BRITISCH CINEMATOGRAPHER

Masanobu Takayanagi / El canto del cisne

Por Zoe Mutter 

 

Viaje emocional

Guiados por las emociones del personaje central de El canto del cisne, el director de fotografía Masanobu Takayanagi y el director Benjamin Cleary crean un estilo visual que se adapta a una historia conmovedora y centrada en la familia ambientada en un futuro cercano que la audiencia de hoy serán identificables. 

Luchando por llegar a un acuerdo con la enfermedad terminal que cruelmente acortará el tiempo con su amada familia, a Cameron (Mahershala Ali) se le presenta una solución que podría proteger a su esposa Poppy (Naomie Harris) ya su hijo de la angustia. En Swan Song del escritor y director Benjamin Cleary, una historia de amor, pérdida y sacrificio ambientada en un futuro cercano, Cameron se enfrenta al desgarrador dilema de duplicarse a sí mismo sin que su familia lo sepa, dejando su réplica para continuar con su vida.

Al definir las técnicas visuales que se usarían para sumergir a la audiencia en la narrativa cargada de emociones, para Cleary era importante que la película no se situara demasiado lejos en el futuro. Necesitaba ser identificable y reconocible para la audiencia y «algo cercano a nuestro mundo actual».

Cameron, un enfermo terminal, se enfrenta al dilema de duplicarse a sí mismo y dejar su réplica para continuar con el camino de su vida. 

 

“Nunca quise ir demasiado lejos con la ciencia ficción porque se utilizó de la historia humana, la historia de amor, la familia”, dice. “Quería crear algo que nunca se sintiera demasiado alejado de la tecnología actual, por lo que todas nuestras elecciones estéticas se hicieron con eso en mente, permaneciendo tan sutiles y discretos como pudimos”.

Después de leer el guión de Cleary, el director de fotografía Masanobu Takayanagi (Silver Lining Playbook, Warrior) podría ponerse fácilmente en la posición del protagonista y relacionarse con la historia, ya que también tiene una esposa y un hijo de edades similares a las de Cameron

Las ideas sólidas de Cleary sobre la dirección que debía tomar la película fueron de gran beneficio para el proceso creativo de Takayanagi. “Cuando el director tiene una visión clara, el flujo comienza de forma natural”, dice el director de fotografía. «Esta visión fue realmente guiada por el viaje emocional de Cameron».

Los dos estilos de tomas adoptadas fueron apoyados por tratamientos de color sutilmente diferentes en la clasificación de luces. 

 

Durante la preproducción de dos meses, analizaron el guión en detalle, discutieron el flujo emocional y trabajaron con los extensos guiones gráficos de Cleary, crearon listas de tomas y siempre mantuvieron la historia como centro. “A Masa le encantaba analizar el guión conmigo, una y otra vez, profundizando en los ritmos de la historia y la emoción de la película, reuniendo ideas sobre lo que motivó a los personajes y qué sentimiento queríamos crear, escena por escena y en general”, dice Cleary.

A través de esta preparación centrada en la narrativa, Cleary sintió que él y Takayanagi comenzaron a operar en la misma longitud de onda. A partir de ahí, orgánicamente comenzaron a discutir el estilo visual. “Absolutamente estábamos haciendo la misma película y todas nuestras decisiones creativas se tomaron al servicio de la historia”, dice Cleary. “Cuando tienes una base sólida como esta, es más saber qué decisiones creativas se sienten como parte de una visión coherente y con propósito”.

Cleary también quedó impresionado por el respeto que Takayanagi le mostró como cineasta primerizo. “Al hacer tu primer largometraje, te preocupa un poco que un conocido y excelente director de fotografía como Masa, que ha filmado tantas películas grandiosas, entre con un ego, pero él nunca tuvo nada de eso”, dice Cleary. “Él apoyó la visión y la amplió todos los días y nunca tuve que luchar por lo que quería. Nuestras conversaciones siempre parecían dar frutos. Masa es un gran artista; ver su trabajo apoyar las maravillosas actuaciones de nuestro elenco fue un regalo todos los días en el set”.

Las escenas actuales en el laboratorio fueron más compuestas y calculadas que las secuencias de flashback. 

 

Apoyando la historia 

Los cineastas necesitaron distinguir entre la vida de Cameron en casa y su tiempo en los laboratorios futuristas donde conocería por primera vez a su clon Jack y al Dr. Jo Scott (Glenn Close). La mitad de los dos mundos dispares, las escenas actuales en el laboratorio y en la casa de Cameron, se compondrían y calcularían utilizando una plataforma rodante y Steadicam. Por el contrario, las secuencias de flashback serían «sueltas, espontáneas y libres», y casi siempre capturadas a pulso.

“Queríamos que las escenas de cámara en mano representaran los recuerdos que Cameron puede llevar a cabo. Pero hay una excepción a nuestra regla hacia el final de la película cuando Cameron regresa a la casa por última vez. Aunque no es una secuencia de flashback, cambiamos a cámara en mano a mitad de esa secuencia para transmitir que Cameron había encontrado la paz dentro de sí mismo, de modo que las imágenes de cámara en mano también se convirtieran en un recuerdo para él”, dice Takayanagi.

La diseñadora de producción Annie Beauchamp también ayudó a desarrollar los mundos que respaldan la historia, incorporando una sensación futurista cuando era necesario. “El departamento de arte hizo un trabajo increíble”, dice Takayanagi. «Annie y yo analizamos ideas sobre qué luces se instalarían en los decorados y probamos algunos conceptos usando modelos 3D para explorarlos virtualmente, lo que fue muy útil».

Como el invierno de Vancouver es principalmente nublado o lluvioso, la luz natural utilizada para las escenas exteriores fue muy consistente. 

 

También se llevaron a cabo extensas pruebas con el supervisor de efectos visuales Ajoy Mani en preparación para explorar cómo abordar las escenas que presentan a Cameron y Jack en el mismo cuadro y qué mejoras podrían ser necesarias para las secuencias en el laboratorio que incorporaron la pared LED.

La fotografía principal del rodaje de tres meses comenzó en noviembre de 2020. El sótano del laboratorio se capturó en escenarios en Vancouver y el resto de la película se filmó en locaciones alrededor de Vancouver. Impresionantes imágenes aéreas de los paisajes de Vancouver también ayudan a preparar la escena para las secuencias en el laboratorio, capturadas por el piloto jefe de drones Patrick Weir en Peacemaker Filmworks en Vancouver. “Todo el equipo en Vancouver fue muy servicial y trabajador para ayudar a capturar la historia, incluido el operador de Steadicam Peter Wilke, el 1er AC Dan Morrison, el grip clave Kim Olsen y el grip Dolly Darin Wong, por nombrar algunos” , dice Takayanagi.

De acuerdo con la conmovedora historia, la iluminación debe ser lo más suave posible. Gaffer David Warner sugirió usar luces LED, predominantemente, ARRI SkyPanels, y accesorios que podrían instalarse en los decorados, atenuarse y colorearse según sea necesario. Los colores de la pared LED, proporcionados y controlados por G Creative en Vancouver, fueron elegidos para vincularse con la emoción de cada momento.

De acuerdo con la conmovedora historia, la iluminación debe ser lo más suave posible. 

 

“No queríamos que la iluminación fuera el centro de la historia. Para nosotros era importante ser muy sutiles, así que tratamos de hacer el decorado lo más suave posible”, dice Takayanagi. «En términos de la luz natural que usamos para las escenas exteriores, el invierno de Vancouver es principalmente nublado o lluvioso, por lo que fue muy consistente».

Debido a la pandemia, Takayanagi no pudo visitar el laboratorio de la Compañía 3 todos los días para ver los rodajes diarios, por lo que usó un sistema ClearView para verlos de forma remota. Todas las noches, con un monitor calibrado en su apartamento de Vancouver, colaboraba con el colorista de diarios Jaan Spirka para llevar a cabo la gradación del color en tiempo real.

Las secuencias de flashback de Swan Song eran «sueltas, espontáneas y libres». 

 

Como el director de fotografía ya estaba en Pittsburgh para la preproducción de un proyecto diferente cuando se llevó a cabo la última sesión de DI en Nueva York, no pudimos unirnos. El director creativo y colorista sénior de Cleary and Company 3, Tom Poole, apoyó el trabajo de Takayanagi creando una clasificación bastante audaz que aún se sintió lo suficientemente enraizado en el realismo.  “El trabajo de Tom fue impresionante”, dice Cleary. “Para los momentos de ‘ciencia ficción’ más aventureros visualmente, no ejerce miedo de llevar las cosas a un lugar más elevado porque parecía que era parte de la experiencia sensorial subjetiva de Cameron. Esa fue siempre nuestra brújula. También queríamos apoyar los dos estilos de tomas con dos tratamientos de color sutilmente diferentes en la clasificación”.

Los colores de la pared LED fueron elegidos para vincularse con la emoción de cada momento.

 

Separación de los estilos de tomas

Ya se trate de flashbacks de forma libre o escenas de laboratorio clínico con un toque más futurista, Takayanagi capturó la bellamente poética historia usando la Alexa Mini LF, suministrada con el paquete de lentes por ARRI Rental. Elegido por su familiaridad con la cámara, el director de fotografía valora el “color natural y honesto” de la Mini LF.

Desde la preproducción hasta la calificación final, los mundos contrastantes de recuerdos atesorados y desencadenantes de Swan Song y la emoción emocional actual fueron con frecuencia el foco de discusiones creativas. Mientras Cameron se esfuerza por aceptar que se le acaba el tiempo y luego comienza a hacer las paces con su decisión final, la película cambia de tonalidad y técnica cinematográfica.

Para el director de fotografía Masanobu Takayanagi, la visión cinematográfica estuvo guiada por el viaje emocional del protagonista Cameron. 

 

En una escena, Jack es interrogado, casi interrogado, por su réplica de Cameron y el Dr. Scott sobre la muerte del hermano gemelo de Poppy y un doloroso sueño recurrente que ha perseguido a Cameron. Jack habla de buenos recuerdos y luego el tono de la película se oscurece cuando se ve obligado a revisar recuerdos más dolorosos de su pasado y el de Cameron.

Cleary admite que este punto medio de la película, un cambio en el equilibrio o la mentalidad del protagonista, fue una de las escenas más difíciles de escribir y dirigir. “Lo que comienza en la película como un examen exhaustivo por parte de Cameron para ver si Jack es una versión auténtica de sí mismo, evoluciona lentamente a lo largo de la película hasta convertirse en un autoexamen por parte de Cameron. Este es un punto de inflexión en esa evolución”.

Mahershala Ali como Cameron/Jack (izquierda) y el director Benjamin Cleary. 

 

El Dr. Scott y Cameron le hacen preguntas muy personales a Jack para probar su autenticidad antes de que la película se sumerja en un grato recuerdo, el de Poppy recibiendo un piano por su cumpleaños de manos de Cameron y su hermano. “Este es un gran ejemplo de los dos estilos de filmación que empleamos en la película”, dice Cleary. “Para el día de hoy, a menudo estamos bloqueados o simétricos y serenos, empujones lentos con un encuadre considerado y decidido”.

El vidrio principal en el que se basó para las secuencias actuales fue un conjunto de ARRI Master Anamorphics. “La serie de lentes se amplió para el sensor de cuadro completo del Mini LF por el increíble equipo de ARRI”, dice Takayanagi. “Matt Kolze en Burbank y Sarah Mather en Vancouver fueron de gran ayuda durante el proceso de personalización”.

La fotografía principal del rodaje de tres meses comenzó en noviembre de 2020 en Vancouver. 

 

Cleary siente que las lentes anamórficas empleadas en la escena con el Dr. Scott, Cameron y Jack fueron la elección ideal al filmar la secuencia del encuadre central, con los lentos movimientos de Cameron y Jack. “El presente necesita representar la experiencia emocional y estancada de Cameron. Sin embargo, para breves fragmentos de memoria creamos una apariencia diferente, grabando con lentes esféricos. Todo fue de mano y en gran medida improvisado en base a escenarios que yo escribiría con detalles de la historia de fondo para los actores, para capturar hermosos momentos espontáneos”, dice.

“Mientras Masa operaba, estaba involucrado en una especie de baile íntimo con los actores, por lo que se sintió inmersivo y subjetivo, más como la textura de los recuerdos. Su habilidad para estar allí como participante en esas escenas improvisadas y completamente en sintonía con los actores fue maravillosa”. Se eligieron los lentes ARRI DNA LF para las secuencias de flashback cámara en mano y algunas de las escenas finales de la película, y se usaron Signature Primes para el metraje de la cámara con «lentes de contacto». “Los lentes DNA LF son un poco más suaves y amables, lo que asocié más con los recuerdos”, explica Takayanagi. “Mientras que Signature Prime se adaptaba bien a las imágenes de la cámara con lentes de contacto porque es una lente muy superior de borde a borde”.

Los cineastas necesitaron distinguir entre la vida de Cameron en casa y su tiempo en los laboratorios futuristas donde conocería por primera vez a su clon Jack y al Dr. Jo Scott. 

 

Para Cleary, la escena en el laboratorio con Cameron, el Dr., Scott y Jack demuestra cómo el presente y el pasado se unen y el contraste de estilos de Swan Song. “A medida que retrocedemos al laboratorio desde un recuerdo, se ve y se siente completamente diferente al recuerdo en el que acabamos de estar inmersos. A medida que avanza esta escena, las preguntas para Jack se vuelven más personales y difíciles, ya que el Dr. Scott sigue presionando a Jack. sobre las secuelas de la muerte del hermano de Poppy, Andre”, dice.

Sigue la parte favorita del director de la escena: «un movimiento muy largo y lento en el centro de Cameron y, a medida que se intensifica el interrogatorio, Cameron responde la pregunta él mismo, perdido en el momento». Cleary cree que es una oportunidad que pocos actores podrían resistir como lo hace el talentoso Mahershala Ali. “Quería que fuera incómodamente largo”, dice. “Estamos enmarcados en el centro, moviéndonos lentamente mientras las preguntas fuera de la pantalla chocan contra él en oleadas. Se trata de estar totalmente inmerso en la experiencia subjetiva de Cameron».

Las escenas actuales en el laboratorio y en la casa de Cameron, fueron compuestas y calculadas, utilizando una plataforma rodante y Steadicam. 

 

Luego, los cineastas enmarcaron a Jack de manera idéntica, de modo que cuando cortaron entre ellos, «los dos personajes se disuelven el uno en el otro». El estilo apoyó sus temas, y la iluminación también fue parte integral de la escena. “Ponemos a Cameron en silueta para apoyar el estado de ánimo y, a medida que avanza la escena, apoyamos el cambio de tono cambiando la iluminación de la habitación a un azul oscuro”, dice Cleary.  “Y deteniéndonos sabiamente, el Dr. Scott se sienta antagónicamente entre los dos hombres. La escena requirió mucha planificación con Masa y nuestro maravilloso equipo. Estoy orgulloso de ello. Cada elemento está funcionando como yo quería. Es un reconocimiento a todo mi equipo y, por supuesto, a nuestros extraordinarios actores que depositaron tanta confianza en mí”.

Mahershala Ali como Cameron/Jack (izquierda) y el director Benjamin Cleary