, THOMAS JANE Y ALFIE ALLEN PARA PRODUCIR UNA NUEVA RAZA DE CAZADORES GALÁCTICOS PARA THE PREDATOR (2018).

“Debo decir que muchos de mis proyectos anteriores han sido muy visuales, lo que por supuesto es el sueño de un director de fotografía. Pero cuando comencé a conocer a Shane y a explorar cuál era su visión de The Predator, me di cuenta de que, aunque las imágenes eran importantes, no eran tan importantes como la historia y los personajes. Y, por cierto, uno podría pensar que estaría decepcionado, pero eso no es cierto. Las imágenes sirven a la historia y la visión del director. Siempre es un desafío encontrar el punto óptimo de lo que debería ser la apariencia».

Black apreció la capacidad de Fong para escuchar y descubrir qué sentimiento estaba buscando y lo describió como un Pablo Picasso con la iluminación, que tiene una cualidad misteriosa y de mal humor. El objetivo era hacer una película de guerra que fuera contra Predators, en lugar de una película de ciencia ficción en pantalla verde en la que aparecieran soldados. “Mi proceso consiste en hacer muchas preguntas y escuchar atentamente las respuestas. Las respuestas de Shane fueron articuladas y precisas, pero casi siempre desde un punto de vista emocional o conceptual, no en términos técnicos o especificando equipos, por ejemplo. Usó muchas analogías e historias, y muy a menudo bromas, para hacer un punto; eso hizo que colaborar fuera muy divertido».

Los protagonistas: (lr), Thomas Jane, Keegan-Michael Key, Olivia Munn y Boyd Holbrook

El nativo de Los Ángeles se unió al proyecto el 21 de noviembre de 2016 con la fotografía principal comenzando en Vancouver el 20 de febrero de 2017 e inicialmente terminando el 2 de junio de 2017. Sin embargo, una nueva filmación extensa del tercer acto tuvo lugar el 6 de julio de 2018, que vio que la acción cambiaba de un escenario diurno a uno nocturno. “Creo que fueron unos 90 días de fotografía en total y mi preparación fue de 8 o 9 semanas”, afirma Fong. “Vancouver es una ciudad muy versátil. El único problema fue simular el desierto mexicano. Entonces alguien decidió que la secuencia podría tener lugar de noche, ¡y eso prácticamente resolvió ese problema! » Se realizó bastante trabajo de estudio. “Nuestros sets estaban todos en Mammoth Stages en Burnaby, Columbia Británica. El laboratorio, el interior y exterior de la nave espacial, el pantano, la cantina y el sótano de Rory estaban en el escenario.

Se desarrolló un extenso arte conceptual antes de que Fong comenzara la preproducción. “Había trabajado con el diseñador de producción, Martin Whist, anteriormente en Super 8 así que fue genial volver a conectar, y estuve a bordo con sus ideas rápidamente. No es sorprendente que este tipo de película requiera muchos guiones gráficos, y se alinearon en los pasillos de la oficina de producción. Además, muchas previsiones. Es fácil sentirse abrumado por todo el material, pero el director asistente, Justin Mueller, afortunadamente tenía todo digitalizado, así que él y yo compartimos una carpeta de Dropbox a la que podíamos acceder en cualquier momento en nuestros iPads». 

La visión de calor característica de los Predators se logró a través de efectos visuales. “No hace falta decir que hubo numerosas situaciones de pantalla verde. También un poco de iluminación interactiva, de LED, explosiones y todo eso. La comunicación constante con nuestros supervisores de efectos visuales, Jonathan Rothbart y Matt Sloane, ayudó a que todo avanzara. Me encantan los efectos visuales,

Incluso después de 31 años de lanzamiento y otras cuatro entregas, el original en el que Shane Black fue la primera víctima del cazador de alienígenas sirvió como el recurso visual principal. «Decidí hacer referencia solo a la primera película Predator que, como seguro que sabes, se mantiene tremendamente”, revela Fong. 

«Es cierto que tuvo lugar en una jungla caliente mientras que nosotros estábamos en una Vancouver fría y lluviosa con muchos decorados e interiores, así como ubicaciones suburbanas, por lo que no mucho se traduce directamente, pero Shane y yo estuvimos de acuerdo en que la simplicidad y la crudeza eran la llave. No queríamos que la iluminación y el movimiento de la cámara dominaran la historia. Esta es probablemente también una de las razones por las que decidí filmar con ópticas esféricas, no anamórficas. Cuando le pregunté a Shane si estaba de acuerdo con esto, me preguntó por qué quería hacerlo. En ese momento, no estaba seguro y lo dije. Shane respondió: ‘Confío en ti, si eso es lo que crees que es correcto’”.

MI PROCESO CONSISTE EN HACER MUCHAS PREGUNTAS Y ESCUCHAR ATENTAMENTE LAS RESPUESTAS. LAS RESPUESTAS DE SHANE (BLACK) FUERON ARTICULADAS Y PRECISAS, PERO CASI SIEMPRE DESDE UN PUNTO DE VISTA EMOCIONAL O CONCEPTUAL, NO EN TÉRMINOS TÉCNICOS O ESPECIFICANDO EQUIPOS. USÓ MUCHAS ANALOGÍAS E HISTORIAS, Y MUY A MENUDO BROMAS, PARA HACER UN PUNTO; ESO HIZO QUE COLABORAR FUERA MUY DIVERTIDO «. – LARRY FONG ASC

Se utilizaron principalmente dos cámaras para obtener la cobertura requerida. “Tuvimos varios cuerpos de Alexa, tanto XT como Minis, y filmamos con lentes Panavision Primo de Panavision Woodland Hills. La iluminación y demás equipo se proporcionaron localmente”, comenta Fong, que filmó ARRIRAW, Open Gate 3.4K y una relación de aspecto de 2.39: 1. 

«Teníamos todo el conjunto de Panavision Primo: 14,5 a 150 mm». El equipo de iluminación consistió en tungsteno estándar, HMI y SkyPanels ARRI, mientras que los miembros clave del equipo fueron los operadores de cámaras A Dean Heselden y Norbert Kaluza; Los operadores de cámaras B Sean Harding e Ian Seabrook; A los primeros asistentes de cámara Larry Portman y Dan Morrison; los gaffers Stuart Haggerty y Mark Alexander; empuñadura de llave Finn King y DIT Simon Jori. «Nuestro operador de cámara A, Dean Heselden, fue vital para nuestro flujo de trabajo, ya que él trabajó con Shane y yo para obtener nuestra cobertura de manera rápida y eficiente. Nuestro elenco experimentado también fue muy colaborador».

Critical estaba desarrollando el tratamiento de iluminación adecuado para el disfraz de Predator. “Como siempre, pruebas y más pruebas”, afirma Fong. “Experimenté con luz dura y suave en los trajes y las prótesis, y con los grados de relleno. Mi DIT, Simon Jori, descubrió que los icónicos rayos láser rojos del Predator estaban causando extraños artefactos durante estas pruebas, y modificó nuestro show LUT para manejar mejor el color». No se usaron unidades especiales para los Predators, aunque tenían LED montados en sus cascos. Los ingeniosos e interesantes gráficos de iluminación para el laboratorio Stargazer y la nave Predator fueron ideados con el maestro Stuart Haggerty y el luminador clave Finn King. “Para el laboratorio Stargazer había iluminación LED personalizada en toda la estructura y en una práctica circular central en forma de anillo construida por el departamento de arte, así como un ambiente azul verdoso de los Sky Panels de arriba. Para el barco Predator teníamos una fila central de Paneles Sky con un color aguamarina / cian a través de un panel de difusión en forma de medio tubo. Además, los Lekos se colocaron en la misma ranura central para iluminación de área selectiva y retroiluminación».

La escena final del pantano se filmó en el escenario, lo que hizo posible lograr la sensación del amanecer que Shane Black y Martin Whist querían para la secuencia. “El pantano fue extremadamente complicado y requirió mucha lluvia de ideas y experimentación”, afirma Fong. «El gran desafío fue crear la sensación de una fuente grande y cálida de ‘sol’ de ángulo bajo en el horizonte. ¿Cómo evitar ver las unidades de luz?» La calificación de luces tuvo lugar en Fotokem con el colorista Dave Cole haciendo uso de Lustre. “Los esquemas de color como el laboratorio verde agua y el amanecer en el pantano estuvieron ahí desde el principio. Se me ocurrió la estrategia de color e iluminación para el interior de la nave espacial, nuevamente, después de muchas pruebas. Aunque, naturalmente, tengo un plan para cada escena, siempre hay espacio para la aportación creativa de Dave Cole. Para mí, el DI es un gran proceso de descubrimiento. La guinda del pastel»

“En realidad, había tantos desafíos, tantos escenarios, lugares y situaciones interesantes y únicos”, observa Fong. “Uno podría no pensar en la pelea nocturna del bosque como uno de ellos, pero lo fue, simplemente porque el bosque era muy denso y los caminos más cercanos [para colocar fuentes de ‘luz de luna’] estaban demasiado lejos para hacer algo bueno. Después de muchos exploradores con mi equipo y muchas reuniones, determinamos que la única forma de iluminar el área era hacer un camino de tierra alrededor del perímetro, donde pudiéramos conducir ascensores para sostener nuestras luces principales. Decir que esta idea se encontró con oposición es quedarse corto. Afortunadamente, todos los involucrados finalmente se dieron cuenta de que nunca podríamos hacerlo día, y quizás ni siquiera obtener una imagen, si este plan no se implementaba». El esfuerzo valió la pena, ya que el director de fotografía estadounidense no puede esperar a que el público vea la secuencia en la pantalla grande. «Fue muy divertido volver a visitar una película icónica y trabajar con un director icónico».

BRTISCH CINEMATOGRAPHER – El director de fotografía Sam Care comparte la historia de producción de la temporada 3 de Marcella – 25 de enero de 2021

A medida que la popular serie dramática de ITV Marcella regresa a nuestras pantallas, el director de fotografía Sam Care revela cómo se asoció con el director Gilles Bannier para traspasar los límites y crear una apariencia estilizada sin dejar de ser fiel a algunos de los temas recurrentes clásicos de la serie.

Impresiones iniciales …

Realmente disfruté las dos primeras temporadas del programa y la profundidad del personaje principal de Anna Friel (la sargento detective Marcella Backland). Cuando el director Gilles Bannier me contactó por primera vez sobre el rodaje de la temporada 3, estaba emocionado porque lo describió como una temporada de reinicio, con un conjunto de personajes y escenarios en gran parte nuevos. La historia ahora está ambientada en Belfast, donde Marcella Backland ha asumido la identidad de Keira Devlin y está trabajando encubierta para infiltrarse en una rica familia del crimen organizado (Los Maguires). 

Esta temporada tiene un elenco increíble de Amanda Burton, Martin McCann, Hugo Speer, Aaron McCusker y Michael Colgan que se unen a los habituales Anna Friel y Ray Panthaki. Tuvimos la posibilidad de crear un nuevo estilo visual para el programa de esta temporada, sin dejar de ser fieles a algunos clásicos recurrentes de Marcella. Temas, como sus estados de fuga que evolucionan en la nueva serie hacia un trastorno de personalidad dividida entre sus personajes encubiertos, y reales.

Colaborando con el director Giles Bannier …

Esta fue mi cuarta colaboración con Gilles Bannier, un director francés que ahora vive en el Reino Unido. Anteriormente había trabajado con él en dos temporadas de The Tunnel para Sky Atlantic y In the Dark para BBC. Ciertamente habíamos desarrollado una taquigrafía y conocíamos el gusto visual de los demás. En Marcella decidimos desafiar esto y salir de esa zona de confort tanto como fuera posible. Nuestra cinematografía anterior era muy natural tanto en la cámara como en la iluminación, siempre motivada por la realidad. En este programa, decidimos crear una apariencia más estilizada y no preocuparnos por el realismo en el mismo grado. Marcella es un espectáculo mejorado que realmente debería meterse en la cabeza de los personajes principales y las posibilidades visuales para esto son muy emocionantes.

De izquierda a derecha: Mark Aiken; DP Sam Care; director Gilles Bannier

El equipo central …

Reunimos un fantástico equipo local de cámaras, grip e iluminación. El operador de cámara A-cam Angus Mitchell cuyas habilidades cámara en mano nos habían atraído a Gilles y a mí a trabajar con él. El foquista de cámara A Paul Christie mantuvo las cosas nítidas a la perfección, incluso en algunos momentos difíciles, improvisados ​​y sin marcas. La cargadora de cámara A Erin O’Rawe fue una organizadora fantástica y una influencia positiva en el set y para todo el equipo. Nuestro grip principal fue Nick Chester, un neozelandés que ahora vive en Belfast. Se le ocurrieron algunos equipos geniales a medida para nosotros, incluido un equipo de descenso y una toma de mano al final del episodio 1. También creó algunos equipos de automóviles excelentes para utilizar el sistema de extensión Rialto de Sony Venice, que permite la eliminación de la imagen frontal bloque de Sony Venice para montar en una carcasa mucho más pequeña.

Nuestro equipo de iluminación estaba dirigido por el maestro Seamus Lynch, con quien disfruté muchísimo trabajar. Su experiencia fue invaluable y su comprensión de la iluminación y el entusiasmo por discutirla fueron fantásticos. También tenía un gran equipo a su alrededor, incluido el mejor chico Ger O’Hagen, Stuart Flynn y Gino Lynch.

De izquierda a derecha: DF Sam Care; 3er dC; director Gilles Bannier

Referencias, inspiración e investigación …

Observamos algunas referencias clásicas como El padrino fotografiado por Gordon Willis ASC y The Yards fotografiado por Harris Savides ASC por su temperatura de color dorado (que usamos filtros de antiguos para replicar), el uso de iluminación superior y su sentido fotográfico de oscuridad. Antes de esto, tenía miedo de los disfraces oscuros contra las paredes oscuras, ¡pero lo abracé por completo en este! Animal Kingdom tomada por Adam Arkapaw ACS también fue una referencia para el uso de temperaturas de color cian y haluros metálicos, que usamos ampliamente en las fincas de Belfast. Tomamos prestados elementos de muchas referencias, pero lo que los unía a todos era una sensación de misterio, atemporalidad y tragedia.

Discusiones creativas y dar vida a la visión …

Todos nuestros trabajos anteriores habían sido encuadrados para 16: 9, filmados en Arri Alexa con lentes esféricas Arri / Zeiss Masterprime. Entonces, para este, Gilles y yo decidimos adoptar algo nuevo para optar por una relación de aspecto de pantalla ancha de 2.00: 1 y filmar con lentes anamórficos. Anteriormente había probado filmar en Alexa con lentes anamórficos y recortar en proporciones de 16: 9 o 2.00: 1. Sentí que no había valido la pena en términos de capturar las características específicas de las lentes o una resolución lo suficientemente buena. Esto se debe a que las partes más interesantes de las lentes anamórficas tienden a estar en las esquinas y los bordes y al desperdiciar tanta resolución (en el recorte 16: 9) terminas con un aspecto bastante forzado. Sin embargo, con la afluencia de cámaras de gran formato en el mercado, decidí volver a visitar esto. Probé Red Monstro, Alexa LF y Sony Venice. Todas las cámaras produjeron resultados impresionantes y tenían sus propias fortalezas y debilidades en términos de calidad de imagen y construcción de la cámara. Pero al final, nos decidimos por filmar con la cámara Sony Venice en modo anamórfico 4K para hacer un uso extensivo de su configuración ISO 2500 nativa. También me impresionó su reproducción del color y su flexibilidad en el grano también. Después de probar una variedad de vidrio anamórfico, elegimos los lentes anamórficos rusos Elite S7 de One Stop Films en Londres.

Elección de color …

Teníamos dos mundos distintivos que representábamos en pantalla. Los Maguire, en su mayoría ambientados en la mansión de la rica familia del crimen organizado y el mundo de las fincas de Belfast, que controlan. Decidimos darle a la historia de la familia Maguire y sus ubicaciones un aspecto dorado de riqueza y opulencia y filmamos estas escenas con filtros de fríos en la cámara y geles cálidos en las luces.

Para el otro mundo de las fincas de Belfast, optamos por una apariencia más fría estableciendo el balance de blancos de la cámara en 4000 kelvin en escenas de luz diurna. Para las escenas nocturnas utilizamos una combinación de luminarias de haluro metálico real para el alumbrado público y fuentes HMI gelificadas con White Flame Green y 1/2 CTO.

Usando encuadre y composición para contar la historia …

A Gilles y a mí nos encanta hablar sobre la estética de la cámara para los proyectos. En esto nos emocionamos con la idea de usar el espacio negativo y las líneas de los ojos cortos para mostrar la sensación de aislamiento y desconexión de Marcella con las personas que la rodean. También prestamos especial atención al uso de líneas de ojos. Cuando usar sobre el hombro, tomas limpias y en planos subjetivos. Es la historia de Marcella tan subjetivamente que queríamos sentirnos más cerca de ella que nadie en escenas con una gran reunión familiar. Nos inspiró mucho el uso de las líneas de ojos en El silencio de los corderos, filmado por Takashi “Tak” Fujimoto, ASC. Usan muchas tomas directas en planos subjetivos para el personaje principal y hacen que el actor mire directamente a la lente. Cuando flmaban al revés (contraplanos), usaban líneas de ojos apretadas en el borde del mattebox, lo que crea mucha tensión y hace que el público se sienta más cercano al personaje de Jodie Foster, Clarice Starling. Es un gran ejemplo de cómo la cámara crea subjetividad cinematográfica.

El paquete de la cámara …

Cámara Sony Venice en modo anamórfico 4K con lentes anamórficos Elite S7 de One Stop Films en Londres. Los complementamos con una lente de zoom Cooke 35-140 mm T3.1. El paquete principal de la cámara fue suministrado localmente por Acorn Rental en Belfast. Elegimos los lentes Elite porque tenían una maravillosa suavidad cremosa en combinación con el sensor Sony y tenían una interesante caída de enfoque ovalada alrededor de los bordes que sentimos que coincidía visualmente con el precario estado mental de Marcella. El modo iso 2500 nativo de la cámara me ayudó a lograr un diafragma de T4 en los lentes Elite en escenarios nocturnos y con poca luz en particular. Para las escenas en las que Marcella estaba en un estado elevado, filmamos en T2.8 para acentuar la caída del enfoque de la lente y entrar en su mente. Fue en gran medida una combinación de esas lentes y ese sensor lo que creó el look para esta temporada.

Contando la historia a través del movimiento de la cámara…

Para la historia de los Maguire, decidimos filmar principalmente con la cámara en una plataforma rodante y la cabeza para representar su estabilidad y control sobre el mundo. Usamos tomas de seguimiento de construcción de tensión lenta a veces mientras también abrazamos la quietud de la cámara para crear la tensión en otros momentos.

Para el otro mundo de las fincas de Belfast, filmamos principalmente de mano para representar una sensación de inestabilidad pura y la falta de control que sus personajes tienen sobre su futuro. A medida que avanza la serie y la dinámica comienza a cambiar, comenzamos a fusionar estos dos estilos visuales cada vez más. En programas anteriores habíamos usado Steadicam extensamente, pero en este no usamos ninguno. De hecho, solo usamos un cardán durante un día en combinación con una plataforma de descenso y una toma de mano de al final del episodio 1. Me gusta crear reglas para el estilo visual en la preparación y limitarnos al tipo de kit que usamos. utilizar, por lo que las opciones no son infinitas.

Trucos y técnicas de cámara …

Uno de los elementos más interesantes del personaje de Marcella en temporadas anteriores fueron las fugas disociativas que experimenta y la forma en que fueron visualizadas. En la temporada 3, estas fugas se han convertido en un trastorno de personalidad dividida, ya que Marcella pierde el contacto con la realidad de su identidad encubierta y su yo real. En los momentos en que esto surgió, queríamos utilizar una nueva técnica visual para representarlo en la pantalla. Entonces, desarrollé algunas dioptrías a medida para este look. Corté agujeros y formas en dioptrías antiguas de diferentes intensidades, además de colocar formas de vidrio óptico sobre dioptrías para cancelar su aumento. Luego filmamos y enfocamos a través de estas secciones de las dioptrías para que el vidrio circundante desenfocara masivamente los bordes del marco e introdujera algunas imágenes dobles para representar su personalidad dividida.

Enfoque de iluminación …

Utilicé muchos dispositivos LED en el trabajo, más que en cualquier trabajo anterior. Simplemente le brindan un control rápido de la temperatura del color y la atenuación, especialmente para programas de televisión de ritmo rápido. Los caballos de batalla para las escenas interiores fueron ARRI SkyPanel S360-C, S60-C, tubos LED Asteras y cinta LED (95cri +) dentro de prácticas pantallas de lámparas que utilizan pequeños controladores de radio de lumen inalámbricos alimentados por baterías. Para controlar todos estos dispositivos LED, utilizamos una solución DMX inalámbrica portátil controlada a través de una interfaz de iPad a través de la aplicación Luminair 3. La velocidad y portabilidad de este sistema me dio un control instantáneo similar a un estudio. Gino Lynch, quien lo supervisó, y siempre vivió junto al monitor a mi lado para que pudiéramos hacer ajustes rápidos a los accesorios mientras configuramos y ensayamos las tomas.

Para las escenas nocturnas en casa de los Maguire, Gilles estaba dispuesto a no utilizar ninguna motivación a la luz de la luna. Por lo tanto, decidimos continuar con el cálido aspecto dorado de la ubicación por la noche utilizando capas dobles de gel CTO completo en nuestros accesorios para crear un aspecto nocturno enfermizo y cálido. Para nuestros exteriores nocturnos, Seamus y yo usamos luces Wendy completas con doble CTO completo en ellas. Teníamos uno en cada dirección principal alrededor del frente de la casa y usábamos uno a la vez dependiendo de la dirección de la cámara, ya sea como luz de fondo o luz lateral. También usamos fresnels de tungsteno de 5K y 10K repartidos por los jardines para crear charcos de luz en el fondo de las tomas. Filmé la mayoría de las escenas en T4, por lo que necesitábamos bastante luz para lograr esta parada por la noche. Estaba feliz con los resultados y la decisión de usar una temperatura de color cálida incluso para un exterior nocturno rural parecía extrañamente más motivada en las escenas terminadas de lo que creo que habría sido una luz de luna más fría. Un gran ejemplo de Gilles que nos empuja a ser audaces y dejar atrás una convención para lograr un gran éxito.

Gaffer Seamus Lynch

DI, flujo de trabajo y calificación final …

La postproducción de Marcella 3 se completó en el Yellowmoon Post de Belfast y fue clasificada por su colorista Scott Ferguson. Estaba filmando otro proyecto durante el período de clasificaciones, pero amablemente hicieron arreglos para que pudiera volar y clasificar durante mis fines de semana libres. Encontré que la capacidad de color y la flexibilidad en el grado de Sony Venice son bastante increíbles, así como sus opciones ISO nativas duales que me permitieron disparar a 2500 ISO y me ayudaron a iluminar mi parada preferida de T4 en estas hermosas piezas de vidrio ruso.

El colorista Scott Ferguson agrega: “Tuvimos la suerte de que Marcella tuviera tiempo al comienzo del proceso para filmar algunas pruebas y trabajar en un show LUT para nuestros rodajes diarios. Siempre encuentro esto enormemente beneficioso, ya que hacer que los rodajes diarios se vean al menos en el estadio de béisbol de lo que espera lograr en la final puede suavizar el proceso de clasificación final y firmar, ya que está presentando una apariencia final que es familiar pero también mucho más matizado y pulido.

“Sam me dijo desde el principio que había planeado un rodaje anamórfico en la Sony Venice y quería una apariencia que armonizara con eso. Por lo tanto, intentamos crear una película de contraste más suave para complementar la estética digital impecable que produce Sony Venice. Nos quedó claro muy rápidamente cuando trabajamos con Sony Venice (una novedad para mí) que podíamos hacer lo que quisiéramos; No tuve que empujar y tirar de la imagen para obtener hermosos resultados. Así que nos pusimos manos a la obra tratando de ensuciar nuestra imagen digital, manteniendo las sombras gruesas y frías, y las luces cálidas con una agradable caída.

“Nuestra ubicación principal era opresiva, casi enfermiza, cálida, mientras que el resto del lugar permanecía más fresco, mientras se mantenían tonos de piel consistentes. Esta fue una gran desviación del aspecto de temporadas anteriores, un riesgo seguro, pero los productores y directores estaban detrás de nosotros. Nueva temporada, nueva ciudad, nueva apariencia y no podría estar más feliz con lo que pudimos lograr. Esto fue posible gracias a las imágenes que nuestros fantásticos DPs Sam y Dirk (nuestro segundo bloque DF) pudieron capturar, pero también gracias a la latitud que nos otorgó Sony Venice”.

Superando obstáculos…

Nuestra ubicación principal era la mansión de los Maguire, que tenía enormes problemas de iluminación. Una mansión orientada al sur con docenas de ventanas siempre representa un desafío para un director de fotografía en términos de control de iluminación. La planificación lo era todo para lograr una apariencia de luz constante en escenas de luz diurna prolongadas. La solución fue una programación cuidadosa alrededor de la dirección de la luz, así como el uso de una combinación de grandes cajas de 20 x 20 en máquinas sobre ventanas para controlar la luz solar. luego, ya sea iluminando directamente con accesorios HMI de 18K o HMIs M90 rebotados en soportes bajos en marcos justo encima de las ventanas para un efecto de iluminación más suave.

Lo más destacado de la producción …

Mi momento de mayor orgullo fue después de que habíamos logrado una puesta de luces difícil para el final del episodio 1. ¡Incluía una panorámica de 360 ​​grados, un dispositivo de descenso y una mano de cardán e iluminando una enorme escalera, pasillo, pasillo y sala de estar sin luces en el piso en un diafragma de T4! Con un montaje de iluminación cuidadoso y complicado, mucha planificación y ensayo, logramos hacerlo en tres tomas al final de un día y una semana agotadores. Felicitaciones a mi equipo por ser tan bueno y por nuestro grip Nick Chester por sugerir cómo podríamos lograr el tiro con el descensor.

Lecciones aprendidas…

Aprendí no solo a hacer lo que se hace convencionalmente, sino a desafiarme a sí mismo y a sus gustos como cineasta para ver qué pasa. Las decisiones más audaces que Gilles me animó a tomar en el programa fueron las más exitosas al final. Se trata de trabajar con directores en los que confía y que lo empujan a ser valiente y tomar riesgos.

La novia (Uma Thurman) con su espada Hanzo: el chándal amarillo es un inteligente guiño al icónico que usó Bruce Lee en su película Game of Death (1972).

AMERICAN CNEMATOGRAPHER – Matar a Bill Vol. I: Una novia promete venganza – Por John Pavlus (2003): Robert Richardson, ASC presta su gran conocimiento de la estética a esta extravagancia de artes marciales que mezcla géneros.
Fotografía de la unidad por Andrew Cooper, SMPSP.

Lo que más me atrae es el director de un proyecto. La dinámica de esta relación es central. – Robert Richardson, ASC

«… así como la ropa gastada se desecha y otras se ponen nuevas, así los cuerpos gastados son desechados por el habitante del cuerpo y otros se ponen nuevos». – El Bhagavad-Gita, del diario Kill Bill de Robert Richardson.

Si Robert Rchardson tiende a describir su lealtad cinematográfica en términos espirituales, tiene muchas razones. Su asociación de 11 películas con Oliver Stone merece mención junto con otros “matrimonios” cinematográficos como Bernardo Bertolucci y Vittorio Storaro, ASC, AIC, o David Lean y Freddie Young, BSC. Aunque Richardson viajó ocasionalmente con otros cineastas a lo largo de la década de 1990, su brújula siempre volvía a Stone. Pero eso cambió en 1997, cuando un desacuerdo sobre el horario de Any Given Sunday obligó a los socios a separarse.

Proyectos posteriores como The Horse Whisperer, Snow Falling on Cedars y The Four Feathers le valieron a Richardson elogios de sus compañeros y críticos, pero hasta ahora no han logrado mantener relaciones sostenibles. Sus colaboraciones con Martin Scorsese (Casino, Bringing Out the Dead y The Aviator, la última de las cuales se está filmando actualmente en Montreal) parecen indicar una asociación en ciernes, pero Richardson dice que se considera un sustituto de la cohorte más frecuente del DF Michael Balhaus ASC, BVK. En cuanto a Stone, Richardson dice que se han reconciliado, pero admite que «Oliver ha llegado a establecer nuevas relaciones en otras capacidades».

UNA OFERTA DE SAN VALENTÍN

Dicen que no se puede esperar atrapar un rayo en una botella, pero esto es Hollywood, y las botellas no tienen nada que ver con el servicio de mensajería moderno. El día de San Valentín de 2002, Richardson abrió la puerta de su casa a un ramo de rosas y un paquete. En el interior estaba el guión de Kill Bill, la obra “chopsocky” de Quentin Tarantino. La reacción de Richardson fue rápida. “Nunca escuché a Bob más emocionado que cuando comenzó a hablarme sobre Kill Bill”, recuerda Ian Kincaid, el maestro de Richardson en el programa. “Lees el guión e inmediatamente piensas: ‘Robert Richardson debería filmar esto’. Solo sabes que él y Quentin estaban destinados a hacer esta película juntos».

De hecho, lo hicieron, y en los meses posteriores a la finalización de Kill Bill, el director de fotografía de melena plateada describiría categóricamente la experiencia como «el ritmo más puro que he tenido con un director, nunca».

El guionista y director Quentin Tarantino organiza algunos juegos de espada con la ayuda del renombrado coordinador de acrobacias del programa, el maestro Yuen-Wu Ping, mientras Robert Richardson, ASC (camisa y cabello blancos) y Thurman (extremo derecho) observan con el equipo.

INSPIRACIÓN

16 de febrero [primer encuentro]: Al límite. Nervioso. Raro. Quizás no sea tan inusual … Llega Quentin. De una vez, tranquilidad. Un hechizo cálido lanzado sobre la mesa. Estoy cansado de tres noches de rodaje comercial, pero independientemente de lo bajo que cuelguen los párpados, existe la dimensión de un sueño. Quentin me dice que mi carta lo tomó por sorpresa y lo «conmovió extrañamente». Un apretón de manos me empuja hacia el futuro.

11 de marzo: la pulsera se cayó hoy, por segunda vez. Una pulsera perdida trae mala suerte. Debo remediar el problema, de lo contrario mi mente supersticiosa tomará el control.

12 de marzo: el brazalete reparado yo mismo, unido a la muñeca, no dejará ir a Kill Bill.

PRIMERAS IMPRESIONES

El guión de Kill Bill es una descarada explosión de kung-fu, y Richardson estaba entusiasmado con su potencial visual. Apodado medio en serio por su autor como «la película B más grande jamás realizada», Kill Bill rinde homenaje a todo lo relacionado con la «explotación»: el manejo de la espada samurái, el «wire-fu» de Hong Kong, el funk blaxploitation, los enfrentamientos de Spaghetti Western, las venganzas de las pandillas, lo sexy asesinos y montones, montones de sangre rojo frambuesa. (En el verdadero espíritu de una película de serie B, la trama es tan descaradamente monosilábica como el título: un jefe del inframundo llamado Bill traiciona a una sicaria conocida como La novia, que luego se embarca en una misión para … bueno, lo adivinaste).

La Novia (Thurman) regresando de su viaje a Japón, y a su lado, Hattori Hanzo Steel.

“Una de las primeras declaraciones que hizo Quentin fue que quería que cada capítulo del guión se sintiera como un carrete de una película diferente”, recuerda Richardson. “Quería entrar y salir de los diversos estilos característicos de todos estos géneros: occidental, melodrama, suspenso, terror. Tenía un conocimiento absoluto de cómo quería que se viera cada secuencia».

Richardson agrega que los conceptos de los capítulos de Tarantino eran tan específicos y variados que el director consideró inicialmente contratar a tres directores de fotografía para el proyecto, “pero al final, Quentin decidió contratar a una sola persona, probablemente para ayudar a mantener la coherencia en una producción tan grande. Le había enviado una carta en la que expresaba mi entusiasmo por el guión y, finalmente, me eligieron”.

Richardson cerró su trato y se metió sigilosamente en un tango de 10 semanas con su nuevo colaborador mientras preparaban el proyecto. “Tuve paciencia para no apresurarme a buscar respuestas”, recuerda. «Esa es una lección que todo el que desee ser director de fotografía debe tener en cuenta».

PREPARACIÓN

5/6, 7-11 de marzo: Llegan las películas. Diseñando los días para permitir una inmersión completa. Horario: despertar a las 6 am – terminar [ver] la película de la noche anterior – preparar el desayuno – preparar el almuerzo y llevar a las niñas a la escuela. Empiece las películas a las 8:30; 2:30 – recoger chicas. Mire películas durante la cena con las niñas, hasta la hora de acostarse, luego continúe hasta que se sientan fatigadas.

El legendario celo de Richardson por la investigación visual continuó en Kill Bill. Entre los envíos diarios de los asistentes de Tarantino y sus propias compras, el director de fotografía afirma que consumió más de 200 películas. Estos incluían clásicos del género como Once Upon a Time in China, Shaolin Master Killer, Lady Snowblood, 18 Fatal Strikes, Carrie y Coffey, así como obscuridades como Reborn From Hell, Texas Adios, Black Mama White Mama y Deaf-Mute Heroine (uno de los favoritos de Richardson del grupo). 

Lucy Liu como la asesina O-Ren Ishii. Meiko Kaji como Yuki Kashima, el personaje principal de Lady Snowblood (1973), filmada por Masaki Tamura.

Con una gran cantidad de géneros para hacer malabares y una producción trotamundos que administrar (la película se rodó principalmente en China, pero también incluyó ubicaciones en Japón, México y California), Richardson admite que mantener la coherencia visual sobre «la escala pura de la imagen» fue su mayor preocupación. Él acredita modestamente a la elaborada puesta en escena deTarantino (desarrollada en colaboración con los diseñadores de producción Yohei Taneda y David Wasco) con la mayor parte de esta carga. “El aspecto de esta película se decidió principalmente mucho antes de mi participación”, comenta.

Kincaid, el maestro de Richardson desde The Doors, observa: “Bob le dará crédito a Quentin por tener mucho que decir sobre el aspecto de la película, pero es más exacto decir que Quentin realmente inspiró a Bob a conseguir el aspecto de esta película. Por ejemplo, cuando ves una película de blaxploitation, no necesariamente quieres que [tu película] se vea así, porque muchas de ellas se hicieron en un momento en que las imágenes no eran tan atractivas. Bob tiene la capacidad de mirar esas películas y decir: ‘Ésta es la esencia que tenemos que sacar y usar’”.

«Cuando quería ese tipo de primer plano en particular, con un ángulo muy específico y un tamaño muy específico, decía, ‘Dame un Leone’, y yo sabía exactamente lo que quería decir». – Robert Richardson, ASC

La novia (Thurman) se prepara para un enfrentamiento …

La propia explicación de Richardson confirma esta opinión: “Lo que busco en [cualquier género] es lo que ese género representa: la actitud hacia la realización cinematográfica, más que la propia realización cinematográfica. Tomemos Spaghetti Westerns, por ejemplo. ¿Cómo describiría las diferencias fundamentales entre una película de John Ford como Stagecoach y una película de Sergio Leone como Once Upon a Time in the West? Está en los ángulos, los personajes, la sensibilidad que tiene el cineasta hacia su tema. Considero a Leone un maestro, y su actitud es parte de la esencia del Spaghetti Western que Quentin buscaba para ciertas partes de Kill Bill. Cuando quería ese tipo de primer plano en particular, con un ángulo muy específico y un tamaño muy específico, decía: ‘Dame un Leone’, y yo sabía exactamente lo que quería decir».

Richardson diseñó una apariencia específicamente «texturizada» para una secuencia en la que un monje arrugado (Gordon Liu) ayuda a La novia (Uma Thurman) a agudizar sus habilidades de lucha. “Quentin quería replicar la pérdida de generación visual en estas viejas películas de kung-fu: los rasguños, el contraste más alto de lo normal”, explica. En lugar de intentar crear el efecto digitalmente, Richardson empleó un proceso fotoquímico. Comenzó capturando la acción en un material de inversión de color Kodachrome contrastado. Procesó eso normalmente, sacó un internegativo de la impresión y luego sacó un interpositivo de eso, y así sucesivamente. “Seguimos haciendo copias e impresiones de un lado a otro hasta que Quentin estaba contento con el aspecto”, dice.

Usó otras seis materiales sensibles de Kodak para el resto de la película: EXR 5248 y 5293; Vision 320T 5277, 500T 5279 y 800T 5289; y 5222 para secuencias en blanco y negro.

CONSIDERACIÓN

27 de marzo: cumpleaños de Quentin. Todavía estamos dando vueltas unos a otros mientras aprendemos a comunicarnos. Paciencia. 

1 de abril: en Technique para discutir el intermedio digital – muy prometedor. Sin problemas de extracción de Super 35. ¿Cuáles son los beneficios? ¿Cuáles son los riesgos? 

10 de mayo: Primera prueba (única prueba) completada. Pasé la noche en Complete Post: presionó rápida y precisamente a través de pruebas visuales, pero detuvo el maquillaje de Uma. Tengo mucho que aprender sobre su rostro. Confianza destrozada … Necesito tiempo.

Richardson dice que nunca hubo ningún debate sobre cómo obtener la relación de aspecto de pantalla ancha de Kill Bill. La producción filmó en formato Super 35 mm utilizando las camaras Panavision Platinum preferidas de Richardson, equipadas con lentes Primo y configuradas para filmaciones de 3 perforaciones. Sin embargo, tanto Richardson como Tarantino tenían reservas persistentes sobre el mantenimiento de la fidelidad visual en el formato a menudo difamado, citando experiencias traumáticas en Casino y Reservor Dogs, respectivamente.

Incapaz de filtrar impresiones de primera generación, Richardson consideró la siguiente mejor opción: un intermedio digital (DI), ejecutado en Technique. “Este es el mejor enfoque disponible en este momento y solo mejorará”, observa. «No hay razón para que no se convierta en la forma habitual de hacer las cosas».

La novia (debajo de la mesa) expresa su punto de vista durante una feroz batalla con Vernita Green, también conocida como Copperhead (Vivica A. Fox)

Pero convencer a Tarantino no fue tan sencillo. A pesar de lo receloso que estaba el director con el Super 35, era aún más cauteloso con cualquier cosa etiquetada como «digital».  “A Quentin no le gusta esa palabra”, dice Richardson. “Todavía me siento intimidado por [la sincronización digital] de alguna manera yo mismo. Es como ponerme en la cabina de un 747: ¿qué diablos voy a hacer además de ponerlo en piloto automático? Pero a medida que aprende, se siente menos intimidado y puede hacer cosas que simplemente no son posibles fotoquímicamente. En este caso particular, vi el DI como la mejor manera de mantener el control sobre las imágenes, por lo que Quentin finalmente decidió seguir adelante».

Sin embargo, filmar con un DI en mente era otra historia, y Richardson pronto se encontró con los límites de la magnanimidad de su director. En pocas palabras: Tarantino no prueba. «En realidad, sus palabras fueron ‘Las pruebas son para coños», informa el director de fotografía. “Él cree que debes estar dispuesto a cometer errores y entrar en esos errores en el día. Y creo que hay mucha verdad en eso. Si está dispuesto a correr un riesgo, hay más por venir.

Mientras está en Japón, La novia visita a Hattori Hanzo (Sonny Chiba), un maestro de la herrería de espadas samuráis.

“Por otro lado”, continúa, “estábamos haciendo muchas cosas que ninguno de nosotros había hecho nunca. Nunca antes había renderizado algo en película, así que quería saber hasta dónde debería llegar la textura de este mundo: los detalles, la sutileza del color, cuál sería el nivel de calidad en comparación con algo [impreso] directamente en la película. Pero, sobre todo, mi gran miedo son las caras. Para cualquier actor con el que vaya a trabajar, realmente quiero conocer su rostro antes de filmarlo”.

Después de «rogar, básicamente», a Richardson se le concedieron dos tercios del día para las pruebas. “A pesar de que tuve una amplia gama de imágenes durante la prueba de cinco minutos que hice, todavía no sé exactamente qué puedo hacer cuando llegue a la [salida] final”, dice. “Básicamente, me alejé del nivel de conocimiento que había obtenido al rodar comerciales, con la esperanza de que la mayoría se aplicara. Donde no es así, sé que mi conocimiento del arte cinematográfico me respaldará».

Los secuaces (y mujeres) enmascarados de O-Ren Ishi, The Crazy 88’s, pueden tener a The Bride rodeada, pero siguen siendo cautelosos con sus considerables habilidades.

PRODUCCIÓN

28 de mayo: Aviso encontrado en el piso de mi apartamento: “Todos los departamentos deben tener en cuenta: como departamento nuevo del equipo de producción chino, el departamento de agarre está involucrado enel trabajo de cámara, iluminación, producción y construcción del escenario. Se supone que todos los departamentos deben cooperar y ayudar para acostumbrarse unos a otros lo antes posible y hacerlo mejor en este nuevo trabajo».

18 de junio: La dificultad de filmar las secuencias de artes marciales está más allá de lo que la mayoría de nosotros imaginamos. Quentin quiere filmar plano a plano (orden editorial), independientemente del número de turnos de iluminación necesarios. Difícil, no hace falta decirlo, pero si el procedimiento deja a Quentin más cómodo, deberíamos hacerlo. Los críticos rodean. Dejemos que se psicoanalicen.

Kincaid ha trabajado en todas partes, desde los pantanos tailandeses hasta los casinos de Las Vegas, pero admite que no tenía idea de qué esperar del Beijing Film Studio construido por Mao. “En cierto modo pensamos que todo se juntaría con bambú y quién sabe qué”, bromea. Aunque ese no fue el caso, los cineastas todavía tuvieron que hacer mucho de lo que Richardson llama «asimilación» durante su estadía de tres meses en China. “La idea es aceptar la forma de abordar de otra persona”, dice. “Todas las actitudes [de los chinos] son ​​claramente diferentes a las tuyas y a las mías, desde lo que es importante en sus vidas hasta cómo hacen sus propias películas. Tienes que acostumbrarte a cómo mueven su equipo, cómo preparan un escenario, lo que creen que funciona y no funciona, quién es responsable de qué trabajo.

O-Ren Ishi y su banda de asesinos llevan a cabo sus tareas con considerable estilo.

El presupuesto de producción también tenía un alcance mayor allí, especialmente en términos de mano de obra. «Nunca en mi vida había estado en un set tan concurrido», dice Herb Ault. “Tenía al menos el doble de agarres en mi equipo de lo habitual. Se supone que todo el mundo es igual en una sociedad comunista, así que todos se amontonan y hacen las cosas por pura cantidad. Llegó al punto en que simplemente no pude estorbar. Tendría que decirle a mi traductor lo que quería que se hiciera y dar un paso atrás».

Los directores de fotografía, sin embargo, dan por sentada la comunicación directa con su equipo, y Richardson encontró el proceso especialmente engorroso. “Vengo con una gran pasión por hacer algo, y espero que todos los demás tengan la misma pasión. Pero tienes que disfrutar de un cierto nivel de comunicación para transmitir eso, y como pocos hablaban inglés y yo no hablaba mandarín, había un nivel constante de frustración».

Sin embargo, finalmente el equipo encontró su ritmo. Dolly grip David Merrill hizo juegos de tarjetas flash bilingües («Si no pudiéramos pronunciarlo, siempre podríamos señalarlo», dice Ault); mientras tanto, Kincaid dice que él y el maestro chino, apodado G-San, «se enseñaron mutuamente diferentes versiones de iluminación y ping pong».

La Casa de las Hojas Azules y las secuelas del caos de la Novia.

La primera secuencia del rodaje, conocida como «88 Locos», por la cantidad de matones de Yakuza que mata la novia, resultó ser una de las más desafiantes para el equipo. Cuatro años después de sobrevivir al intento de golpe de Bill el día de la boda, The Bride rastrea a una de sus antiguas compañeras de equipo (interpretada por Lucy Liu) hasta un club nocturno japonés llamado The House of Blue Leaves. El diseñador de coproducción Yohei Taneda recreó el tablón del hotspot de Tokio para tablón de modo que cualquier elemento (mesas, rampas, paredes de serigrafía e incluso un quiosco de música) pudiera ser «Hollywooded» dentro o fuera según las necesidades de los realizadores.

Tarantino ideó una complicada toma de viaje para iniciar la carnicería. Comenzando detrás del quiosco de música, mientras un combo de chicas japonesas mueve sus colmenas a un ritmo retro, el operador de Steadicam, Larry McConkey, camina por la pantalla de la cámara hacia la derecha, pasando por debajo de una escalera expuesta, que revela a La novia descendiendo al encuadre. La cámara se balancea desde debajo de la escalera y sigue a La Novia mientras atraviesa la habitación por un pasillo lateral. Cuando pasa a la silueta detrás de una pantalla de papel de arroz, la cámara se eleva y continúa siguiendo desde un ángulo superior, descendiendo de nuevo cuando ella entra al baño; la cámara luego gira para encontrar al dueño de House of Blue Leave y su gerente, y la cámara los lleva de regreso por el pasillo hasta el piso principal, donde ascienden por una escalera. La cámara se sube a una grúa y recorre la pista de baile, más allá de la banda, hacia la escalera opuesta, donde entra y baja para revelar a Sophie Fatale (Julie Dreyfus), una ex miembro del grupo asesino de Bill y que pronto será víctima de La novia. Luego, la cámara sigue a Sophie al baño y, mientras se sube al espejo, la cámara pasa junto a ella hasta la pared de un cubículo. Una señal de iluminación de la pared de malla revela a la novia adentro, esperando.

Richardson y su equipo pasaron solo seis horas ensayando la toma y la completaron en un día. “Suena simple, pero no lo fue”, dice Ault. “Necesitábamos ver todo el set al comienzo de la toma, por lo que la grúa en la que Larry finalmente pisó no podía estar allí. Teníamos personas asignadas tareas específicas para volar rampas, hacer rodar la grúa hacia abajo, mover paredes hacia afuera y hacia atrás. Tuvimos que meter la grúa mientras la cámara estaba apagada haciendo la otra parte de la toma.

“Necesitábamos una plataforma para Larry que lo elevara, recorriera unos 20 pies y luego descendiera para que pudiera bajarse. Terminamos usando una plataforma de silla voladora motorizada que diseñé y operé. Actuó como un paseo de carnaval para Larry mientras veía a Uma viajar por el pasillo desde arriba. Mientras tanto, la pared [en el piso del escenario principal] se abrió, las rampas volaron y la grúa Pegasus se preparó para que Larry regresara”.

El Pegasus altamente portátil, cuyo brazo permite un movimiento de 360 ​​grados y se puede construir en varias longitudes diferentes, es una de las herramientas favoritas de Richardson, y Ault llevó una durante todo el rodaje. “Bob es más feliz cuando está en la grúa, envuelto alrededor de la cámara”, comenta Ault. “Creo que le gusta porque cuando mueves un brazo, es muy fluido; no tiene que preocuparse por los baches en la pista [dolly] y puede cambiar las elevaciones con suavidad. Además, cuanto más largo es el brazo, menos arco tiene en su swing y comienza a verse como un movimiento de plataforma. John Toll [ASC] movió una grúa Akela sobre hierba que soplaba magníficamente para obtener ese tipo de efecto en The Thin Red Line«.

La novia se cierne sobre otro de sus enemigos: Gogo Yubari (Chiaki Kuriyama), una mortal «colegiala japonesa» que empuña una bola de metal con una cadena. En la foto superior, Richardson (camisa blanca y cabello) le da a Tarantino una opcon vsual» desde detrás de la cámara.

Ault también describe hacer «algunas cosas divertidas» con un equipo de pista lineal. Durante uno de sus muchos derribos, La novia esquiva sin esfuerzo un hacha voladora mientras gira en el aire, a centímetros de su nariz. Normalmente, tal hazaña se crearía en la publicación con efectos especiales, pero dada la aversión de Tarantino a todo lo digital, Ault se sintió obligado a convocar algo de inspiración de baja tecnología. «Quentin es un tipo bastante orgánico, pero, obviamente, no íbamos a lanzar hachas a Uma», bromea. “Para tomar la fotografía, montamos la cámara en una pista lineal, que es un pequeño carro sobre varillas gemelas de acero inoxidable que las empuñaduras empujarían tan rápido como pudieran, alrededor de 10 mph. Es un sistema con ruedas, por lo que no importa qué tan rápido lo mueva, no tiene que preocuparse de que se salga. Le pusimos un sistema de frenos elásticos, colocó el hacha frente a la lente y la pasó justo por delante de la cara de Uma. A Quentin le encantó cuando se le ocurrieron soluciones como esa».

Ault también usó la pista para crear una toma en la que un Thurman con ayuda de cables sube corriendo por una barandilla de escalera. “Para conseguir la velocidad necesaria, tenía que filmarse con una cámara que no ‘funcionara’”, explica. «Es más o menos una toma fija, por lo que colocamos la pista lineal en el mismo ángulo que la barandilla, con poleas montadas para que pudiéramos moverla tan rápido como una persona corriendo».

La iluminación de Richardson para la secuencia es tan estilizada como el movimiento de la cámara, mezclando decenas de accesorios prácticos (Kincaid manipuló más de 300 para el set de 140 ‘x 80’) con transiciones atrevidas entre fuentes suaves y duras. 

“En esta secuencia particularmente larga, la iluminación comienza suave y se mueve progresivamente hacia niveles de contraste más altos”, explica Richardson. “A medida que se desarrolla la amenaza y la lucha se vuelve más complicada, el estilo de iluminación cambia para reflejar la naturaleza gráfica de la acción. Los fondos desaparecen y la arena central se vuelve más frecuente». 

El director de fotografía también empleó su efecto de “halo” tan imitado “aquí y allá”, aunque le irrita la idea de estar encasillado. «De hecho, he hecho dos películas seguidas ahora con muy poco uso de ese estilo», dice, refiriéndose a Snow Falling On Cedars y The Four Feathers, nominada a la Academia y al premio ASC (ver AC Oct. ’02). Aun así, sostiene que su iluminación para Kill Bill «es brutal cuando debe ser». 

Otra técnica distintiva que Richardson ha estado perfeccionando durante varios años es lo que él llama un uso “psicológico” de las señales de atenuación dentro de las tomas: “Puede ser en el lento desvanecimiento de un fondo o en el desvanecimiento cruzado entre dos colores diferentes. Hice esto en una escena al principio de Bringing Out the Dead: Nicolas Cage está reviviendo al anciano en su apartamento, y el fondo se desplaza hacia abajo unos dos puntos hacia el negro. Es extremadamente sutil. No lo notarás conscientemente, y si lo haces, entonces he cometido errores. He estado haciendo este tipo de cosas durante varios años y me he vuelto cada vez mejor perfeccionándolo.

«En Kill Bill, no hicimos mucha iluminación motivada en el sentido clásico», agrega. «Más a menudo trataba de enfatizar un momento psicológico en la acción. Hay una señal en la que Uma está a punto de enfrentarse a una pandilla de el Crazy 88 en una batalla de samuráis. El primer plano en un escenario se desvanece, los colores pasan por un cambio de iluminación y revelamos un escenario mucho más grande donde la batalla continúa en silueta».

La estrategia también fue útil para iluminar las elaboradas composiciones conmovedoras de la película, que Tarantino prefirió filmar en secuencia. Kincaid presidió más de 400 canales de atenuación y usó “un tablero remoto muy pequeño que yo sostenía mientras me escondía detrás de la cámara” mientras se acercaba a los personajes con katanas. “Cuando paseas la cámara alrededor de la gente”, explica, “una luz de fondo nunca funcionará como luz frontal porque suele ser demasiado empinada. Tienes que atenuar eso y activar una luz frontal y de fondo diferente para cada nueva posición de la cámara».

Richardson señala que cada señal de atenuación significa un cambio correspondiente en la temperatura del color. «Es prácticamente imposible moverse», dice. “Puedes intentar ocultarlo con ciertos elementos pasando por el primer plano o el fondo, o pasando otra luz a través del propio marco. Hay miles de formas de hacerlo, pero en realidad es una tarea mucho más fácil en blanco y negro».

Los pizarrones de atenuación ayudaron a Richardson a respaldar el deseo de Tarantino de filmar en secuencia, pero algunas de las otras predilecciones del director, como su afición por el zoom instantáneo al estilo de Hong Kong, requirieron mucha más «asimilación» por parte del director de fotografía. “No soy un fanático del zoom”, dice rotundamente Richardson. “Fue entretenido para Quentin tener que interrumpirme. Me decía: ‘Obtuve tu virginidad en esto, Bob, y si duele, ¿sabes qué? Vas a tener que aprender a disfrutarlo’”.

Afortunadamente, Richardson no tardó mucho en relajarse. «¡Hubo un momento en el rodaje en el que se sintió genial!» reconoce con una sonrisa. “Después de eso, empezaba a pensar: ‘Oye, pongamos un chasquido aquí, un chasquido allá A veces, Quentin aparecía con una sonrisa en la cara y decía:’ No es el momento adecuado para eso, Bob, pero yo ‘ Estoy muy contento de que lo estés haciendo'».

Especificaciones Técnicas

Super 35 mm (3 perf) 2,35: 1
Lentes Panavision Platinums Primo
Kodak EXR 100D 5248, EXR 200T 5293, Vision 320T5277, Vision 500T 5279, Vision 800T 5289 y Double-X 5222
Digital Intermediate by Technique

ROBERT RICHARDSON, ASC SOBRE EL MOVIMIENTO DE LA CÁMARA

Director de fotografía estadounidense: ¿Qué películas y cineastas han influido más en su sentido del movimiento de la cámara?

Robert Richardson, ASC: En este momento de mi carrera, estoy más influenciado por las peliculas de Hitchcok, principalmente por su precisión. Es difícil no citar a Kubrick, por supuesto; el trabajo de Steadicam en The Shining es asombroso, ya sea siguiendo al chico en los pasillos del hotel o guiando a Jack Nicholson a través del laberinto, al final. Las películas de Martin Scorsese también son una gran influencia para mí. El trabajo de cámara en Raging Bull, especialmente durante la pelea final de Jake LaMotta con Sugar Ray Leonard, es fenomenal; gira y gira, pero el encuadre se mantiene muy preciso.

Robert De Niro como Jake LaMotta en Raging Bull de Martin Scorsese (1980), fotografiado por Michael Chapman, ASC.

Bernardo Bertolucci es un maestro del movimiento. Junto con el de Scorsese, su trabajo es una de las mayores influencias en mi carrera. En El último emperador, hay una toma en la que los sonidos del mundo exterior llegan a Pu Yi desde el enorme muro de la Ciudad Prohibida; la cámara se eleva desde el borde de la pared para «escucharlos» y luego vuelve a bajar. La dificultad de crear esos movimientos e iluminarlos, que Bertolucci logró en colaboración con [Vittorio] Storaro [ASC, AIC], se logra en un grado extraordinario. No sé si alguna vez han sido igualados.

Las películas que ha mencionado a menudo presentan movimientos muy abiertos o elaborados. ¿Encuentras ese tipo de trabajo de cámara particularmente inspirador?

Robert Richardson, ASC: Bueno, incluso con los más elaborados, no se trata tanto de «lograr» una escena a través del movimiento de la cámara, sino de ser apropiado. Andrei Tarkovsky tienen un impacto visual increíble porque el movimiento de la cámara siempre es extremadamente apropiado para enfatizar ciertos momentos psicológicos. My Name Is Ivan tiene un movimiento de cámara fenomenal, con el encuadre moviéndose de una manera muy deliberada entre los árboles [en un bosque inundado por la noche]. Yo lo llamaría poesía en movimiento, y es notable en su arte. Todos los cineastas que he mencionado tienen actitudes visuales muy diferentes, pero todos son muy deliberados sobre dónde y por qué mueven la cámara.

¿Ha cambiado su propio sentido de cómo mover la cámara en los últimos 20 años?

Robert Richardson, ASC: Ha evolucionado a través de la edad, la experiencia y el conocimiento. Las decisiones que tomo ahora están menos ligadas a una especie de sensibilidad «desde la cadera». Todavía tengo la capacidad para ese tipo de trabajo, obviamente; Natural Born Killers no fue hace muchos años. No tengo ningún problema con la aleatoriedad o la improvisación, pero ahora soy mucho más consciente de tomar esas decisiones, y de lo que significan, que en las primeras etapas de mi carrera. – John Pavlus

BRITISCH CINEMATOGRAPHER – Jakob Ihre FSF /  Chernobyl

Chernobyl es la inquietante miniserie de cinco capítulos de HBO que sigue los relatos detallados de aquellos que intentaron mitigar el desastre después de la explosión de la planta de energía nuclear de 1986 en la Unión Soviética.

El programa aclamado por la crítica sobre el reactor condenado, con actuaciones increíbles de Stellan Skarsgård, Jared Harris y Emily Watson, es una historia fascinante y que induce estrés, hecha con la alta calidad estándar que se espera de los proyectos de HBO. También fue la primera incursión del director de fotografía sueco Jakob Ihre FSF en la televisión. Aunque, como él mismo dice, se parecía más a una película de cinco horas que a un programa de televisión, lo que a veces puede parecer fragmentado si se divide entre diferentes directores y directores de fotografía.

«Siempre vi esto más como un largometraje o una especie de documentación», dice Ihre, quien estudió en The National Film TV School en Beaconsfield. «No una instalación, per se, pero era algo incluso más que un largometraje. Era incluso más pesado. Y como estábamos creando algo visualmente monumental, nuestra ejecución se hizo con mucho respeto por lo que sucedió».

Johan Renck fue elegido para dirigir el monstruo que es Chernobyl. Un director de videos musicales muy versado, conocido por su trabajo con Madonna, Robbie Williams, Lana Del Rey y el último video de David Bowie, Lazarus, también había estado perfeccionando sus habilidades como director de televisión con temporadas en Breaking Bad, Vikings , Bloodline y Halt. Y prende fuego.

Ihre estaba, simultáneamente, trabajando en muchas características existenciales o sobre la mayoría de edad tanto en los Estados Unidos como en Europa, como The End Of The Tour con James Pondsoldt y cuatro películas con Joachim Trier, incluida Oslo, el 31 de agosto.

La pareja se unió para filmar los cinco episodios de una hora durante 90 días en Lituania. Y, si bien la cantidad de trabajo por hacer en ese tiempo fue enorme, Ihre no tenía nada con qué compararlo y admite que la asignación de preproducción de casi cuatro meses, más que el rodaje, fue generosa y necesaria.

Al principio, Renck e Ihre hablaron sobre centrarse en los retratos de personas y menos en la mecánica del desastre. Aunque lo que sucedió en Chernobyl, y sus secuelas, fue realmente un horror, querían ver cómo todo eso se reflejaba en los rostros de la gente y menos en la trama de la historia.

«Sabíamos que queríamos retratarlos con el mayor respeto y cuidado», dice Ihre, «como si los personajes de la vida real estuvieran parados frente a nosotros. Hablamos mucho sobre mostrar ese tipo de honestidad pura y humanidad. todos».

Agrega: «En películas anteriores, me he centrado en el estado emocional de una o sólo unas pocas personas que atraviesan un conflicto, pero esta vez sentí que tenía a toda la humanidad como una responsabilidad de retratar; cómo la humanidad era una especie de desmoronándose a causa de este desastre».

Ihre y Renck recurrieron a dos fuentes principales como referencias visuales para la muestra: el pintor holandés del siglo XV, Hieronymus Bosch, que a menudo mostraba escenas religiosas apocalípticas o el mundo en confusión en su obra; y «The Family Of Man», una exposición fotográfica de 1955 en el MoMa de Nueva York que fue una ayuda en respuesta a la amenaza nuclear en ese momento entre los estadounidenses y los soviéticos. Al diseñar el look de Chernobyl, las palabras a las que siempre volvía eran «humanidad» y «sensibilidad». Y para traducir eso visualmente, eligió lentes Alexa Minis y Cooke Panchro.

«Pensamos que quizás nos volveríamos anamórficos», dice Ihre. «Habría sido una forma de entrar en el mundo del cine soviético – o lo que la gente pudiera pensar del cine soviético – ese tipo de pesadez, donde casi se puede sentir el cristal de las lentes anamórficas para sentir la maquinaria de la Unión Soviética». en nuestro lenguaje de cámara. Pero nos alejamos de esa idea y nos enfocamos en algo más humano y menos molesto».

«En películas anteriores, me he centrado en el estado emocional de una o sólo unas pocas personas que atraviesan un conflicto, pero esta vez sentí que tenía la responsabilidad de retratar a toda la humanidad; cómo la humanidad se estaba desmoronando a través de este desastre “. – Jakob Ihre FSF.

Ihre y Renck hicieron pruebas de lentes ciegas con vidrio de diez fabricantes diferentes, y cada uno, independientemente el uno del otro, eligió el número seis, que, por supuesto, terminó siendo Cooke Panchros sin realojar. Ihre dice que encontró una sutileza en los Panchros, «No le daban una mirada demasiado fuerte a las cosas y al mismo tiempo tenían algo de alma, que es lo que realmente necesitábamos».

Las elecciones de Ihre permitieron a Chernobyl un lenguaje visual basado en la realidad. Sin embargo, dar la impresión de lo surrealista después de la explosión fue igualmente importante: surrealista, pero no artificial.

«Después de la explosión», dice, «el mundo está un poco trastornado. Está alterado». Entonces, ya sea que una escena muestre su fuente de iluminación con una lámpara o el sol o esté nublado, Ihre se esforzó por una luz dinámica que siempre fuera un poco impredecible. «Haría que nuestras luces parpadearan o cambiaran su color o intensidad dentro de la escena», explica, «para que, incluso sutilmente, el espectador sienta que algo anda mal, que algo es, literalmente, inestable».

Muchos de los miembros mayores del equipo de Chernobyl eran de la ex Unión Soviética y recordaron los días posteriores al colapso, del que hablaron a Renck e Ihre. Se les dijo que no salieran al aire libre después de la explosión. Específicamente, algunas personas le dijeron a Ihre que no se les permitía estar al sol. Cuando las partículas de polvo en el aire fueron iluminadas por el sol, la gente pensó que eran átomos nucleares. Entonces, el sol se convirtió en un presagio para la gente, por lo que para Ihre en esta sesión, el sol y los rayos se convirtieron en el símbolo de la amenaza.

A lo largo de los cinco episodios, Ihre usó el sol como una herramienta dramática, colocando obturadores digitales en sus fuentes para crear un efecto de presagio. En la escena del día después de la explosión, el sol sale temprano en la mañana detrás del reactor, «la energía, los ‘átomos’ están saliendo en el mundo», explica Ihre. «Entonces, cuando vemos a Legasov [Harris] en Moscú seis horas después, en realidad puedes ver que el sol se está oscureciendo como si la amenaza estuviera llegando a Moscú, golpeándolo cuando se despierta. En una película de terror, puedes tener una niebla que hace esto. En el nuestro, teníamos el sol».

BRITISCH CINEMATOGRAPHER – ¡HOLA, HO SILVER! Boja Bazelli ASC / El llanero solitario

CUANDO LE PREGUNTAMOS A BOJAN BAZELLI ASC LO QUE ENCONTRÓ MÁS DESAFIANTE ACERCA DE FLMAR EL DISNEY / BRUCKHEIMER,DICE, «NO HABÍA UNA SOLA FOTO SIMPLE EN LA PELÍCULA». TODO FUE DESAFIANTE. NO TENEMOS UNA SEGUNDA UNIDAD. ES UNA PELÍCULA COMPLEJA, QUE VA DE LA MANO CON LA FORMA EN QUE LA FILMAMOS».

Junto con Bazelli y el director Gore Verbinski, la nueva fábula del vengador enmascarado aprovecha el talento de los actores Armie Hammer como The Lone Ranger y Johnny Depp como Tonto, el guerrero nativo americano. Las co-estrellas incluyen a Helena Bonham Carter, Ruth Wilson, William Fichtner y Tom Wilkinson. Trabajaron a partir de un guión de Justin Haythe, Ted Elliott y Terry Rossio, escribe Wyatt Moss-Wellington.

Verbinski colaboró ​​previamente con Bazelli en The Ring (2002), una película de terror de altos ingresos, ampliamente elogiada por su estilo visual. La llamada llegó mientras el DF todavía estaba trabajando en Rock Of Ages (2012). Verbinksi recordó su gratificante asociación y le preguntó a Bazelli si era libre de capturar al Llanero Solitario. A partir de ese momento, los dos se enviaron ideas por mensaje de texto hasta que Bazelli regresó a Los Ángeles, donde pudieron conversar más libremente.

«Para The Lone Ranger, Bojan y yo tuvimos muchas discusiones al principio sobre el estilo», dice Verbinski. “Nos pusimos técnicos, pero también hablamos emocionalmente en términos de cómo se suponía que algo debía verse y sentirse. Hablamos mucho sobre la honestidad; Tenía que sentirse honesto. Hablamos sobre la pérdida y el tono más profundo de la película. Y también, al contar la historia desde la perspectiva de Tonto, significaba que provenía de cierto apuntalamiento de los nativos americanos. Discutimos cómo aportar polvo, suciedad y autenticidad a la cinematografía. Las vistas y los lugares tenían que sentirse como si te estuvieran hablando y comunicando de alguna manera”.

Durante sus discusiones iniciales, el director y DF rápidamente decidieron que tendrían que usar la mayor cantidad de luz del día posible, en lugar de confiar en la belleza del amanecer y el anochecer. «La estética de Los días del cielo (DF Nestor Almendros, 1978) no era adecuada para una película de acción y aventuras como esta», dice Bazelli. «El guión del Llanero Solitario caminó una línea fascinante entre la comedia peculiar y las consideraciones más sombrías. Es una película con algunos mensajes realmente buenos. También es divertido y divertido», dice.

“Decidimos dirigir la cámara hacia el sur para obtener muy buena luz durante todo el día. Hicimos horas de oficina, de ocho de la mañana a seis de la tarde, para usar toda la luz que teníamos. La visión de Gore era obtener la mayor cantidad de fotos posibles en la cámara, utilizando el entorno natural sin pantallas verdes. Fue genial, siempre preguntando cómo obtener esos disparos; a veces era como ser un niño en una tienda de dulces».

Después de un retraso en la producción mientras se finalizaba el presupuesto, Bazelli filmó la película durante 150 días en lugares de la región suroeste de los EE. UU., Incluyendo Moab en Utah y el Parque Estatal Cimarron Canyon en Nuevo México, así como sitios en Texas, Colorado, Arizona y California.

«La preparación fue realmente muy fructífera, unas diez semanas», dice Bazelli. “Gore y yo tomamos la película en nuestras manos. Sabíamos que si no decidíamos todo por adelantado y nos comprometíamos realmente con la forma en que queríamos filmar la película, no obtendríamos resultados, ya que estábamos en exteriores alrededor del 75 por ciento del tiempo».

El método de Verbinski es crear un guión gráfico de todo y se utilizó la preproducción para analizar la pre-visualización, lo que, según Bazelli, «hizo que fuera mucho más fácil discutirlo. Hay dos secuencias principales que involucran un tren al principio y al final de la película; una secuencia de persecución y una secuencia de choque de tren. Gore había generado la pre-visualización aproximadamente un año antes de que comenzara la preproducción. Es la primera información que recibí cuando comenzamos a hablar sobre la película: una secuencia de once minutos, desde los trenes que salen de la estación hasta los trenes que caen a través del puente roto y la secuencia submarina. ¡Es asombroso!». Se filmo con casi una docena de cámaras para tener flexibilidad con la cobertura.

Él y Verbinski analizaron las referencias de The Searchers de John Ford (DF Winton C. Hoch, 1956) a los westerns de Sergio Leone, pero rápidamente decidieron, aunque la cobertura y la narración de historias funcionaban, la paleta era demasiado cromática para sus propósitos. Resolvieron conservar el encuadre y las imágenes visuales de la ubicación de Monument Valley de Érase una vez en el oeste de Sergio Leone (DF Tonino Delli Colli, 1968), sin embargo, una referencia cromática más cercana es otra reinvención reciente del western moderno, There Will Be Blood de Paul Thomas Anderson. (DF Robert Elswit ASC, 2007). Bazelli y Verbinski decidieron trabajar en una imagen desaturada, pero querían un enfoque diferente para la desaturación de otro mundo de sus innovaciones anteriores para The Ring.

La pareja consideró el uso de filtros y subexposiciones, sin embargo, no querían tener más vidrio frente a ellos para complicar las tomas exteriores de múltiples cámaras. Fundamentalmente, querían evitar desestabilizar su flexibilidad poniendo lo negativo en el proceso y decididos a lograr estos resultados en forma impresa. También planearon al principio de sus discusiones filmar en la película, lo que complica aún más este tipo de captura de luz al retener la plata en el negativo.

«Teníamos alrededor de siete cámaras de película, una combinación de Panavision Panaflex Platinum y Arriflex 435, más cuatro ARRI Alexas, filmando Anamorphic», explica Bazelli. “Uno siempre en una grúa; el resto era una mezcla de dollies y steadicam, etc. La mayoría de las veces usábamos lentes de la serie C. Algunos de los años 50 y 60, algunos remakes, pero el hermoso cristal antiguo gana la batalla. Tienen un aspecto envejecido y el vidrio no es tan perfecto, por lo que cada vez que apunta la cámara hacia el cielo o hacia un fondo más gris, tiende a suavizar el primer plano. Ese sentimiento de imperfección, pero aún muy agudo, lo abrazamos. No toman una luz más fuerte tan fácilmente como las lentes más nuevas (como la serie G), y en nuestra opinión esto fue una ventaja.

“Tuvimos la suerte de que las lentes más antiguas funcionaran en un proyecto tan masivo, pero las conexiones de Panavision ayudaron. Todos son mantenidos a mano por Dan Sasaki, quien básicamente ajusta las lentes y proporciona lo que usted solicita. Por ejemplo, si quieres más brillos, si los quieres más suaves, si los quieres súper lechosos, básicamente trabaja como un chef y los cocina de la manera que quieres que se sientan. Son geniales en Panavision. Pueden hacer eso».

Bazelli usó digitalmente principalmente para sesiones nocturnas, pero la mayoría de The Lone Ranger fue filmada en película. “Los exteriores durante el día son grandes paisajes, siempre una opción cinematográfica. Filmar en Anamorphic lo convirtió en la opción obvia para elegir las cámaras que se ajustan a esos objetivos. Pero lo que es hermoso sobre el mundo digital en mi mente es la capacidad de obtener detalles y matices sutiles de una manera relativamente económica, con configuraciones de iluminación razonablemente simples. Sabiendo que filmaríamos exteriores nocturnos sin luz pesada, fuerte y de aspecto artificial, queríamos evitar la exposición segura que necesitabas para la película. La fotografía nocturna siempre se siente un poco extraña y sabemos que es algo que no podemos superar, obviamente no se pueden usar lentes anamórficos bajo una cierta exposición o aparecen imperfecciones y se hacen muchos compromisos con el enfoque y el ruido, por lo que necesitamos esté muy preparado con nuestro paquete de iluminación e hicimos muchas pruebas, que consistieron en múltiples ajustes de exposición.

“Para probar el punto sobre el aspecto de los exteriores nocturnos, durante las pruebas terminé cambiando la exposición en la película reduciendo la velocidad de fotogramas de 24 fps a 6 fps, lo que equivale a aproximadamente 1200 ISO; me permitió minimizar la luz. Este sería nuestro look nocturno si filmamos en ARRI Alexa, pero documentado en la película porque la cámara aún no estaba disponible. Se lo mostré a todos: el nivel de luz más bajo se veía hermoso y era mejor que filmar con óptica esférica. Estaba vigilando el desarrollo de Alexa con el chip completo compatible con lentes anamórficas, que estuvo disponible en las últimas tres semanas de preproducción. Lo obtuvimos directamente de la fábrica en Alemania».

Todos expresaron entusiasmo por la apariencia de los exteriores nocturnos, especialmente Verbinski. Todo el equipo se suministró a través de Panavision, incluidas las cámaras Arriflex.

«TENEMOS ALREDEDOR DE SIETE CÁMARAS DE PELÍCULA, UNA COMBINACIÓN DE PANAVISION, PANAFLEX PLATINUM, Y ARRIFLEX 435S, MÁS CUATRO ALEXAS ARRI, FILMANDO ANAMORPHIC». – BOJAN BAZELLI ASC

Si bien las secuencias de acción a menudo emplean la gama completa de cámaras, las secuencias de diálogo se tomaron predominantemente en una cámara: «A Gore le gusta la lente muy cerca del actor, por lo que la cámara B no tiene a dónde ir para crear un buen plano. No tenemos la opción de ir ancho y apretado al mismo tiempo; uno sufriría, generalmente el ancho, por lo que es más fácil para él cambiar la lente y ampliarse o ajustarse en dos escenarios diferentes».

Martin Schaer operó la cámara A y Rafael Sánchez miró boquiabierto. Mike Popovich fue principal de agarre y Jason Talbert el agarre del carro, con Stefan Sonnenfeld en la Compañía 3 en Los Ángeles.

«Llevamos dos grúas todo el tiempo», dice Bazelli, «una MovieBird 17 y una MovieBird 35/45. Los agarres a menudo las montaban en plataformas en el tren para que pudiéramos alcanzar las tomas. Fue increíble ver a Jason, nuestro agarre de plataforma rodante, la cámara de clavos se mueve con gran precisión mientras el tren viajaba a gran velocidad, o mientras avanzábamos por las sinuosas carreteras del cañón a 45 mph en nuestra plataforma de carretera, que hicimos montando el tren y nuestro Condor ‘chimenea’ en una plataforma de 150 pies de largo tirada por un tractor-remolque. Usamos la plataforma de carretera cuando estábamos en lugares sin pista, o cuando necesitábamos ir a más de 30 mph».

Un problema que encontró el equipo se centró en mantener las lentes vintage libres de los elementos devastadores de la plataforma. “Nos enfrentamos a todo tipo de clima: viento extremo, tormentas de arena. En Nuevo México alrededor de abril, la temporada de viento comienza con cambios de temperatura locos. En 15 minutos, un hermoso día se convertiría en viento y arena en la cara con máscaras y gafas necesarias. En Utah y Arizona hacía calor extremo durante el día, luego frío en otras áreas para sesiones nocturnas, y filmamos bajo cero a diez mil pies, ¡pero los vientos en Nuevo México fueron los peores!

«Es difícil para el equipo, pero aún más difícil para las camaras. Tuvimos que reemplazar algunas de nuestras lentes de época porque la arena entraría en ellas. ¡También estábamos filmando en película, con configuraciones complicadas, encima de trenes, con grúas y todo tipo de piezas móviles!”.

El equipo confió en un material de película, también nuevo en el mercado: el material de luz natural 5203, 50 ISO de Kodak, que reemplaza al antiguo 5201. Bazelli lo describe como, «un hermoso grano fino y un aspecto limpio y natural, que responde maravillosamente a los reflejos. Los negros también son fantásticos. Es difícil para lo digital llegar a esto”.

“Terminé procesando pull [subexponiendo] el negativo al final, así que todo parecía un poco más suave, un poco menos saturado, extendiendo el rango útil de la película. Cuando se combina con una impresión en papel, 30% de derivación de blanqueador, se mezcla un poco mejor, haciendo una buena combinación. Teníamos cerca de un millón de pies de película, aproximadamente 500,000 pies en formato digital; todo se desarrolló con un solo tirón, lo que efectivamente hizo la ISO 25″.

Filmar con una película de baja sensibilidad ayudó a mantener el objetivo desnudo. Mantuvieron todo, incluido el flujo de trabajo, lo más simple posible: cámaras de película sin cables, sin conexión innecesaria al personal de DI que asesora sobre la imagen digital, lo más rudimentario, impactante y rápido posible. «El ideal es solo usted, su medidor de luz, la cámara y la vista», dice Bazelli.

Tuvimos cuidado con su escena favorita justo al comienzo de la película: el erudito vigilante se sienta en un tren, con el búfalo reflejado en la ventana, estableciendo románticamente el viejo oeste. Una sombra llama su atención, creando el drama de un incitante asesinato por venir. El momento teatralmente satisfactorio se logró agregando grietas en el techo del tren, logrando un destello con la iluminación y plantando la luz afuera, para crear el efecto de mirar hacia el sol. El romance y la aventura del New Western se reflejan literalmente en la escena.

Bazelli dice: «Sabes, no creo que volvamos aquí de nuevo: este alcance y este tamaño, usando la mayor cantidad de luz y ambiente natural posible, minimizando las pantallas verdes … es una producción rara que está dispuesta para hacer tal compromiso en estos días. Todos en el equipo trabajaron muy duro para lograr esto y tengo mucha suerte de poder ser parte de ello».

ROBIN VIDGEON, MIEMBRO HONORARIO DEL BSC, NO ESTÁ FILMANDO EN EL PRESENTE PERO ENSEÑA. «HE ESTADO ENSEÑANDO A ILUMINAR POR MÁS DE UN AÑO», dijo VIDGEON. «El año pasado hice nueve semanas y estoy a punto de comenzar un curso de seis semanas, días impares. HE HECHO DÍAS EXTRAS EN LA UNIVERSIDAD GREENWICH Y LA ACADEMIA DE CINE DE LONDRES. TAMBIÉN HE ENSEÑADO EN LA ESCUELA CENTRAL BRICK LANE».

Vidgeon, miembro de la junta de BSC, también es archivero de los archivos fotográficos de BSC. Cuando se le preguntó cómo se involucró, dijo: “Lo comencé con el fallecido Alex Thomson cuando hicimos su libro Outstanding Stills. Alex me preguntó si me gustaría ayudarlo. Él escribió todo y yo me ocupé de las fotografías. Ahora tenemos un archivo fotográfico de alrededor de dos mil imágenes fijas y está en marcha «.

Robin Vidgeon nació el 12 de agosto de 1939 en Londres y entró en la industria del cine en 1956. «Nunca consideré trabajar en otra cosa», dijo Vidgeon. “Cuando era niño tenía mi propio cuarto oscuro. Cuando tenía alrededor de diez años tenía un proyector de 9,5 mm y me enganché muy temprano”.

En 1960 se unió al DF Douglas Slocombe BSC y su operador Bernard (Chic) Waterson en la película de terror de bajo presupuesto Circus Of Horrors, dirigida por el fallecido Sidney Hayers. Este fue el comienzo de una larga colaboración como foqusta de Slocombe, que terminó en Indiana Jones And The Temple of Doom de Spielberg. Luego tomó el medidor trabajando con personas notables como Ken Russell y Anthony Hopkins. Vidgeon dijo: “La primera película en la que participé como DF fue The Pentitent, filmada en México durante ocho semanas. Había estado haciendo comerciales, promociones y un par de dramas de televisión antes de eso. Luego vino Hellraiser dirigido por Clive Barker. También dirigió Night Breed. Clive nunca antes había estado en un plató de cine. Es un reconocido autor de historias de terror y mientras estábamos filmando, su agente de libros apareció en el set y firmó un cheque considerable para sus próximos tres libros».

¿Hubo efectos especiales en Hellraiser?

“No hubo trabajo de CGI, todo se hizo de verdad. Como se filmó en una casa, tuve que intentar que se viera diferente todo el tiempo, como el día, el anochecer, la noche y la madrugada. Tuvimos que oscurecer las cosas: no puedes mover paredes como en un estudio. Había alrededor de treinta personas trabajando en ello. Se convirtió en una película exitosa, por lo que se puso más dinero en el seguimiento Hellbound. En eso teníamos un equipo de efectos especiales más grande».

¿Qué stock de película utilizo?

“Siempre fui un fanático de Fuji porque sentí que era bueno que Kodak tuviera cierta competencia, pero a lo largo de los años Fuji ha estado a la par con Kodak. Agfa cayó justo después de The Mission, lo que hice con Chris Menges. Justo antes de The Mission sacaron un negativo de 250 tungsteno que todos dijeron que era fantástico. Usamos el pelcula para las tomas de la jungla porque era muy bueno con los verdes. Poco después, Agfa decidió dejar de producir negativos en película”.

Cuando se le preguntó cuál era la más difícil como DF, dijo: “Creo que Hellraiser. Fue filmado en una antigua casa de Ewardian, que tenía escaleras estrechas, pasillos estrechos arriba, habitaciones bastante pequeñas y un pequeño hall de entrada. Iluminar eso durante ocho semanas e intentar mantener cada escena fresca y un poco diferente fue un desafío. Debido a que no queríamos que fuera una película estática, de solo primeros planos y tomas panorámicas. Creamos tomas para seguir con la gente. No teníamos steadicam entonces, era muy caro. Cada toma fue un desafío. En todas partes tenía espacio, pero esa película era restrictiva”.

¿Tiene algún héroe de la industria?

“Admiro a Anthony Hopkins, creo que es extraordinario; Me ha encantado todo su trabajo. El fallecido Joseph Losey, que tenía un gran ojo para la composición, es otro. Era un hombre muy tranquilo, nunca levantó la voz en el set, sino que inspiró a todos a su alrededor. También admiro mucho a Douglas Slocombe y Steven Spielberg. Entusiasman a todos en el set «.

¿Qué película le gustó más?

“Era agosto con Anthony Hopkins. Fue la primera película de Hopkins como director. Era como Clive Barker, con tanto entusiasmo y un gran sentido del humor. Primero trabajé con él como foquista en The Lion In Winter«.

Vidgeon ha hecho mucho trabajo en televisión. Cuando se le preguntó si lo disfrutaba tanto como las características, dijo: “No hay diferencia. Cuando camino a un set no me importa lo que tengo detrás, hago el mismo trabajo, olvido lo que hay en la plataforma. Miro un set y lo ilumino. El presupuesto es diferente y hay más presión en la televisión. En la serie Frost estábamos haciendo entre veinticinco y treinta configuraciones al día”.

Vidgeon dice que Frost era su serie de televisión favorita. “Hice siete de ellos y trabajamos de 8 am a 7 pm cinco días a la semana. Cada episodio tomó seis semanas, lo que incluyó la preparación».

Cuando se le preguntó cómo llegó a ser director de unidad adicional en Event Horizon, dijo: «Hubo un problema con la segunda unidad y recibí una llamada para que me hiciera cargo. Odio tomar el control porque no sabes cuáles son las políticas. Tenía diez semanas para eso..

«ADMIRO A ANTHONY HOPKINS, creo que es EXTRAORDINARIO; ME ENCANTÓ TODO SU TRABAJO». – ROBIN VIDGEON BSC

¿Cómo encontró la dirección?

“He hecho tantas fotos con directores nuevos que tienes que involucrarte con el lado directivo. He trabajado con personas como Fred Zinnermann, Norman Jewison, George Cukor y Steven Spielberg. Si no aprendieras algo de ellos, serías estúpido».

Sobre la iluminación, Vidgeon dijo: «Voy a algunos sets y ninguna lámpara apunta al actor, todo es luz reflejada. No puedo hacer eso. Me han educado para señalar las lámparas y crear profundidad. Puedo encender un set en veinte minutos con luz suave, pero luego pasas dos horas tratando de evitar que el soft vaya donde no quieres que vaya «. Agrega: “Las imágenes grandes ahora tienen dos o tres cámaras en cada toma. Debido a que tienes un primer plano amplio, medio y ultra cercano para cada toma, los chicos de sonido no pueden poner un micrófono en ningún lado. Hoy se trabaja mucho con los micrófonos de radio que la gente odia porque la calidad sufre».

¿Cuánto tiempo cree que pasará antes de que todo se filme digitalmente?

«Es difícil saberlo, pero podría suceder en los próximos cinco años». Finalmente, Vidgeon dijo: “He tenido mucha suerte en mi tiempo en el negocio. Le debo más de veinticinco años de experiencia a Douglas Slocombe. Fue un gran maestro y un gran hombre para trabajar, al igual que su operador Chic Waterson. Douglas y yo nos mantenemos en contacto regular y lo veo tan a menudo como puedo. Era una gran persona para observar y aprender. Era un hombre muy callado para trabajar y nunca lo vi perder los estribos en todos esos años».

David Worley: La vida detrás de la camara

1492: conquista del paraíso

Publicado por Film International – Entrevista por David A. Ellis – 13 de mayo de 2013

David Worley se crió en Rickmansworth, Londres y terminó sus estudios en Watford Grammar School. Ha trabajado como operador de cámara con algunos de los mejores directores, actores y directores de fotografía del negocio. Sus películas incluyen The World is not Enough, Aliens, Alien 3,101 Dalmatians y The Full Monty 

David Ellis: Tengo entendido que empezaste a trabajar con películas en British Transport Films.

David Worley: Grabé material de 16 mm y fui a mostrárselo al camarógrafo jefe Ronnie Cragon. Dijo que me tendría en cuenta para un puesto de aprendiz. Nueve meses después, David Watkin, que en ese momento era un camarógrafo de plantilla, iba a tener un descanso para iluminar una película llamada Sparrers Can’t Sing, una película de Joan Littlewood, que en realidad nunca hizo. Se fue y se llevó a dos asistentes de cámara con él. Eso significaba que había una vacante para un aprendiz y así fue como entré.

David Ellis: ¿Cuánto tiempo te quedaste?

David Worley: Empecé en 1962 y me fui en 1966. Luego fui a la BBC con un contrato de verano. Era el momento de la Copa del Mundo. Estuve allí dos meses. Luego me ofrecieron un trabajo fijo, pero decidí hacerme autónomo. Hice un trabajo independiente en documentales y material de televisión. Pasé a convertirme en un cargador de películas en una película llamada The Mini Mob, más tarde rebautizada como The Mini-Affair.

En busca del arca perdida

David Ellis: ¿Cuándo pasó a operar?

David Worley: Comencé como foquisto en 1971. Mi primer trabajo como operador de cámara fue en la segunda unidad de Raiders of the Lost Ark con el fallecido Paul Beeson. Hacia el final del rodaje, que fue en Túnez, operé la cámara B en la unidad principal. Continué operando la cámara B en Indiana Jones y el Templo de la Perdición (unidad principal) y en la unidad principal de Indiana Jones y la Última Cruzada.

David Ellis: ¿Qué habilidades y conocimientos se requieren para ser operador de cámara?

David Worley: Tienes que conocer el guión, entender todo sobre las líneas de los ojos y saber sobre las izquierdas y derechas en la dirección de la pantalla. La comunicación es importante. Por ejemplo, puede haber una escena de multitud y es esencial que trabaje con el primer asistente de dirección para asegurarse de que no haya extras en las áreas fuera de la pantalla. También para poder detectar cualquier defecto de maquillaje o vestuario. A veces, el cabello se sale de su lugar, así que tienes una palabra tranquila. En el aspecto técnico pudiendo utilizar cualquier tipo de cabezal, película y cámara digital. Lo realmente importante es conocer los nombres del equipo. Es importante poder comunicarse con el director, el director de fotografía y los actores. Finalmente, poder hacer sugerencias creativas y constructivas cuando se le solicite.

David Ellis: ¿Cómo trabaja con directores y directores de fotografía? ¿Se le consulta acerca de las configuraciones?

El monto completo

David Worley: Hice varias películas con el fallecido Adrian Biddle. Teníamos una buena relación de trabajo y él a menudo me dejaba tratar con directores sabiendo que no iba a arruinarlo. La situación ideal es tener una conversación a tres bandas; director, DF y Operador. Todo está muy bien planificado, pero el día en que las cosas pueden cambiar y los tres podríamos discutir una solución que no estaba prevista. A algunos de los directores de fotografía estadounidenses les gusta estar al mando de todas las configuraciones. Lo ideal para mí es trabajar a tres bandas. He trabajado en algunas grandes películas en las que el director es muy bueno con el guión y los actores, pero no tiene un gran talento visual. Luego dejan que nosotros hagamos las configuraciones, lo cual es genial porque te da muchas más oportunidades de participar.

David Ellis: ¿Cuántas cámaras se utilizan habitualmente y cuántas tomas harías en una escena?

David Worley: Muchos DF dicen que solo se puede encender una cámara. En las películas más grandes hay al menos dos. A algunos directores, por ejemplo, a David Fincher, le gusta hacer hasta veinte tomas. Eso no se debe a ninguna ineficiencia, es solo su preferencia. Se trata de opciones.

David Ellis: ¿Te gusta tanto el cine como el digital?

David Worley: A mí no me importa. Mi contribución es la misma si es cinematográfica o digital.

David Ellis: ¿Estás triste de ver desaparecer la película?

David Worley: Sí, porque tiene algo, incluso el olor. Con el cine hay una disciplina definida porque el filmar que pasa por la cámara es dinero. Con la película vamos a las prisas y las discutimos con el editor. Ahora, con lo digital, no tenemos prisa para ver, por lo que no tiene la oportunidad de sentarse, mirar y discutir sobre ellos.

La chica con el tatuaje de dragón

David Ellis: ¿Cuál fue su primera participación totalmente digital?

David Worley: Mi primer largometraje digital fue The Girl with the Dragon Tattoo, dirigida por David Fincher. Esto fue filmado con la cámara Epic. En eso tenía más sentido operar desde un monitor. Así que estaba operando con un pequeño monitor en la parte superior de la cámara en lugar del ocular.

David Ellis: ¿Cuál fue el mayor desafío al que te has enfrentado en una producción?

David Worley: Cliffhanger fue difícil debido a las ubicaciones. Teníamos que subir a los Dolomitas italianos todos los días y nunca sabías lo que ibas a conseguir. El tiempo sería bueno cuando llegaras allí y en media hora cambiaría y tendríamos que volver a bajar, lo que podría ser peligroso. 

Técnicamente, en Indiana Jones y la Última Cruzada teníamos un West Cam, que generalmente se monta en helicópteros. Spielberg quería que se montara en una grúa, para lo cual no estaba realmente diseñado. Se accionaba con un pequeño interruptor y yo debía seguir a Harrison Ford, que montaba a caballo. La toma fue exigente y fue la peor experiencia que he tenido, especialmente cuando Spielberg asomó la cabeza por la ventana de un taxi en el frente y dijo: «¿Es eso lo mejor que puedes hacer?».

David Ellis: ¿A veces miras una película que has hecho y piensas que podría haberla filmado mejor?

David Worley: No tanto porque suele ser la forma en que se corta algo. La mayoría de las veces, las tomas que haces son rematadas y terminadas. A veces, algo en lo que ha pasado mucho tiempo simplemente se corta. Algunas tomas se acortan mucho o se cortan por completo.

David Ellis: ¿Cuáles son sus películas favoritas en las que ha trabajado y por qué?

La momia

David Worley: Mis favoritos son The Mummy y The Mummy Returns porque fueron muy divertidos de hacer. Todos nos llevamos bien; el elenco y el equipo del director fueron geniales. Luego Aliens, al que entré un día y me quedé cuatro meses. Bridget Jones: The Edge of Reason fue muy agradable. Renee Zellweger fue una delicia. En eso fuimos a Tailandia y Austria. La siguiente es 1492: Conquest of Paradise, dirigida por Ridley Scott. Estuvimos en España en invierno y luego rodamos en Costa Rica, que era un lugar muy interesante para ir. Finalmente, Hellraiser. Fue mi segunda película con el DF Robin Vidgeon. Se rodó en una casa real, por lo que presentó un desafío.

David Ellis:  Finalmente, si solo pudieras enumerar cinco películas en tu CV, ¿cuáles serían y por qué?

Quién mató a Roger Rabbit

David Worley: Pondría Raiders of the Lost Ark porque esa fue la primera película en la que participé y estaba trabajando con Steven Spielberg, así que tiene que ser una ventaja. Luego, ¿Quién engañó a Roger Rabbit porque en su día fue muy innovador? Es un poco viejo ahora, pero mezclaba acción en vivo y dibujos animados. Lo siguiente es El mundo no es suficiente. Esa fue la única película de Bond que hice hasta el final como operador principal. Luego The Full Monty, que fue una de las películas británicas de mayor éxito. La última es La chica del tatuaje de dragón porque fue mi primera función digital.

                                                    

BRITISCH CINEMATOGRAPHER – CIERTO DESTINO / WALTER LASSALLY BSC

EL VENERADO DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA WALTER LASSALLY NACIÓ EL 18 DE DICIEMBRE DE 1926 EN BERLÍN, ALEMANIA. SU PADRE ERA UN CINEASTA INDUSTRIAL, QUE SE VIO OBLIGADO A DEJAR DE TRABAJAR CUANDO WALTER TENÍA SEIS AÑOS DEBIDO A LA LLEGADA DE LOS NAZIS. LASSALLY DIJO: “TENÍAMOS UN BANCO DE ANIMACIÓN EN NUESTRO PISO Y OCASIONALMENTE SE ME PERMITÍA GIRAR LA MANIJA O ALGO ASÍ. CREO QUE PUEDE HABER SIDO EL COMIENZO DE MI INTERÉS».

Dos meses antes del estallido de la Segunda Guerra Mundial se instaló en Richmond-upon-Thames. A los quince años decidió que quería ser camarógrafo. “Lo supe con una certeza que es notable, porque muchas personas no están seguras de lo que quieren hacer a esa edad.

“Tan pronto como dejé la escuela, que fue durante la guerra, comencé a acercarme lo más posible al negocio. Durante un corto período trabajé como clasificador de procesamiento, hice bloques para fotos de periódicos y pasé dos años en un laboratorio de películas.

“Tomé el trabajo que pude. Tenía el objetivo de convertirme en un asistente y finalmente puse el pie en la puerta con un poco de ayuda de mi padre, quien se encontró con el jefe de cámaras en Riverside Studios en Londres. Me tomó, después de mucho intentarlo, como asistente en 1946. El trabajo solo duró diez meses porque el estudio cerró. Fue una de las crisis perennes de la industria”, dijo.

La primera película en su nuevo papel fue Dancing With Crime (1947) dirigida por el difunto John Paddy Carstairs. Lassally cree que el estudio y sus estudios asociados Twickenham y Southall cerraron debido en parte a la ineficiencia de la operación. Dijo que las películas tardaron demasiado en hacerse.

Lassally consiguió su trabajo como DF del productor Leon Clore en un comercial de servicio público después de que Clore hubiera visto parte de una película inacabada llamada Saturday Night. Cuando se le preguntó por qué nunca se terminó, Lassally dijo: “Esa es una historia muy larga. Cuando pudimos, el trabajo fue dictado por la disponibilidad de personas y equipos. Fue filmado los fines de semana durante un período de cuatro años 1948-1952. 

Derek York, que dirigía, se sintió insatisfecho con el material que había filmado en 1948 y quería volver a filmar. Pude ver que comenzaba un proceso interminable. Entonces la estrella, Bryan Forbes, decidió casarse y se mudó a Estados Unidos. Hubo muchas dificultades y simplemente se detuvo. Hace un tiempo hubo un intento de resucitarlo porque el material todavía existe, pero nunca fue editado».

En 1954 tuvo la oportunidad de iluminar su primer largometraje titulado Another Sky, que se rodó en Marruecos. Lasally dijo: “Gavin Lambert, quien en ese momento era el editor de la revista Sight & Sound, tenía ambiciones cinematográficas. Inicialmente, quería filmar una obra de Pirandello, que resultó imposible debido a problemas de negociación, por lo que se le ocurrió Otro cielo que fue producido por Sir Aymer Maxwell. Tenía una propiedad en Marrakech, por lo que fue rodada en Marruecos”.

Cuando se le preguntó si tenía una cámara con la que prefería trabajar, respondió: “Siempre trabajé con Arriflex. La Mitchell tenía un grave inconveniente para mí, que era la paralaje. No se podía ver una imagen directa al filmar».

«TENÍA EL OBJETIVO DE CONVERTIRME EN UN CHICO ASSTENTE Y FINALMENTE PUSE EL PIE EN LA PUERTA CON UN POCO DE AYUDA DE MI PADRE, QUIEN SE ENCONTRÓ CON EL JEFE DE CÁMARAS EN RIVERSIDE STUDIOS EN LONDRES. ÉL ME TOMÓ, DESPUÉS DE MUCHO INTENTARLO, COMO UN CHICO ASSTENTE EN 1946». – WALTER LASALLY BSC

¿Tenía una película favorita en la que trabajó? “Realmente no puedo elegir uno, pero el breve período en que trabajé para Tony Richardson para Woodfall lo recuerdo con cariño. Fue muy productivo, pero solo duró dieciocho meses. Eso produjo tres películas, A Taste Of Honey (1961), Loneliness Of The Long Distance Runner (1962) y Tom Jones (1962). Hace un tiempo me invitaron a presentarlos en un festival en Francia».

Cuando se le preguntó si prefería el blanco y negro o el color, respondió: «Siempre he preferido el blanco y negro porque es mucho más sutil». El color está ahí porque está ahí. No está allí porque lo pones allí a menos que hables de una película totalmente hecha en estudio. En el momento en que sales, muchos de los colores están allí porque están ahí y eso es todo. Puedes modificarlo un poco con filtros y trucos, pero no se puede manipular, yo diría ‘estilizado’ de la misma forma que se puede en B&N”.

En 1964 Lassally ganó un Oscar por la película en blanco y negro Zorba The Greek. Dice que fue el DF y el operador de todas sus películas griegas. “Preferí mucho la iluminación al funcionamiento”, dijo Lassally. “En Inglaterra había que usar un camarógrafo. En el extranjero podía hacer mis propias cámaras, así que hice ambos trabajos. Hice cámara a partir de mi primera película griega en 1955. Poco a poco aprendí a mejorar en eso. Prefiero hacerlo si hay tiempo».

Cuando se le preguntó en qué películas disfrutaba más trabajando, dijo: «Disfruté trabajando en todas las películas de Woodfall y todas mis películas griegas, porque las películas griegas eran una experiencia completamente diferente en la que uno estaba rodeado de personas cuya experiencia era limitada pero el entusiasmo era ilimitado».

¿Mantuvo el mismo equipo? «Por un momento. Tuve el mismo equipo durante el período Woodfall. En Grecia era solo mi asistente. Tenía siete personas en los Estados Unidos con los que trabajaba. Algunas veces mi equipo de inglés viajaba conmigo y otras veces recogía a la gente local, así que había una mezcla”.

¿Hubo un director favorito? “Disfruté mucho trabajar con Tony Richardson, con quien hice seis trabajos. También disfruté trabajar con el director estadounidense George Shaifer”.

¿Cuánto tiempo llevó filmar Tom Jones y Zorba The Greek? “Tom Jones tardó unas quince semanas. La última semana se realizó bajo la supervisión de las personas que pusieron el dinero, para asegurarse de que no desperdiciamos nada. Luego resultó ser un gran éxito. Eso y Zorba tienen similitudes y grandes diferencias. Ambos tardaron quince semanas. Uno es B&N (Zorba) y el otro es color. En una hacia camara (Zorba) y la otra no, así que esas son películas claves en mi experiencia y se hicieron con dos años de diferencia”.

Cuando se le preguntó acerca de lo digital y si todavía tenía interés en el negocio, Lassally respondió: “Oh, sí, me interesa el negocio. No soy de los que dicen que la película es muy superior porque ya no es así. En los próximos años, lo digital se hará cargo del cine, especialmente en los cines. Creo que los cines se volverán completamente digitales en un futuro no muy lejano».

Cuando se le preguntó acerca de sus premios, dijo: «Gané el Oscar en 1965 por Zorba The Greek, una nominación al Premio BAFTA Film en 1984 por Heat And Dust, y una nominación al Premio BSC el mismo año por The Bostonians, más el Marbuger Kamerapreis en 2005 y el Premio Internacional ASC en 2008″.

Finalmente, se le preguntó si siempre usó un medidor de luz. “Utilicé un medidor de luz, pero solo para confirmar lo que ya sabía: tienes una especie de ojo para ello. Tiene un cierto estilo de iluminación y un cierto nivel de iluminación al que se acostumbra, y luego coloca el medidor y generalmente dice lo que cree que dirá. Es una copia de seguridad para darle confianza».

BRITISCH CINEMATOGRAPHER – Rendimiento otra vez – WALLY PFISTER ASC / INCEPTION

CHRISTOPHER NOLAN, WALLY PFISTER ASC Y LA PRODUCTORA EMMA THOMAS HAN COLABORADO EN LA CREACIÓN DE OTRA IMAGEN DE MOVIMIENTO IMPRESIONANTE. LA INCEPCIÓN SIGUE EN LA DESPERTAR DE MEMENTO, INSOMNIA, COMIENZA BATMAN, EL PRESTIGIO Y EL CABALLERO OSCURO. LA PELÍCULA GIRA ALREDEDOR DE DOM COBB, UN MAESTRO PENAL QUE HA INVENTADO UNA MANERA DE INVENTAR LOS SUEÑOS DE LAS PERSONAS Y ROBAR SUS SECRETOS MÁS PRECIOSOS, ESCRIBE BOB FISHER.

Nolan eligió a Leonardo DiCaprio como protagonista y mantuvo largas discusiones con el actor, a quien atribuye haber contribuido con ideas importantes para utilizar los sentimientos de su personaje como una forma de atraer al público más profundamente en la historia a un nivel emocional. El elenco repleto de estrellas incluye a Ken Watanabe, Marion Cotillard, Ellen Page, Joseph Gordon-Levitt, Cillian Murphy, Tom Berenger, Tom Hardy y Michael Caine. Describirlo como un esfuerzo ambicioso es una subestimación considerable.

Las escenas fueron filmadas en Japón, Marruecos, Francia, Canadá, Estados Unidos e Inglaterra. Van desde paseos por las calles de la ciudad hasta un impresionante paseo en esquís por una ladera cubierta de nieve y viajes surrealistas dentro de los sueños.

«Podemos hacer cosas increíbles en un set fingiendo estar en Marruecos», dice Emma Thomas, «pero la energía se siente diferente cuando estamos filmando en lugares reales». Hay algo casi indescriptible».

Las secuencias de sueños se filmaron en sets en Cardington Studio, incluido el antiguo hangar zeppelin donde se produjeron escenas para Batman Begins y The Dark Knight. El gaffer Cory Geryak y el primer asistente Bob Hall, que son colaboradores desde hace mucho tiempo, viajaron a todos los lugares con Pfister.

FORMATO Y KIT DE RODAJE

Nolan y Pfister discutieron la producción de Inception en el formato IMAX de 65 mm que usaron durante la filmación de The Dark Knight, sin embargo, acordaron que no habría sido práctico, debido a las muchas tomas de mano «runaround» previstas. La gramática visual que crearon se produjo con una combinación de tomas en formatos anamórficos de 65 mm y 35 mm aumentados con imágenes aéreas de VistaVision. También utilizaron una cámara Photosonics para grabar imágenes en cámara ultra lenta para escenas de sueños.

El paquete de cámara proporcionado por Panavision incluía cuerpos Panaflex MXL y ARRI 235 de 35 mm, con un conjunto completo de lentes anamórficas, cuerpos Panaflex 65 mm Studio y Spinning Mirror, y una gama completa de lentes. Pfister tenía Kodak Vision 3 500T 5219 negativo en su paleta para escenas nocturnas e interiores, y Vision 3 250D 5207 y Vision 2 50D 5201 para exteriores a la luz del día.

Él y Nolan generalmente cubrieron escenas con una sola cámara. La excepción a esa regla fueron las secuencias de acción en las que dos o más cámaras proporcionaron cobertura desde diferentes perspectivas. Pfister es un ex camarógrafo de noticias que generalmente hace sus propias tomas de mano. Se aseguró de que el elenco supiera que tenía en mente sus intereses.

«Wally y yo realmente empezamos a cantar bien cuando comenzamos a hablar de música», dice Gordon-Levitt. «Es un gran guitarrista. Me llevó a un bar de blues en Inglaterra donde tocaba la guitarra y lo apoyé en la batería. Puedes ver su maestría musical en su trabajo de cámara. Su uso de una cámara de mano era casi como tener otro personaje en escenas. … Puedes sentir el movimiento vinculado con su sincronización y ritmo».

«CHRIS DIJO QUE UN SUEÑO DE 10 MINTUTOS PUEDE SENTIR QUE ES UN DÍA MIENTRAS LO EXPERIMENTAS». – WALLY PFISTER

Otras escenas fueron filmadas con cámaras en Steadicam y Technocrane. Las tomas filmadas en formato de 65 mm iban desde escenas de multitudes en calles de la ciudad hasta una secuencia íntima donde un personaje visita a su padre moribundo. Las imágenes de mayor resolución son como un imán que atrae al público a las emociones de esa secuencia.

Las escenas aéreas se filmaron en formato VistaVision, que Paramount Pictures utilizó para producir The Rose Tattoo y otras películas durante la década de 1950. Las imágenes se graban en una película de 35 mm que tiene una longitud de ocho en lugar de cuatro perforaciones, y la película se extiende horizontalmente a través de la cámara. Pfister explica que las imágenes de mayor resolución «saltan de la pantalla y dan mayor claridad a las tomas con detalles intrincados».

Filmaron secuencias en cámara lenta con una cámara Photosonics, frecuentemente a 1.000 o más cuadros por segundo. La cámara se usó inicialmente durante las décadas de 1960 y 1970 como herramienta para aplicaciones de instrumentación fotográfica, desde estudiar la dinámica de cómo funcionan las máquinas hasta documentar los lanzamientos de vehículos espaciales de la NASA.

SUEÑOS INTERNOS

Nolan dice que la idea de una historia sobre lo que sucede dentro de los sueños se ha filtrado en su imaginación fértil desde que tenía 16 años.

«Leí un guión para Inception en algún momento después de que hicimos Insomnia (2002)», recuerda Thomas. “Chris solo había escrito 80 páginas. O el momento no era el correcto o Chris no sentía que había llevado la historia al lugar que quería. Pasamos a otros proyectos. Después de que terminamos The Dark Knight (2008), Chris y yo estábamos hablando sobre lo que vendría después. Sacó las 80 páginas del cajón y dijo: «Creo que funcionará».

Nolan le dio a Pfister el guión para que Inception lo leyera en febrero de 2009. «Me quedé impresionado», recuerda Pfister. “Tenía mucha emoción acumulada. En nuestra primera discusión, le pregunté a Chris cómo quería que el público viera los sueños en la pantalla. Dijo que quería que se sintieran reales con un sentido del tiempo mejorado. Chris dijo que un sueño de 10 minutos puede parecer que es un día largo mientras lo experimentas. Las imágenes en cámara lenta ayudan a crear un sentimiento existencial».

Pfister visitó lugares que los exploradores encontraron en varias ciudades. Se extendían desde un helipuerto en una azotea en Tokio hasta las calles de la ciudad en París y Marruecos y la pista de esquí en Canadá. Después de visitar el último lugar, Pfister reclutó al cinematógrafo Chris Patterson, que se ha especializado en filmar películas de esquí durante 18 años. «Chris ha dominado el arte de filmar tomas de mano mientras esquiaba», dice.

Las secuencias de sueños filmadas en Los Ángeles incluyen una en un puente de elevación vertical que une el puerto con una isla. Mientras el puente se eleva para permitir que un barco navegue debajo de él, una camioneta se estrella a través de una barrera y cae del borde del puente hacia el océano. La toma del auto cayendo del borde del puente hacia el océano fue filmada en cámara lenta.

El equipo de producción pasó cerca de dos meses filmando escenas en Londres, principalmente en sets en Cardington Studio y en un antiguo hangar zeppelin.

«TIRÓ LAS 80 PÁGINAS DEL CAJÓN Y DIJO: Creo que FUNCIONARÁ» – EMMA THOMAS

EFECTOS ESPECIALES

«El supervisor de efectos especiales: Chris Corbould jugó un papel crucial en el diseño de los sets utilizados para tomas de efectos físicos», dice Pfister. «Un conjunto era un pozo de ascensor donde una explosión es seguida por una bola de fuego que baja del fondo en cámara lenta».

Otro set es un club nocturno donde Cobb le dice a Fischer (interpretado por Murphy) que están dentro de un sueño donde él controla lo que sucede. Mientras Cobb se pone de pie, la luz que entra por una ventana cambia de una cálida puesta de sol a una mirada oscura y oscura, mientras que el club nocturno comienza a inclinarse en un ángulo de 30 grados. Pfister explica que es una forma no verbal de decirle a la audiencia que están presenciando un sueño.

«Utilizamos un 20K con filtros dobles CTS fuera de una ventana en el set para crear una apariencia naranja puesta de sol», dice Pfister. «Utilizamos la difusión para oscurecer la luz cuando el conjunto se inclinó y los vasos y platos comenzaron a deslizarse fuera de la barra y las mesas».

Lo hace parecer simple, pero su colaboración con el equipo de efectos y gaffer, es una forma sutil de decirle a la audiencia que están presenciando a Cobb espiando un sueño.

Se organizó una escena de pelea en un pasillo de 160 pies de largo que giraba 360 grados, mientras que Arthur, interpretado por Gordon-Levitt, es atacado por varias personas. «Una toma clásica en 2001 inspiró esta escena», dice Pfister.

Arthur y sus atacantes parecen estar caminando por las paredes y el techo. Fue un disparo de efecto físico. Gordon-Levitt y los especialistas que jugaban con sus atacantes fueron suspendidos por cables y la cámara estaba en un Technocrane que giraba con el set.

«Teníamos algunas pequeñas luces LED integradas en el piso y el techo», dice Pfister. «Teníamos que mantenerlos frescos, para que el actor o los especialistas no se quemarían si accidentalmente pisaran o tocaran uno».

Otra toma se realizó en un segundo conjunto de pasillo giratorio donde la cámara estaba en una pista que estaba oculta por la alfombra en el piso. La cámara estaba en sintonía con la acción mientras el set giraba. Pfister elogia al coordinador de especialistas Tom Struthers, Corbould y al equipo de efectos visuales dirigido por Paul Franklin en Double Negative en Londres por ayudar a hacer transparentes las tomas de efectos físicos.

Fue un esfuerzo global en todos los sentidos. Imagica en Tokio, LPC en París y Technicolor en Londres y Los Ángeles se encargaron del trabajo de laboratorio de front-end, incluidos los diarios de cine. Nolan y Pfister comparten la creencia de que mirar rodajes diarios proyectados en película con el elenco y el equipo es una parte importante del proceso creativo. Pfister sincronizó Inception con David Orr, un colaborador de toda la vida en Technicolor. La película se lanzará en formatos tradicionales de película de 35 mm e IMAX. La conversión a IMAX se realizó en DKP 70MM Inc., una instalación de IMAX en Santa Mónica, California.

CÓMO COMENZÓ EL LEGADO …

Christopher Nolan fue un aficionado al cine Super 8mm y un entusiasta fanático del cine durante su juventud. Estudió literatura inglesa durante sus años de estudiante en el University College de Londres. Ahí fue donde conoció a Emma Thomas, su futura esposa y compañera de cine.

«Estudiar literatura inglesa me hizo pensar en la libertad narrativa que los autores han disfrutado durante siglos», dice Nolan. “Me pareció que los cineastas deberían disfrutar de esas libertades también. Emma y yo éramos miembros de la sociedad cinematográfica de la universidad. Mostramos largometrajes de 35 mm durante el año escolar y utilizamos el dinero obtenido de la venta de entradas para producir películas de 16 mm durante los veranos».

A continuación, fue su primer largometraje. Nolan escribió el guión, dirigió y filmó el drama en blanco y negro. Thomas fue uno de los productores. Su película se exhibió en festivales, incluido Slamdance en Utah. Tal vez fue el destino llamando. Nolan vio The Hi-Line en el cercano Festival de Sundance.

«Era una película bellamente ejecutada que claramente tenía un presupuesto limitado», dice Nolan. «Tenía que conocer al tipo que la filmo». El tipo era Wally Pfister, ASC que también estaba en los albores de su carrera. El resto de esta historia es historia que todavía está en proceso.

«Es una relación increíble que ha evolucionado a lo largo de los años», dice Thomas. “Me encanta verlos trabajar juntos. Hay una especie de magia en el set. No hay dudas ni malas comunicaciones. No digo que no discutan las opciones. Pasan mucho tiempo discutiendo el guión y lo que es correcto para la película. Wally tiene un gran sentido de la historia. Trabajar en películas con los dos es un sueño para mí, porque aparte del hecho de que crean magia juntos, son súper rápidos y no hay drama entre ellos, debido al respeto mutuo que tienen el uno por el otro».