AMERICAN CINEMATOGRAPHER

27 de julio del 2022 – Tara Jenkins

 

AC centra su atención anual en nueve artistas talentosos que trabajan detrás de la cámara.

Desde 2001, American Cinematographer  ha publicado una lista anual de directores de fotografía prometedores seleccionados por un panel de miembros de ASC y el personal de la revista. Las Rising Stars de este año han acumulado una impresionante lista de logros a lo largo de sus carreras en ascenso. Verónica Bouza; Mateo Chuang, ACS; Jomo Fray; Michael “Cambio” Fernández; Catalina Goldschmidt; Isiah Donté Lee; Cristina Ng; Julia Swain; y Erin G. Wesley provienen de entornos variados y tienen sensibilidades artísticas eclécticas, y todos muestran un enorme talento, promesa y una impresionante dedicación al arte de la cinematografía. Aquí están sus historias.

VERONICA BOUZA

Veronica Bouza, nativa de Los Ángeles, ha tenido una mentalidad visual desde la infancia, cuando sus padres arquitectos la llevaban a visitar edificios interesantes para observar su estructura y forma. Bouza luego estudio cinematografía en la Universidad DePaul, después de lo cual trabajó como electricista en IATSE 476 en programas como Chicago PD y Chicago Fire. Su trayectoria se alteró cuando conoció a Amy Vincent, miembro de ASC. “Me invitó a ser aprendiz de cámara en un trabajo”, dice Bouza, “lo que me empujó a ser asistente de cámara”.

Cansada del clima frío de Chicago, Bouza volvió a Los Ángeles para seguir una carrera en el departamento de fotografía. Durante unos seis años, trabajo como asistente en programas como  Jane the Virgin ,  Major Crimes  y  Dream Corp LLC, pero dice: «Llegué a un punto en el que realmente no sentí que fuera creativa, o que fuera una directora de fotografía. En 2018, Zeiss me invitó a asistir a los Premios ASC. Alan Caso ASC estaba hablando, y estábamos en una mesa de mujeres directoras de fotografía, pero simplemente no me sentí como una de ellas. Entonces, esa misma noche, solicité ingreso a AFI”. Bouza se graduó de AFI en 2020. «Ha sido un viaje interesante», dice, «llegar a ser técnica y restaurar mi cerebro como narradora».

El año pasado le permitió a Bouza experimentar su trabajo de una manera que no fue posible durante el brote de Covid-19. “Terminé AFI en medio de la pandemia”, dice, “así que muchos de mis proyectos, mis ensayos visuales, quedaron atrapados en esa ruta o publicación de festival de cine virtual. Este es el primer año en el que pudo ver muchos de mis proyectos en pantalla, y significa mucho ver a las personas conectarse con el trabajo”. El corto Leave Us Here de Bouza de 2020 ganó el premio a la Mejor Fotografía en el Festival de Cine de Mujeres de Atlanta, y la película fue seleccionada por el Festival de Cine Urbanworld y proyectada en MoCADA en Nueva York.

Bouza ha estado ocupada desde que se graduó. “Este año, tuve la oportunidad de filmar una presentación piloto para WarnerMedia OneFifty, así como el corto de temática espacial Amina, que se estrenó en Tribeca 2022 como parte de Rising Voices: Season 2. También acabo de terminar un documental sobre Breonna Taylor y George Floyd que analizó los dos juicios y cómo los manejó cada ciudad”. El cortometraje Pens and Pencils de Bouza se proyectó recientemente en el American Black Film Festival, donde fue finalista del premio HBO Short Film Award.

Bouza cita a los miembros de ASC Vincent, Kira Kelly, Kenneth Zunder, y Polly Morgan, con quienes han trabajado como asistente, como directores de fotografía que la han inspirado en su carrera. “Todos me han empujado a flmar e ir por mi propio sueño. Mi mayor esperanza es que cuando algún miembro del equipo lea esto, lo inspire. Espero que ver esta historia, no una historia de Cenicienta, sino solo una sobre hacer ese esfuerzo, le muestre a alguien que este camino es posible”.

MATEO CHUANG ACS

Matthew Chuang ACS fue empujado hacia la realización de películas cuando no obtuvo calificaciones lo suficientemente altas en la escuela secundaria para dedicarse a la arquitectura, porque pasó mucho tiempo viendo películas. “Mi papá estaba como, ‘Oh, ¿por qué no vas a la escuela de cine, entonces?’ En ese momento, no sabía que podía hacer eso”. Posteriormente, Chuang estudió cine en la Academa de Artes Fotograficas de Sydney, Australia. Después de graduarse, comenzó su carrera filmando videos musicales en Sydney, y después de mudarse a Melbourne, Chuang comenzó a filmar comerciales. “Tenía un video musical que fue al festival de cinematografía Camerimage en Polonia. Fue allí donde me di cuenta: ‘Tal vez debería mudarme a los EE. UU. para poder crecer como cineasta’. Estuvo en Los Ángeles durante unos cinco años y empezó a hacer más trabajos de largometrajes”.

La primera gran oportunidad de Chuang fue su colaboración con el director Justin Chon en el drama Blue Bayou, en el que se desempeñó como codirector de fotografía con Ante Cheng; la película se estrenó en Cannes en 2021. Chuang luego filmó el drama de época sobre brujería You Won’t Be Alone, dirigida por Goran Stolevski, que se estrenó este año en el Festival de Cine de Sundance, y posteriormente obtuvo cobertura en nuestro artículo Destacados de Sundance 2022. «Me encantaría construir, seguir con directores como Justin Chon y Goran Stolevski”, dice. “Ambos están escribiendo dramas de personajes realmente convincentes. Mi objetivo es seguir haciendo más películas que sean audaces y sinceras”.

Chuang se encuentra actualmente en la preproducción del drama histórico hawaiano Chief of War de Apple TV Plus, dirigida por Chon y protagonizada por Jason Momoa. También ha aparecido en las películas Of an Age, dirigida por Stolevski, y Assassin Club, dirigida por Camille Delamarre, así como en la serie documental de FX Outlaw: The Saga of Afeni y Tupac Shakur, dirigida por Allen Hughes.

“El trabajo que tiene un aspecto personal es algo que realmente me atrae”, dice. “Veremos cómo va eso: si alguien ve algo que he hecho y se pone en contacto, y si siento que puedo ayudar y apoyar su película, es posible que podamos trabajar juntos. Si siento que tengo un punto de vista que coincide o complementa el de ellos, siempre estoy abierto.

MICHAEL “CAMBIO” FERNÁNDEZ

Apodado “Cambio” cuando era un bebé, Michael Fernández tomó una ruta inusual para convertirse en director de fotografía. Si bien se sintió inspirado por la creación de imágenes desde la infancia, Fernández no pensó artes en la escuela; obtuvo una maestría en historia de la Universidad Estatal de San José.

Después de enseñar en la escuela secundaria durante varios años, cambió su trayectoria profesional. “Empecé en el mundo de la creación de imágenes viajando y fotografiando Quilombo Art, un colectivo creativo de raperos y cineastas, en todo México, América Latina y Europa”, dice. “A partir de ahí aprendí los estilos cinematográficos de México, Cuba, República Dominicana, Europa y África Occidental. Eso me llevó a donde estoy hoy”.

Fernández continuó enseñando incluso cuando comenzaba a incursionar en el cine. Luego, en 2018, el rapero Blitz the Ambassador le pidió que filmara el largometraje The Burial of Kojo, que Ava DuVernay reconoció para su colectivo de impacto social Array. La película ahora se transmite en Netflix. “Eso me llevó de donde estaba, enseñando y viajando filmando cortometrajes con raperos, a firmar contrato con una agencia”, dice. “Ser director de fotografía se convirtió en mi carrera.

“Mis experiencias y mi voz, ser una persona de clase trabajadora y filmar raperos en su propia rutina, realmente influyeron en la forma en que veo y siento las cosas. Mi ojo único proviene de ser una persona que ama la historia. Uno pensaría que mi maestría en historia no tiene nada que ver con el cine, pero está profundamente entretejida con mis experiencias y mi forma de ver el mundo”.

Fernández ha filmado una amplia y diversa gama de proyectos mientras se mantiene fiel a sus raíces en el contenido basado en la música. Recientemente filmó parte del proyecto de Disney Plus Black Is King, el álbum visual de Beyoncé inspirado en El Rey León. Su corto If I Go Will They Miss Me, dirigido por Walter Thompson-Hernandez, fue nominado para el Gran Premio del Jurado en SXSW y ganó el Premio del Jurado de Cortometraje en Sundance en 2022. “Rodamos [If I Go] en Watts durante dos años, en el verdadero espíritu indie. Fue extremadamente hermoso filmar de esa manera, porque estamos arraigados en la realidad de los recursos que usaron. Ese espíritu independiente puede existir sin tener un millón de personas [en el set] para filmar algo”.

JOMO FRAY

Desde muy joven, Jomo Fray fue un apasionado de la narración. Él recuerda: “Cuando era niño, cada semana quería ser algo diferente, un científico, una astronauta, pero a los 7 años dije que quería ser cineasta. Recuerdo haber dicho, ‘Oh, esto es genial. Puedo ser un cineasta, lo que piratea el sistema. Podría ser científico tres meses, contar esas historias y luego ser astronauta durante tres meses y contar durante las historias de esas personas. Creo que ahora, mirando hacia atrás, fue una expresión de mi fascinación por la compasión, la empatía y el sentimiento: tener la capacidad de dedicarme a sentir lo que es estar en los cuerpos, las vidas y las experiencias de diferentes personas, y lo que eso significó para yo como ser humano”.

Fray obtuvo su título universitario en la Universidad de Brown, donde pensó que le gustaría seguir una carrera académica. Más tarde, volvió a la escuela para obtener una maestría en cinematografía en la Universidad de Nueva York, donde perfeccionó su sensibilidad artística. “Cuando pienso en la inspiración artística, gran parte de ella nace del proceso de la vida”, dice. “En términos de mi arte, siento que estoy más inspirado cuando pienso en ciertas cosas de mi propia vida, como lo que me dijo mi madre cuando me caí y me corté la rodilla. Siento que me inspiro mucho en las cosas más inocuas”.

El interés de Fray por la empatía y la conexión con la vida de los demás lo ha llevado a trabajar en proyectos que reflejan valores similares. Su cortometraje Emergency, dirigido por Carey Williams, sigue a amigos de color que debaten si llamar a la policía en una situación de emergencia. El proyecto ganó un Premio Especial del Jurado en Sundance en 2018, así como el Gran Premio del Jurado en SXSW. El mismo año, Fray fue presentado como uno de los «25 nuevos rostros del cine independiente» por la revista Filmmaker.

CATALINA GOLDSCHMIDT

Catherine Goldschmidt creció en un hogar sin televisión, pero siempre estuvo cautivada por las películas. Trabajó en una tienda de videos en la escuela secundaria y como proyeccionista en la universidad. “Cuando estaba en la universidad, descubrí qué era una directora de fotografía y qué implicaba el trabajo”, dice. “Luego trabajé en mis primeros cortometrajes estudiantiles y me enamoré del proceso”. Después de graduarse de la Universidad de Wesleyan con un título en Estudios Cinematográficos, Goldschmidt se mudó a Los Ángeles para seguir una carrera detrás de la cámara.

Comenzó a trabajar como asistente de cámara y luego aplicó a AFI después de darse cuenta de que muchos de los directores de fotografía con los que habían trabajado habían continuado su educación allí. “El consejo que me dieron fue, ‘No te quedes estancado siendo un asistente de cámara, y si quieres grabar, graba.’ El programa en AFI fue genial. Cuando me gradué, mi enfoque principal se convirtió en filmar mi primer largometraje. Increíblemente, pude hacer eso dentro del primer año después de graduarme. Sentir que finalmente era una DF, con mi primera película en mi haber, fue genial. Definitivamente fue una buena experiencia de fomento de la confianza”.

La película Northeast, dirigida por Gregory Kohn, permitió a Goldschmidt iniciarse en un largometraje mientras filmaba en 16 mm. “Puedo encontrar cosas en todo lo que he filmado donde puedo decir objetivamente que hicimos un buen trabajo; siempre hay algo de lo que puedes enorgullecerte. Pero creo que estoy muy orgullosa cuando la gente realmente ve y le gusta algo que he hecho. Un ejemplo sería el programa Chloe de BBC One, que se lanzará en todo el mundo en Amazon en junio. Mis padres llegaron a Inglaterra cuando aún no se habían lanzado en Estados Unidos. ¡Me enorgullece que mis padres estén orgullosos!”.

Recientemente, Goldschmidt ha estado trabajando principalmente en televisión, filmando la serie Doctor Who; el programa Dummy de Quibi, nominado al Emmy; la serie Sky/AMC Un descubrimiento de brujas; y la precuela de Juego de Tronos Casa del Dragón. Mirando hacia el futuro, dice: “Quiero rodar otra película, seguro. Me encontré en ‘Television Land’, por lo que estoy muy agradecida, porque realmente me importa que la gente vea lo que filmo. Crecí sin ver televisión, ¡pero ahora siento que todo lo que veo es televisión! Pero extraño contar una sola historia de principio a fin, y la forma en que logras crear un lenguaje visual [para una función] que sigue un solo arco. A veces, al filmar televisión en el Reino Unido, puede parecer que estamos haciendo un capítulo en una película más grande, y eso ha sido genial”.

ISIAH DONTÉ LEE

Nacido y criado en Carolina del Norte, Isiah Donte Lee no estaba seguro de qué tipo de carrera quería seguir, pero ingresó a la escuela de arte como diseñador web. “Mientras caminaba por el campus un día, vi a un grupo de estudiantes con un montón de cámaras”, dice. “Creo que estaban haciendo algún tipo de tarea de clase. Tuve este llamado para simplemente ir y ver lo que estaban haciendo. Estoy bastante seguro de que me quedé allí durante dos o tres horas, solo observándolos trabajar con las cámaras”. Esa noche, Lee llamó a su madre para decirle que estaba cambiando de carrera. Más tarde se transfirió a la Escuela de Artes de Carolina del Norte, donde continuó su educación cinematográfica, trabajando tanto y tan diligentemente que su profesor y mentor, el miembro de ASC Tom Ackerman o animó a abandonar y comprometerse por completo a trabajar en conjuntos profesionales.

Lee perfeccionó sus habilidades trabajando en videos musicales y cortometrajes. Como miembro de Project Involve de Film Independent, Lee conoció a los productores Stephanie Allain y Mel Jones, quienes conducirían su primer largometraje, Burning Sands, que se estrenó en Sundance en 2017 y obtuvo una nominación para el Gran Premio del Jurado del festival. Lee continuó filmando una variedad de proyectos que van desde videos musicales hasta largometrajes narrativos, compilando una lista de créditos que incluye el documental musical de HBO J. Cole: 4 Your Eyez Only; el vídeo musical de John Legend “Surefire”; la serie de televisión Boomerang; el documental Fuera de Omaha; y el drama Windfall, que filmó durante la pandemia de Covid-19.

“Es importante para mí hablar sobre la experiencia liberadora que fue filmar Windfall”, dice. “Era básicamente nuestra ‘película de burbujas’ y la hicimos de la forma más sencilla posible. Tuvimos un pequeño grupo de elenco y equipo en un solo lugar, y en general, un gran ambiente. Casi me sentí como si estuviera de vuelta en la escuela de cine haciendo una película con un pequeño grupo de amigos. Utilizamos principalmente la luz disponible con un equipo mínimo, y me puse a trabajar con un director increíblemente inteligente y colaborativo, Charlie McDowell”.

Lee encuentra inspiración en el trabajo de otros artistas de la industria cinematográfica, pero también en sus relaciones clave fuera del set. “Cuando busco inspiración, realmente disfruto otras mirando películas”, dice. “Ciertamente también me inspiran otras formas de arte, pero el cine es lo que más consume. Más allá de eso, [mis principales influencias] son ​​probablemente mi familia y mi vida cuando no estoy trabajando. Paso casi exclusivamente tiempo con mi familia, eso es lo que me impulsa, esas son las experiencias que aporto a mi trabajo, ya sea que lo haga consciente o inconscientemente. Siento que el tiempo que paso con mi familia, simplemente disfrutando el tiempo con mi hijo y momentos como ese, es realmente donde obtengo la mayor parte de mi inspiración. Nunca podría haber un mundo en mi cabeza donde eso no fuera parte de mi experiencia como cineasta o como artista en general”.

CRISTINA NG

Nacida en Hong Kong, Christine Ng se crio en Nueva York hasta los 9 años; sin embargo, fue solo después de que su familia se mudó de regreso a Hong Kong que Ng vio su primer set de filmación. “Nos alojábamos en el departamento de mis abuelos cuando vivíamos allí durante el año”, recuerda. “Literalmente salí y estaban filmando una película. Eran noches de filmación y mis padres decían: ‘Está bien, puedes quedarte despierta todo el tiempo que quieras para mirar’. Eso es algo especial para una niña de 9 años, poder quedarse despierta hasta cuando sea. La película también tenía a mi estrella pop china favorita. Fue un poco de este sentimiento mágico, y fue entonces cuando supe que quería trabajar en el cine”.

Ng pensó cine en la Universidad de Nueva York, donde no se sintió bienvenido de inmediato detrás de la cámara. “Era un lugar realmente difícil para ser una mujer inmigrante queer asiática que quería hacer algo técnico. Entonces, irónicamente, mientras estaba allí, estaba pensando: ‘Oh, no creo que vaya a ser una DF’. Asistí mucho, me equivoqué mucho y soné para la gente, porque sentí que si quería ser una buena cineasta, debía aprender todas las herramientas de ser una cineasta”. Sin embargo, Ng consiguió una pasantía en la compañía del  mimbro de ASC Lance Acord, Park Pictures, que se convirtió en un trabajo de tiempo completo y le ayudó a aprender más sobre producción mientras perfeccionaba su pasión por la cinematografía.

Ng finalmente dejó Park Pictures para dedicarse a la cinematografía por un tiempo completo. Terminó asistiendo a Bradford Young, ASC en la película Vara A Bressing, filmada en Sri Lanka. “Dos semanas después de empezar el trabajo, me dijo: ‘Entonces, ¿qué quieres hacer?’ Le dije que quería ser DF. Él preguntó: ‘Bueno, ¿por qué no estás grabando?’ El Red Epic acababa de salir y usar una carrocería de respaldo en el camión. Él dijo: ‘Ve a buscar el respaldo, ahora eres una operadora’. Justo en ese momento, comencé a operar para él”. Ng continuó operando, lo que agregó trabajar en producciones televisivas como When They See Us, She’s Gotta Have It y Colin in Black & White, mientras también buscaba trabajo como directora de fotografía.

Como directora de fotografía, Ng ha filmado desde entonces el especial de HBO Between the World and Me, el documental Everything Is Copy y 12 episodios de la serie de variedades ZIWE. El trabajo de Ng también se puede ver en la próxima serie Rap Sh!t de Issa Rae y en la primera serie de televisión de Rian Johnson, Pokerface .

“Para mí, ser directora de fotografía no se trata solo de ser una narradora visual”, dice. “También se trata de ser una líder de equipo de una manera que crea un espacio seguro. Eso es algo que definitivamente aprendí de Brad: la forma en que me porto y la forma en que trato a los demás con respeto. Sé que cuando otras personas lo hacen, y trato de hacerlo activamente, simplemente creas esta sensación de vínculo con todos. Todo en lo que he trabajado es realmente especial para mí, porque siento que cada pequeña cosa es un recuerdo vívido para mí, y tiene un lugar en mi corazón que me ha llevado a donde estoy ahora”.

JULIA SWAIN

Después de hacer películas por su cuenta cuando era adolescente, Julia Swain trabajó en noticias de televisión como estudiante universitaria para adquirir experiencia con cámaras fotográficas. “Estaba tratando de hacer lo que podía para convertirme en una mejor narradora y cineasta, y rápidamente me di cuenta de que la cinematografía estaba donde estaba: necesitaba estar detrás de la cámara”, dice. Swain asistió a UCLA como estudiante de posgrado en cinematografía y, durante su tiempo allí, se convirtió en una de las primeras en recibir una beca ASC Vision. En 2014, fue honrada con una beca de mujeres en el cine en cinematografía. Desde que se graduó, Swain ha filmado numerosos cortometrajes, comerciales y videos musicales, incluidos proyectos para Hozier, Quin XCII y Kelsea Ballerini.

Swain está agradecida por los mentores cinematográficos que la han ayudado a lo largo de su carrera. «Johnny Simmons, “ASC, además de ser el ser humano favorito de todos, me enseñó en la UCLA y ha sido un mentor desde entonces”, dice ella. “También me siento muy afortunada de tener muchas mujeres increíbles a las que admirar en este momento; ha sido realmente increíble hablar sobre mi camino con los miembros de ASC Mandy Walker, Natasha Braier y Quyen Tran. Bill McDonald, el jefe del departamento de cinematografía de la UCLA, me enseñó a exponer películas y siempre fue muy generoso”.

Swain considera que su cuarto largometraje, Lucky, que se estrenó en SXSW en 2020, es su oportunidad. “La directora, Natsha Kermani, y yo habíamos hecho algunos proyectos juntos, pero esta fue nuestra primera película juntas. Se ha convertido en una de mis mejores colaboradoras y amigas, y estoy encantada de seguir contando historias con ella”. Desde entonces, Swain ha estado ocupada filmando varias funciones programadas para ser lanzadas este año. “Siento que hago mucho trabajo de género, pero lo que más me emociona que la gente vea en este momento es una función llamada The Mattachine Family. Es un drama moderno, y aunque no es un género, era un proyecto con el que realmente podía resonar y volcarme. Era una historia que sentía que tenía que contar”. Swain también terminó recientemente la secuela Becky 2: The Wrath of Becky.

Mirando hacia el futuro, Swain está ansiosa por filmar una serie. “Acabo de hacer largometrajes”, dice, “así que me interesa hacer una serie de suspenso y crimen. Me encanta todo lo que hacen Alex Garland y Rob Hardy ASC, BSC. Me encantaría hacer algo tan surrealista e inquietante como una de sus películas”.

ERING WESLEY

Durante su infancia,Erin G. Wesley soñaba con ser cirujana cardiovascular o estética. Pero como estudiante de premedicina de biología en la Universidad de Fisk, comenzó a cuestionar su trayectoria profesional después de que un asesor la instó a pensar en dedicarse a la fotografía médica debido a su habilidad artística. Después de la universidad, Wesley trabajó en RSA Films/Black Dog mientras filmaba videos musicales de bajo presupuesto con la Canon 7D que sus padres le habían dado como regalo de graduación. “Una vez que mi trabajo comenzó a estabilizarse como una banda de una sola mujer, decidió que era hora de mejorar mis habilidades”, dice ella. “Apliqué al programa de cinematografía de AFI con solo mis fotografías fijas y algunos videos musicales de bricolaje, medio narrativos para mostrar”. Wesley fue aceptada en la pista de cinematografía de AFI, que “realmente me dio la ventaja técnica, desarrolló mis habilidades para contar historias, me facilitó las relaciones para construir mis equipos iniciales,

Wesley considera que su incursión en la cinematografía es A Rodeo Film, un cortometraje de AFI sobre un jinete de toros negros en la zona rural de California que enfrenta una decisión difícil. La película ganó el Gran Premio Estudiantil en los Premios DGA 2019 y un Renacuajo de Oro 2020 en la Competencia de Estudios Estudiantiles en Camerimage y ahora se transmite en HBO.

Desde que completó A Rodeo Film, Wesley filmó Golden: The Journey of USA’s Elite Gymnasts para Peacock y el documental de baloncesto The Loyola Project, y también codirigió y filmó el video musical » UMI Says » de 6LACK para Apple Music. “Me siento especialmente orgullosa de mi trabajo cuando puedo contar historias sobre identidad y empatía”, dice. “Tanto una película de rodeo como ‘UMI dice‘ hace esto por mí. El trabajo que más me enorgullece es del tipo en el que puedo incorporar vulnerabilidad, inmersión y comunidad”.

Wesley también se desempeñó como operadora de cámara B en la serie de Netflix Colin in Black & White, lo que le permitió acumular los 30 días hábiles que necesitaron para unirse al Local 600. Se apresuró a señalar que la productora ejecutiva Ava DuVernay y Matthew J. Lloyd  ASC la tomó bajo sus alas, ayudándola a dar el salto a la afiliación sindical. Wesley agradece también la tutoría de Kira Kelly, ASC. “Kira ha sido extremadamente fundamental para todo mi viaje”, dice ella. “Al principio, me resultó difícil imaginar un futuro para mí porque no había ejemplos inmediatos de personas que se parecieran a mí en el papel de director de fotografía, pero comencé a seguir la carrera de Kira. Me la encontré por primera vez en una jornada de puertas abiertas de ASC. Nos hemos mantenido en contacto, y una vez que me uní al sindicato, comencé a operar en programas y comerciales con ella, lo que me ayudó a observar su enfoque en el set. Esa experiencia ha sido invaluable”.

Wesley se describe a sí misma como una pensadora de mente abierta y encuentra influencia creativa en una variedad de formas. “Mis experiencias de vida dan forma a mi perspectiva única e informan quién soy como artista”, dice. “Me inspira viajar y observar la luz en diferentes partes del mundo, estudiando cómo se refleja en una variedad de tez, matices y texturas de la piel. También me inspira observar a la gente, frecuentar galerías de arte, la moda y la arquitectura”.