«CON DIGITAL TIENES QUE GASTAR MUCHO DINERO ANTES DE QUE SEA GRATIS»: MARK JENKIN EN SU “BAIT” EN 16 MM, REVELADO A MANO”
Si ha escuchado mucho sobre Bait, la característica innovadora del cineasta británico Mark Jenkin, probablemente le preocupan los medios anacrónicos con los que ha construido el drama experimental. Filmada en una cámara Bolex de manivela en blanco y negro de 16 mm, luego procesada a mano por el propio Jenkin con una variedad de materiales inusuales que prestan su vida a las imágenes, la película compensa las posibles acusaciones de artimañas al tomar estas decisiones estéticas. evocando algo específico sobre dónde está ubicado, un pueblo de pescadores sin nombre en el condado de Cornwall en el suroeste de Inglaterra. Como el escritor Ian Mantgani describe en su crítica para Sight & Sound, la película «se siente perdida de la existencia a mano, o posiblemente eructó en el mar enojado».
Bait se ve y juega como algo desenterrado de las profundidades de los archivos del British Film Institute que presenta moda y vehículos contemporáneos, con la extraña referencia a las noticias del Reino Unido: un breve extracto de radio en una escena, que un lector de noticias discute el intento de salida de Gran Bretaña de la Unión Europea, inevitablemente ha visto la película discutida bajo una amplia pancarta del llamado «cine Brexit».
La historia actual se refiere a un pescador brusco y resentido, Martin (Edward Rowe), Steven (Giles King) y los londinenses a quienes se han visto obligados a abandonar el hogar de su difunto padre frente al puerto. Los nuevos propietarios están en la mitad del mundo, tienen un fuerte sentido de pertenencia a la comunidad turística y tienen una fuerte presencia en el país. a la región costera durante los meses soleados del año.
La película se estrenó en el Berlinale Forum y se estrena en el Reino Unido el 30 de agosto del 2019, distribuida por el BFI y proyectada desde 35 mm en lugares selectos. Antes de ese lanzamiento, Jenkin habló en profundidad con Filmmaker sobre las estrictas limitaciones de filmar, hacer una película y hacer que funcione. responsabilidad de experimentar con la forma de arte.
Cineasta: ¿Cómo encuentra las audiencias de la película que no tienen ninguna conexión con Cornwall, o ninguna conciencia del suroeste de Inglaterra?
Jenkin: Cuando comencé esta idea para la película hace 20 años, pensé que estaba haciendo una película sobre una parte muy específica del mundo. La respuesta ha sido increíble. Una mujer vino a mí después del estreno en el Lincoln Center, en Nueva York, y ella dijo: «Hiciste una película sobre mi padre. Fue pescador en Barbados toda su vida. «Entonces, creo que es el viejo cliché que cuanto más específico se hace en algo, más universal se vuelve. Aparte de los gestos superficiales, somos más o menos lo mismo debajo.
Cineasta: ¿Cómo hiciste para visualizar las ubicaciones que usaste?
Jenkin: Hay dos cosas. Una es la logística de crear una ciudad y un lugar de elección. Cornwall no se nombra en la película. Lo había hecho antes cuando hice una película, y no solo molestaba a la gente cuando la estaba filmando, sino cuando pensaba en ello. Sabía que no quería volver a hacer eso. Entonces, en Bait, la ciudad está compuesta de seis lugares diferentes que crean un compuesto. Eso está bien. No siento ninguna responsabilidad de representar un lugar específico.
Trabajé con enormes limitaciones que se imponen técnicamente, pero eso viene como resultado de esas limitaciones, no es por diseño. Hay una gran cantidad de tomas en la película. Es bastante claustrofóbico. Hay un gran sentido de geografía en el lugar, ¿dónde está la relación y dónde está esa relación? Me gusta la idea de construir una imagen grande a partir de fragmentos. Eso abarca todo el trabajo, desde la forma en que filmo y edito juntos.
Cineasta: En términos de imponerle limitaciones, ¿cómo se toma su decisión? ¿Fue influenciado por algo en términos de películas que has hecho antes?
Jenkin: Hice una película en 2007 llamada The Midnight Drives, que tenía un presupuesto realmente bajo. Fue, creativamente, realmente exitoso, estoy muy orgulloso de ello, y participo en muchos festivales. Lo que hizo fue conseguirme un agente, conseguir enlaces con ciertos productores y permitirme ascender un poco, por falta de una mejor expresión. Entré en desarrollo con varios proyectos, que todavía están en desarrollo, uno de los cuales era un objetivo en una encarnación diferente. Lo que sucedió fue que comencé a no hacer películas hipotéticas y presupuestos hipotéticos presupuestos hipotéticos y audiencias hipotéticas y éxitos hipotéticos, y en realidad no hice nada, porque cuando todo es hipotético, todo es posible. Creo que he aprendido que necesito trabajar dentro de las restricciones.
En Bait, por ejemplo, perdimos mucho dinero. Cortamos uno de los barcos, porque la idea original de la película era que había dos barcos. Echando un vistazo más de cerca a estos dos hermanos en desacuerdo. No solo estaban discutiendo, sino que uno de ellos no tenía un bote en absoluto mientras que el otro sí. Se hizo muy claro que estas líneas fueron dibujadas. No me habría obligado a eso si no hubiéramos perdido ese dinero. Entonces, perversamente, me gusta cuando dices «no puedes hacer eso», porque estás trabajando en algo presupuestado, no tendrás ese comentario. Al trabajar con películas de bajo presupuesto, estoy constantemente en esa situación en la que solo puedo filmar una toma y una de seguridad. Trabajo con una cámara que no graba sonido, por lo que hacemos ADR, lo que crea muchas posibilidades en el diseño de sonido que no existen cuando se trabaja con sonido de alquiler de bajo presupuesto. Nunca tengo el metraje que necesito para hacer la película que escribí cuando llego a la edición, así que tengo que crear algo más. Debido a que estoy filmando el comienzo y el final de los rollos de película que no se pueden empañar, tomo cortes aleatorios que me ayudan en la edición y crean escenas y yuxtaposiciones que nunca se escribieron y que nunca podría imaginar desde un comienzo. Solo puedo verlos cuando lo necesito, al final del proceso. La libertad total para hacer una película sería una pesadilla.
Cineasta: ¿Su proceso general difiere de sus documentales y su trabajo está más basado en la ficción?
Jenkin: Muchas de mis cosas se etiquetan como experimentales, algunas se etiquetan como documentales, pero todo lo veo igual. Hay una gran cita en la que Derek Jarman dijo: «No soy un cineasta experimental, solo hago documentales». También hizo ficción, pero sabía lo que dijo cuando dijo que hacía documentales. En las cosas más documentales a veces no sé a dónde ir. Si estoy trabajando con personas, veré una acción que alguien está haciendo y luego haré que la recreen para la cámara. Es totalmente artificial y artificial, pero me encanta el artificio de la película.
Cuando se trata de drama, sobre a donde voy a ir naturalmente. En Bait, un ejemplo sería gran parte del proceso de pesca. Martin Ellis es actor en la película, pero también fue el consultor de pesca no oficial. Podría Ver ese proceso y luego lo filmaría en la menor cantidad de tomas, lo cual es bastante documental.
Cineasta: Dado que la idea inicial aparentemente surgió hace 20 años, ¿se basa en la experiencia personal? ¿De dónde vino la historia?
Jenkin: Siempre pienso que todo se basa en algún tipo de experiencia, incluso si es del subconsciente. Acabo de terminar de escribir una película de terror que filmaremos el próximo año, que es una especie de cosa sobrenatural, que obviamente se basa en mi experiencia y mi experiencia del mundo.
Con Bait, fue hace unos 20 años. Me acababa de mudar a Cornwall. La costa norte de Cornwall solía estar en los periódicos de gran tamaño en las tensiones de verano entre los turistas ricos, o los turistas, y los lugareños en las comunidades, que es algo con lo que siempre he crecido. Al leerlo desde la perspectiva de otra persona, comencé a pensar que este periodismo es bastante irresponsable porque en realidad aviva más problemas. Y luego, tan pronto como vas a la escuela, todo el mundo vuelve a sus vidas, se olvida. Entonces, pensé que sería genial hacer una película que fuera permanente.
Cineasta: ¿Imaginó un enfoque específico para el encuadre de caras?
Jenkin: Mientras opero la cámara, quiero estar cerca de los actores, y eso significa primeros planos. Disparo todo con una lente de 26 mm, que es una buena lente para retratos en una cámara de cine. No quiero tener otros miembros del equipo entre los actores y yo. Quiero ser el que está cerca y charlando con ellos. Además, filmo en el cuadro académico, que es perfecto para cuando trabajas sin presupuesto. Las cosas que obtienes gratis, realmente tienes que explotarlas. Siempre tengo muchas cosas en mi vida y miro lo que me gusta mostrar en la pantalla.
Creo que el lenguaje cinematográfico es bastante limitado. Nos hemos establecido un lenguaje sin realmente explorar cómo se puede empujar el formulario. Obviamente, hay una película experimental, pero dentro del cine narrativo nos hemos asentado en este estilo de narración muy vainilla, a menudo basado en la fotografía o el teatro. La fotografía no puede hacer una edición basada en el tiempo y el teatro no puede hacer el primer plano. Entonces, combinar el primer plano con la edición basada en el tiempo es algo que notarás que está presente en muchos Bait. Existe una cosa llamada película experimental, pero todavía creo que estamos en la etapa en que cada película debería ser experimental. Si no estamos experimentando de una forma u otra, entonces todo ha terminado.
Cineasta: ¿Podría hablar sobre el enfoque del sonido y el diálogo en la película? Es bastante pesado.
Jenkin: Me encanta entrar en la edición con solo imágenes y crear sonido desde cero, porque no hay nada que arreglar. Cuando haces un corte de imagen, aún con frecuencia estás solucionando problemas de edición o de rendimiento con el foco. Con el sonido, siempre parece haber problemas, así que para comenzar con una pizarra en blanco me parece realmente emocionante. Para tener una foto del puerto, mírelo en silencio, luego agregue un sonido de agua que se lava contra una pared; de repente, esto se levanta, pero luego lo abstrae un poco. En la etapa de diálogo, estarás en el fondo del diálogo que existe en silencio.
Si hay una escena en la que hay dos personajes caminando sobre una teja o algo así, creo que no puedo molestarme en seguir cada paso. ¿Qué puedo hacer para alejarme de eso? Sabes que están en la playa, así que no sabes qué tan agitado está el mar, ¿qué pasa si solo escucho el sonido de un mar realmente agitado? Dele una palmada, entonces no hay necesidad de pasos. De repente, la escena es mucho más tensa. Entro a los actores y digo: «Lo hiciste cuando el mar estaba en calma. Ahora, en la película, el mar está agitado, así que vas a hablar «. De repente, sale la energía de la escena.
Cineasta: ¿Cómo afecta eso a los actores?
Jenkin: Creo que les afecta en la realidad. La cuestión es que, cuando están actuando, siguen diciendo las líneas. No hay nadie allí grabándolo, pero no creo que sean conscientes de eso. Hubo preocupación de que no pudieran replicarlo en el estudio más tarde. Me voy, proceso a mano toda la película, la escaneo, hago el corte y luego vuelvo a meterla. Pero no hay problema, porque están expresando sus propias caras, por lo que dicen las cosas de la misma manera. Es muy difícil decir algo, porque tiene que ver con la forma, el interior de la boca y los labios.
Es fácil para mí porque no lo estoy haciendo, pero creo que es bastante fácil para mí replicar eso. Aprendí que puedes modificar el rendimiento, pero no mucho. Al principio pensé que podía cambiar de opinión, pero estábamos en el estudio haciendo ADR, pero no puedes hacerlo, porque el rendimiento real está determinado por la actitud fisca establecida por los ojos. Los ojos nunca mienten. Algunas líneas no puedo encontrar trabajo aquí. Si yo fuera actor, creo que la oportunidad de entrar y hacer que mi diálogo esté bien hecho. el matiz ha desaparecido: para tener la oportunidad de ir y estar absolutamente limpio, creo que es una buena posición para ellos.
Cineasta: Hablando de recursos anacrónicos, ¿por qué la cámara Bolex H16 y la manivela giran?
Jenkin: Me encanta la fiabilidad, la historia y el legado. Entiendo todo lo que hace. Muchas personas que no han filmado películas tienen miedo de la película, pero sé exactamente lo que hace. Sé que es poco débil, sus pequeñas idiosincrasias y cómo trabajar con ellas, o cómo abrazarlas por completo. La cámara que estaba usando tiene exactamente la misma edad que yo. Nuestra segunda cámara, la que estaba sobrecargada para la cámara lenta, es de los años 60. La serie de David Attenborough ‘en los años 80 y 90.
Con la manivela puesta, me encanta el hecho de que no hay carga de batería. No tienes que preocuparte por eso. Solo tienes primavera ventosa, obtienes 27 segundos, otro gran momento, lo sabes, lo estás buscando. Me encanta lo pequeño que es el kit de cámara. Además, es uno de los mejores Bolex H16 que puede obtener, con una lente, me cuesta menos de 400 libras. Entonces, cuando hablamos de que la película es cara en comparación con la digital, cuando se trata del equipo, el equipo es muy barato. Tengo tres de esas cámaras Bolex. Una de ellas no funciona y es solo un estante en mi estudio porque es como una obra de arte.
Cineasta: La democratización del cine es genial y bienvenida, pero no importa de qué forma de vida se trate.
Jenkin: Muy a menudo tengo personas que son héroes míos, o personas que respeto en la industria cinematográfica, y pienso: «Oh, les va a interesar el hecho de que estoy filmando películas». generalmente son los que dicen: «Oh, Dios, ¿todavía filmas con esas cosas? ¿Por qué no filmas digitalmente? Es mucho más interesante, mucho más fácil y barato.
Soy dueño de los medios para la producción y estoy en deuda al comprar este kit. Obtuve una cámara que se fabricó en 1976. No estaba desactualizada, porque estaba desactualizada hace mucho tiempo, y no iba a ser reemplazada por una nueva Bolex, bueno, lo hicieron, en realidad. Construyeron la Bolex digital, pero todo eso desapareció ahora. Puedo reparar y mantener esa cámara. Espero que este ben. toco madera. Si filmas de manera adecuada, no es más caro. No tengo ninguna tarifa de laboratorio porque me enseñé a mí mismo cómo procesar una película, lo que lleva muchas horas, pero es un gran contrapunto a lo cotidiano, una experiencia agitada de filmar, estar en un estudio durante unas semanas. por mi cuenta, editando todo. Para una película de casi 90 minutos, tuvimos cuatro horas y media de metraje. El día que el metraje volvió del escaneo digital, vi todo junto el material, en un día. He filmado todo en una amplia gama, luego he tomado medios, primeros planos, primeros planos extremos, cortes. Nuestra postproducción es realmente rápida. Eso suena loco, porque son casi tres meses de procesamiento manual, pero es una postproducción increíblemente rápida. No tengo opciones, así que, en el tiempo, es muy rápido y el tiempo es dinero. Estoy trabajando con material Kodak. No disparo mucho: 130 rollos, por lo que 13,000 pies es muy poco. Vi las estadísticas de Chris Nolan disparando a Dunkerque y eso es lo que filmo en las primeras dos horas de esa toma.
Hay dos mundos en los que se filma la película. Uno es Tarantino, Chris Nolan y Spielberg, y estoy particularmente interesado en ese tipo de películas. Me encanta el hecho de que están filmando con película y son puristas de esa manera, pero existe el peligro de que se piense que la película es elitista. Lo que me gustaría pensar es que no lo es. Desde que volví a rodar en el cine, hice muchas más películas porque voy a rodar Super 8, un rollo, dos minutos y 45 segundos de metraje, y hacer una película de dos minutos y 45 segundos. totalmente editado en cámara. Esa es mi limitación. Entonces, no hay postproducción, toda la edición se realiza antes de comenzar. Hago mi lista de tomas, voy al lugar y filmo dentro de estas limitaciones establecidas. Comprar ese rollo de película es quizás 30 libras. Lo proceso yo mismo, que es casi nada, luego lo escaneo. Eso es 25 libras. Entonces, son 55 libras por una película. Ese es un gran presupuesto, de verdad.
Cineasta: En términos de aprovechar al máximo lo que tienes, ¿qué estabas usando para la película?
Jenkin: Hace unos años hice una película de 45 minutos llamada Bronco’s House, que fue procesada en una cafetera, polvo de vitamina C, cristales de sosa y una pizca de bromuro de potasio para mantener el grano bajo. Puede hacer que los desarrolladores desarrollen cualquier cosa, siempre que tenga una base alcalina y un ingrediente ácido activo. Me gusta bastante ese lado de las cosas. Me gusta experimentar cómo puedes crear imágenes.
Con Bait, trabajé con Ilford ID-11, que es un revelador fotográfico estándar en blanco y negro, que mezclé con polvos y es un poco más rápido y fácil de usar. Está todo loco. Como revelador de fotografías fijas, utilizo un tanque de rebobinado de baquelita de la década de 1950, que fue desarrollado por el ejército de los EE. UU. para procesar películas en el campo.
Mucha gente me dice: «¿Por qué procesas tus propias cosas?», Pero yo solo pienso: «¿Por qué querría dejar que alguien más tenga todo eso? divertido? «Todavía estoy teniendo un niño interior con un set de química. Y siempre fui una basura en la química.
Filmaker
por Josh Slater-Williams
en Directores, Entrevistas
el 30 de agosto de 2019
