Fotograma de un comercial filmado por Zoë White, ACS.
AMERICAN CINEMATOGRAPHER
28 de abrl de 2021 – Jay Holben
«En los comerciales, tengo la oportunidad de cortarme conocer diferentes herramientas y técnicas en un corto período de tiempo».
La cinematografía para largometrajes/televisión y la cinematografía para publicidad comercial ocupan mundos diferentes. Hay especialistas en ambos campos, pero muchos cineastas de cine y televisión también filman comerciales cuando están entre proyectos. «Los comerciales me brindan la oportunidad de trabajar con una gran cantidad de hardware que normalmente no encontraría en el trabajo narrativo: drones, cardanes, equipos de control de movimiento, lo que sea», dice Christopher Probst ASC.
“En trabajos recientes, realizó muchos efectos visuales en la cámara en volúmenes LED, habilidades que llevo al mundo narrativo. Beyond Skyline, cuyos clientes comerciales incluyen Apple, Fox Sports, Adidas, Lexus y Ford. En los comerciales, tengo la oportunidad de cortarme con diferentes herramientas y técnicas en un corto período de tiempo».
Ejemplos de fotografía de automóviles de Christopher Probst, ASC.
La directora de fotografía Zoe White, ACS (The Handmaid’s Tale), que ha fotografiado comerciales para McDonald’s, Nintendo y Pepsi, y fue nombrada una de las AC de 2019 Rising Stars de Cinematografia (AC febrero ’19) – comenta: “En un lugar reciente, trabajé con un pequeño dron FPV [vista en primera persona]”, dice ella. “Son súper rápidos y súper pequeños, no más grandes que un pájaro diminuto. El piloto, un niño australiano de unos 16 años, llevaba gafas y operaba esta cosa a velocidades extremadamente altas. Puede obtener tomas POV increíblemente rápido, como algo que cae del cielo. Todas las nuevas herramientas con las que trabajo en los comerciales se utilizan en parte de mi arsenal para utilizarlas cuando surja la necesidad en el trabajo narrativo».
El director de fotografía Paul Cameron, dos veces nominado al premio Emmy y ASC , ASC (Pirates of the Caribbean: Dead Men Tell No Tales, Westworld), señala: “Los comerciales permiten momentos en los que puedes subir de nivel tu oficio, y luego puedes llevarlos a cabo habilidades para el próximo trabajo. Puede seguir grabando entre trabajos más grandes para mantener el flujo de sangre y ejercitar los músculos creativos. Son oportunidades fantásticas.
Fotograma de Beat the Devil, un corto promocional de BMW de 2002, fotografiado por Paul Cameron, ASC y dirigido por Tony Scott.
«He estado filmando comercial durante bastante tiempo y me ha dado la oportunidad de trabajar con directores increíbles», agrega. «Antes de que Tony Scott y yo hiciéramos Man on Fire, hicimos un anuncio de BMW en el que básicamente probamos conceptos para esa película, como usar cámaras con manivela y abrir los obturadores de las cámaras para rayar las luces en Las Vegas a medida que avanzábamos el coche por la calle.
Al hacer comerciales, tienes la oportunidad de explorar ideas artísticas y técnicas que normalmente no puedes probar en otro trabajo, y luego puedes incorporarlas en una película u otro proyecto. También te mantienes al día y trabajas con directores fabulosos de todo el mundo. ¡La experiencia de viaje es extraordinaria! Tener la oportunidad de grabar con la mejor luz en las mejores ubicaciones del mundo, es bastante enriquecedor».
Con respecto a los viajes, Probst agrega: “En una etapa de mi carrera, estuve en tres continentes diferentes y en cinco ciudades en una semana y media. En solo 24 horas, estaba en Alemania, Los Ángeles y en un glaciar en la Isla Sur de Nueva Zelanda. Estaba parado en esta llanura nevada, pensando, ‘¿Qué me acaba de pasar?’ Fue una locura, pero los comerciales te brindan esa oportunidad extraordinaria».
Sin duda, uno de los beneficios de filmar comerciales es que a menudo son pura narración visual: la imagen es la historia. El cliente tiene solo unos segundos para captar la atención de los espectadores e implantar imágenes positivas de un producto en sus corazones y mentes, y las contribuciones del director de fotografía son clave para establecer esa conexión emocional y visceral. Los rodajes comerciales dan a los directores de fotografía la libertad de estirar realmente sus alas creativas y asegurar de que cada fotograma esté impregnado de cierto estilo y belleza.
Probst: utilizaron técnicas de sobremesa en esta foto de producto.
TENDENCIAS ACTUALES
Los trabajos comerciales a menudo son campos de prueba para nuevos enfoques creativos, lo que permite a los directores de fotografía familiarizarse con las últimas herramientas y técnicas.
Zoë White, ACS: Cada comercial es diferente. A veces vienen con mucho guión gráfico y solo estás filmando los tableros porque el cliente quiere lo que planeó fotograma a fotograma, y a veces un director tiene más libertad para hacer estilo libre en el conjunto y encontrar tomas que son accidentes felices. En términos de tendencias, he visto muchos giros de la cámara, girando sobre el eje central de la lente. Ahora hay herramientas como un Arri Trinity con un equipo de 360 grados. Lo usé para un anuncio, y los directores se me acercaron diciendo: ‘¿Cómo hiciste eso? ¿Podemos hacer eso? ‘He tenido muchos trabajos recientes en los que simplemente usamos una Steadicam para entrar con los personajes y encontrar el movimiento y la música en lo que estábamos filmando.
Paul Cameron, ASC: Comencé a filmar muchos comerciales de automóviles y continúo filmando entre trabajos de largometraje y televisión. He visto un gran cambio en la fotografía de automóviles. A principios de la década de 1990, estábamos haciendo tomas refinadas de productos de belleza, volando planos [grandes superficies de rebote] sobre automóviles y obteniendo ese brillo especular de forma perfecta en todo momento. Estaba trabajando con Ken Fisher cuando creamos Fisher Light, y los hicimos volar en grúas de construcción sobre automóviles en el lugar. Nos levantábamos a las 3:30 de la mañana y llegamos al lugar y estábamos listos para registrar con la luz perfecta del amanecer, y luego descansábamos y dormíamos en el medio del día para regresar a la luz perfecta del atardecer. Hoy en día se trata más de fotografía de estilo de vida naturalista.
Grabé un comercial de Audi a fines de la década de 1990 en el lecho de un río en el centro de Los Ángeles por la noche, y el director dijo: ‘Quiero que la luz de este automóvil parezca mercurio líquido’. Así que estiré 120 pies de lamé plateado entre dos grúas de construcción, instalé enormes ventiladores FX en las grúas para soplar y ondular la tela, y luego hice rebotar cuatro o cinco lámparas de xenón de 7K en el lamé. Efectivamente, los aspectos más destacados del automóvil parecían mercurio líquido. ¡Fue realmente genial!
Esa fotografía comercial de automóviles altamente pulida es lo que me consiguió el trabajo de filmar Gone in 60 Seconds [AC June ’00], y utilizó esas mismas técnicas en esa película, usándolas para iluminar ‘Eleanor’ [un Ford Shelby Mustang antiguo].
HÁGALO CINEMATOGRÁFICO
Una de las primeras solicitudes que un director de fotografía comercial suele recibir de un cliente es hacerlo cinematográfico. Pero, ¿qué significa eso realmente?
Zoë White, ACS: Esa es una buena pregunta. Cuando un cliente comercial lo pide, creo que quiere sentir que está viendo una escena de una película hermosa y conmovedora. Quizás sea un estilo de cámara más ‘humano’ con un enfoque de observación, quizás con alguna computadora de mano. O tal vez esté usando lentes más suaves, menos contraste y un enfoque de iluminación discreto, y luego aplicando una LUT fílmica y un grano de película para pulir el aspecto en la publicación. También podría estar en la narración si se trata más de una narrativa basada en personajes en el lugar de una técnica conceptual o filmación de productos. A veces es una combinación de todo lo anterior.
Christopher Probst, ASC: Casi todo mi trabajo se inclina hacia el cine. Un técnico Nivel, Creo Que Hay ciertas propiedades Que Comienzan un Crear Una Sensación cinematográfica: Menor Profundidad de campo, Atmósfera, en general Nivel de contraste, la forma de la luz, etc. El aspecto m brillante, iluminado desde el frente y nítido Que se ve en muchos comerciales no es de lo que la gente está hablando cuando dice ‘cinematográfico’. Significan una apariencia de tono más bajo con una forma más sombreada y una tecla envuelta, una luz de fondo más suave con atmósfera ahumada, destellos de lente y composiciones más artísticas.’Cinemático’ también puede significar una relación de aspecto, algo más ancho que 1.78: 1 [16: 9] con un poco de formato de pantalla ancha, o disparar con lentes anamórficos [incluso si está recortando a 16: 9] para obtener ese bokeh cinematográfico. Esas son cualidades de imagen que se parecen más a películas.
Paul Cameron, ASC: La cinematografía tiene que ver primero con la luz y luego con la óptica. Yo equiparo ‘cinematográfico’ con ‘emocional’. Podríamos filmar el comercial con lentes anamórficos antiguos y recortar los lados para una extracción de 16: 9 o algo así. Mucha gente corre con un brazo ruso, corriendo hacia un automóvil, envolviéndolo y luego haciendo que el automóvil se aleje, pero cuando pienso en ‘cinematográfico’, pienso en algo más considerado. Estaciono el auto en el marco y lo fotografío con la luz adecuada, manteniéndolo natural y auténtico. Eso es cinematográfico para mí. Además, puedes llevar estas cosas a niveles bastante extremos. Hay una brevedad en el lenguaje cinematográfico de los comerciales: solo tiene unas pocas imágenes para transmitir una narrativa completa, por lo que intenta imbuir las tomas con contenido visual emocional que transmite un sentimiento al espectador. Imagínese una pareja haciendo un picnic en un campo de trigo, tumbados en la hierba alta y mirando hacia el cielo, donde hay una hermosa y agresiva llamarada del sol. Esa única imagen transmite memoria y nostalgia; es romantizado y exagerado porque tienes que comunicar la idea en el menor tiempo posible. Nunca podría filmar una película completa con un resplandor velado extremadamente agresivo que invade el encuadre, pero puede grabar un comercial completo con llamaradas agresivas, románticas y hermosas. Eso le da a las cosas una sensación ‘cinematográfica’ en un marco de tiempo extremadamente abreviado.
Esta imagen de la fotógrafa de alimentos Jennine Dwyer detalla el enfoque con problema para el encuadre de relación de aspecto múltiple.
FORMATOS MÚLTIPLES
Otra tendencia actual es el uso de diversas relaciones de aspecto para crear contenido simultáneamente para televisión, visualización vertical en teléfonos móviles y visualización cuadrada en aplicaciones como Instagram. El concepto de componer para múltiples relaciones de aspecto no es nuevo (los directores de fotografía a menudo debían componer para imágenes teatrales y televisivas de pantalla ancha simultáneamente con encuadres de televisión 4: 3), pero la necesidad de entregar contenido para un consumo móvil fácil ha complicado la tarea en los últimos años. Esto está obligando a los directores de fotografía a tomar decisiones de composición incómodas.
Christopher Probst, ASC: A menudo estamos obligados a lidiar con múltiples formatos: 16: 9, 9:16 y 1: 1 son los más importantes. Tengo una técnica específica para lidiar con esto cuando grabo con la cámara Red Monstro. Como puedo disparar en 8K, utilizo el sensor de 8K completo para cortar la imagen en 9:16 desde la parte central del encuadre. Luego recortamos a 7K para la composición 1: 1, todavía con un centro común. Finalmente, recorto a 6K para la porción 16: 9. Eso me da mucha información de imagen para dominar en 4K o, más probablemente, 2K. Si estaba filmando una resolución completa para 16: 9, entonces la porción de 9:16 se convierte en una pequeña astilla sacada del centro de la imagen. Si, en cambio, estaba grabando a 3,2K [3200×1800] en una Arri Alexa, por ejemplo, y grabando a todo el ancho para mi 16: 9, entonces mi imagen de 9:16 se convierte en 1013×1800 píxeles, que es sub-HD. Si estoy filmando con sensor 8K en modo HD [16: 9], entonces tengo un 9:16 de 2430×4320 con un 16: 9 de 5760×3240. Eso le da a la edición mucha más información de imagen con la que trabajar. Además, debido a que solo estoy filmando 6K para la imagen principal 16: 9, tengo una buena cantidad de área alrededor de la composición principal para asegurarme de que estoy protegiendo la imagen de cualquier bogies durante la filmación. Grabo un líder de cuadros de encuadre para el equipo de edición al comienzo de cada proyecto y les muestro los recortes de cada uno, y eso hace que sea sustancialmente más fácil para todos visualizar y proteger activamente los múltiples formatos dentro de una sola imagen. La alternativa es tomar la imagen de la manera que desee y hacer que la manejen más tarde, pero luego están tratando de realizar una panorámica y un escaneo para extraer el marco de la caja de columnas de algún lugar dentro de la composición principal, y casi siempre es un compromiso. La única advertencia es que tiene un exceso de espacio para la cabeza y los pies en el fotograma completo para acomodar la imagen de 9:16, y debe mantenerlo claro.