Directores de Fotografía en el Cine: “Sergei Urusevsky”

IEC – GRANDES CINEMATOGRAFOS

Sergei Urusevsky, director de fotografía ruso (1908/1974). será recordado como una de las figuras más innovadoras e ingeniosas en la historia de la cinematografía, un defensor de un cine en el que una cámara subjetiva narra la película.

Su objetivo siempre ha sido «hacer que la imagen sea muy activa». Su interés en la forma cinematográfica encontró su expresión adecuada solo después de que comenzó a trabajar con el director Mikhail Kalatozov.

Fue camarógrafo de primera línea, en la Segunda Guerra Mundial. Trabajó como diseñador gráfico y fotógrafo en la década de 1930; director de fotografía en Mosfilm Studios, después de la Segunda Guerra Mundial.

Sergei Urusevsky será recordado como una de las figuras más innovadoras e ingeniosas de la historia de la cinematografía, un defensor de un cine en el que una cámara subjetiva narra la película. Abogó por una técnica de cámara que editaría la película con su propio movimiento y dejaría obsoleto el montaje. Urusevsky fue influenciado por la otra figura principal de la cinematografía soviética, el camarógrafo de Eisenstein, Eduard Tisse. Si bien fue celebrado internacionalmente, en casa a menudo se le culpaba por su obsesión por la forma.

Urusevsky estudió con el artista gráfico Vladimir Favorsky y otros constructivistas rusos en Moscú. En la década de 1930 trabajó como diseñador gráfico y fotógrafo. Era un admirador de Picasso y estaba particularmente orgulloso de haber visitado a Picasso una vez y haber recibido algunas piezas de cerámica del pintor. Durante la guerra se movilizó y trabajó como camarógrafo de combate. Se convirtió en director de fotografía solo más tarde y trabajó con los directores Mark Donskoy y Yuli Raizman, así como en la última película del veterano Vsevolod Pudovkin. Poco de la filosofía formalista de Urusevsky se ve en su obra anterior. Su película más conocida de ese período es Sorok pervyi de Grigoriy Chukhrai (1956), una adaptación filmada convencionalmente en un estudio de un cuento popular de Boris Lavrenyev, que relata una historia de amor condenada al fracaso que se desarrolla en el contexto de la guerra civil de Rusia.

El interés de Urusevsky por la forma cinematográfica encontró su expresión adecuada solo después de que comenzó a trabajar con el director Mikhail Kalatozov. Su primera colaboración fue el drama romántico en tiempos de guerra Pervyi eshelon (1955), pero no fue hasta el triunfo de Letyat zhuravli (1957) que se reconoció el enfoque innovador de Urusevsky para la narración cinematográfica. Además de recibir el máximo galardón en Cannes, la película marcó un giro decisivo en el cine de guerra soviético: por primera vez se discutía la experiencia de la guerra a través de las angustias absolutamente personales de los protagonistas.

Las tomas de cámara de mano se utilizaron con la frecuencia que permitía la tecnología. Incluso hubo una escena en la que la protagonista, Verónica, huye en un momento traumático, rodeada de un fondo inestable de árboles y edificios, que refleja su estado de ánimo. Para esta toma subjetiva, se dice que Urusevsky le pidió a la actriz Tatiana Samoilova que sostuviera la cámara mientras corría. Kalatozov y Urusevsky luego colaboraron en Neotpravlennoye pismo (La carta nunca enviada, 1959), una historia romántica de geólogos que se enfrentan a una naturaleza hostil. Se cree que los elementos de la cinematografía de esta película influyeron en algunas escenas de Apocalypse Now de Francis Ford Coppola.

La obra maestra de Urusevsky sigue siendo su última película como director de fotografía, Ya Kuba (Soy Cuba , 1965). Fue un proyecto conjunto importante y generosamente financiado de la Unión Soviética y la Cuba recién socialista, destinado a promover la iconografía y la mitología de la estética revolucionaria, y convertirse en la piedra angular cinematográfica de la «locura cubana» que caracterizó a la Unión Soviética a mediados. -1960.

La película tiene una duración cercana a las tres horas y consta de cuatro historias no relacionadas entre sí, que relatan el destino de cubanos comunes involucrados en situaciones de confrontación de clases que al final los llevan a todos a la revolución. De lo contrario, una característica de propaganda ordinaria, Soy Cuba se destaca por su extraordinaria cinematografía y diseño influenciado por la obra del pintor cubano José Portocarrero. Urusevsky eligió hacer la película en un exuberante blanco y negro, ya que creía que el poderoso impacto emocional de las sombras contrastantes era crucial en el cine. Porque Yo Soy Cuba, usó material infrarrojo especial para lograr un efecto de hada de la isla blanca y las palmeras sobre el fondo oscuro del mar y el cielo. La mayor parte de la película se rodó con un objetivo de 9,8 que distorsiona ligeramente las proporciones y da a las imágenes una sensación envolvente y vertiginosa.

Los planos de I Am Cuba son largos y elaborados; muchos consisten en una sola toma que dura más de dos minutos. Para asegurar los cambios en los ángulos y los giros en el punto de vista, la cámara no solo había sido sostenida en la mano la mayor parte del tiempo, sino que a veces tenía que ser manejada por dos operadores. La compleja escena de apertura de una sola toma de casi tres minutos de duración en el techo del hotel tuvo que filmarse 17 veces; implica el movimiento vertical y horizontal del operador de cámara, una combinación de tomas panorámicas y primeros planos extremos, así como la coordinación de más de 100 extras.

La cinematografía innovadora de I Am Cuba también estuvo influenciada por la presencia del joven e ingenioso operador de cámara Aleksander Calzatti en el set. Calzatti, quien eventualmente emigró a Israel y Estados Unidos, pasó largas horas discutiendo la película con Urusevsky y Kalatozov. Había visto Psicosis de Hitchcock y les describió su primer plano, donde la cámara se mueve de una vista panorámica de la ciudad a un primer plano de la ventana detrás de la cual comienza a desarrollarse la acción de la película. Urusevsky quedó impresionado con esta descripción y planeó algunas de las tomas largas de I Am Cubae n torno al concepto de combinación de lejos y cerca. En la famosa escena del funeral, en una toma ininterrumpida, la cámara se mueve sobre una calle desde la que se ve un cortejo fúnebre, luego ingresa a una habitación a través de una ventana, viaja sobre las cabezas de los trabajadores en una fábrica de cigarros del tercer piso y luego sale por la ventana nuevamente. y continúa deambulando por encima de la procesión. La toma fue posible gracias a un sistema de grúas y un elaborado sistema de cables.

Tras su lanzamiento, Soy Cuba fue acusado de formalismo. En un extenso debate organizado por Iskusstvo Kinoen 1965, varios cineastas y críticos compartieron su admiración por su experimentación con la forma cinematográfica, pero notaron que la atención excesiva a la forma había llevado a descuidar el desarrollo del carácter y la complejidad psicológica de los protagonistas. El enfoque abiertamente estético se consideró inapropiado ya que había sometido el contenido a la forma. Los cineastas fueron acusados de engañar a los espectadores para que disfrutaran de la belleza de las imágenes en lugar de simpatizar con las penas de los protagonistas desheredados. Parecía que el camarógrafo se había hecho cargo de la dirección, y estaba más bien preocupado por demostrar los medios de expresión que tenía a su disposición, olvidando el objetivo que se suponía que estos medios debían servir. Urusevsky se defendió: “No puede haber arte más allá de la forma”, insistió, en alusión a Eisenstein. «Nunca me ha interesado, como camarógrafo, simplemente registrar lo que sucede frente a la cámara». Por el contrario, Urusevsky afirmó que su objetivo siempre había sido «hacer que la imagen fuera muy activa».

I Am Cuba fue redescubierta en el Festival de Cine de Telluride, en 1992 y se proyectó con una gran ovación en el Festival Internacional de Cine de San Francisco de 1993. Luego fue restaurado, lanzado en los Estados Unidos como una presentación de Martin Scorsese y Francis Coppola, y disfrutó de críticas entusiastas y elogios en el circuito de arte y ensayo. También se mostró en el Festival de Cine de Cannes de 2003.

Hacia el final de su vida, Urusevsky se dedicó a la dirección. En 1969 adaptó para la pantalla la popular novela corta del escritor kirguís Chingiz Aitmatov ¡Adiós, Gulsary!, y en 1971 trabajó en una película basada en las obras del poeta ruso Sergei Yesenin, quien se suicidó en 1925.