Bradford Young, foto de Schaun Champion.

AMERICAN CNEMATOGRAPHER – Bradford Young, ASC: La importancia de la inspiración – Esta entrevista apareció originalmente en nuestro número de mayo de 2020 – 03 de julio de 2020 David E. Williams

EL DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA ANALIZA LAS ELECCIONES, MOTIVACIONES E INFLUENCIAS QUE LO LLEVARON A UNA CARRERA DETRÁS DE LA CÁMARA.

Muchas personas creativas enfrentan una encrucijada en la vida, en la que deben abrazar y perseguir su pasión o cumplir con las expectativas, reales o imaginarias. Cuando era joven y crecía en Louisville, Kentucky,Bradford Young, ASC parecía tener un camino predestinado, dictado por la geografía, la presión social y la expectativa de que él se haría cargo del negocio familiar. Pero intervinieron otras fuerzas.

Los admiradores del trabajo de Young saben que el galardonado director de fotografía se estableció como una nueva voz con características tan independientes como Pariah (AC April ’11), Middle of Nowhere (AC Nov. ’12), Mother of George (AC  April ’13) ,  Ain’t Them Bodies Saints (AC  Sept. ’13),  Pawn Sacrifice, Selma  y  A Most Violent Year (AC  Feb. ’15, los dos últimos), así como las características de gran presupuesto Llegada  (AC Dec. ‘ 16), por la que obtuvo nominaciones a ASC, BAFTA y premios de la Academia, y Solo: A Star Wars Story (AC julio ’18), y la miniserie When They See Us (por la que obtuvo una nominación al Emmy). Pero pocos podrían darse cuenta de que el camino de Young hacia el éxito estaba lejos de ser una ruta directa.

Como estudiante en la Universidad de Howard, Young estudió con el cineasta y profesor etíope Haile Gerina – él mismo se graduó en 1976 de la Escuela de Teatro, Cine y Televisión de UCLA – quien superó el papel de maestro para Young y se convirtió en mentor. Gerima fue uno de los varios que alterarían la percepción de Young de lo que era posible para él como una persona artística que buscaba contar historias a través de imágenes.

Durante una extensa entrevista realizada como parte de una próxima iniciativa de educación en línea de ASC, Young habló extensamente sobre cómo las personas que lo inspiraron cambiaron su vida y cómo esas experiencias lo ayudaron a lo largo de su viaje, uno que continúa viajando y mapeando. 

“Necesitaba que alguien me dijera: ‘Vas a ser un artista; vas a hacer películas ‘”. Bradford Young ASC

Rodaje “Ain’t Them Bodies Saints” (2013), dirigida por David Lowery. 

Las influencias visuales incluyeron «McCabe & Mrs. Miller, por supuesto, y Heaven’s Gate [ambas filmadas por Vilmos Zsigmond, ASC, HSC], que creemos que es una obra maestra estadounidense, no solo visualmente, sino políticamente», dijo Young a AC. Otras inspiraciones incluyeron a la directora Claire Denis y la cinematografía de Agnès Godard, AFC. (Fotos de Steve Dietl, cortesía de IFC Films)

American Cinematographer: Cuando conoces a jóvenes aspirantes a cineastas, ¿Qué es lo que más quieren saber de ti?

Bradford Young, ASC: [Risas.] Esa es una buena pregunta y difícil de responder sin parecer demasiado presuntuoso. Cuando era un niño de 18 o 19 años, pensaba en la cinematografía como una forma de arte y soñaba con tratar de trabajar como ahora, y pensaba incluso en conocer a alguien como Malik Sayeed o Ernest Dickerson [ASC], lo que Lo que realmente faltaba en mi vida era este sentimiento de autenticidad. Buscaba interactuar con personas que tenían experiencias auténticas y que usaban el cine, o el arte para mapear su experiencia de vida. Si tuviera que transferir esa mente mía de 18, 19 o 20 años a las mentes de los jóvenes para quienes la comunicación y la comprensión están mucho más presentes que cuando yo tenía su edad, diría que es necesario porque la autenticidad no es algo que haya desaparecido. No importa en qué época vivamos las personas buscan establecer una conexión, tener una conversación, incluso si están a miles de kilómetros de distancia. En este entorno donde las imágenes nos acompañan todo el día, los jóvenes todavía quieren autenticidad.

Una inspiración clave para Young fue el director de fotografía Malik Sayeed, que se muestra aquí durante la producción de su primer largometraje, la película policial Clockers (1995), en colaboración con el director Spike Lee (con visor) y el actor Mekhi Phifer. (Fotografía de la unidad de David Lee, cortesía de Universal Pictures).

Y tenemos que hablar de desmitificación. Somos artistas que trabajan en una forma de arte que, en algunas áreas, todavía está envuelta de una manera muy desconcertada y vista a través de una lente orientada a la fama. Los jóvenes necesitan saber que detrás de ese sudario, detrás de esa cortina, hay personas reales, personas que tienen sus propias luchas y preguntas sobre su propia identidad, su cultura, el entorno en el que viven. Y son personas que se despiertan cada mañana entusiasmados por participar en esta forma de arte porque les da la oportunidad de ser ellos mismos, auténticos y verdaderos. 

Solo trato de mostrarles a los jóvenes que soy un homie: soy su primo, su tío, su padre. No soy diferente, y tengo las mismas preocupaciones sobre mi propia familia, mis propios hijos, mi asociación con mi encantadora esposa, todas las mismas preocupaciones que todos los demás.

Cada vez que tengo la suerte de rodar una cámara, o de que alguien haga rodar una cámara por mí, no lo doy por sentado. Todo comienza con un solo fotograma, y ​​luego 24 fotogramas por segundo, y entiendo las implicaciones de eso. Espero que los jóvenes con los que me cruzo, y mis mayores, comprendan que me tomo muy en serio cada momento cuando estamos construyendo estas ideas e imágenes.

Young va con la cámara en mano mientras filma el drama de época Selma (2014), dirigido por Ava DuVernay.

Durante la producción, «me encontré creciendo, no solo como director de fotografía, sino como ser humano», dijo el director de fotografía a AC. «Selma me ayudó a comprender lo importante que es el altruismo». De la directora DuVernay señaló, «Ava es una cineasta inconformista, pero es muy precisa, no está interesada en hacer películas experimentales». 

Ava DuVernay y Young (Fotografía de la unidad de Atsushi Nishijima, cortesía de Paramount Pictures).

AC: Muchos aspirantes a cinematógrafos que han podido conocer a profesionales establecidos en el campo, y tener una conversación sincera, regresan con una impresión similar: «No puedo creer que tengan los mismos problemas que yo». ¿Sigues enfrentando los mismos problemas que tenías al principio?

Young:  Creo que eso se remonta a lo que estaba diciendo sobre la autenticidad – [y la idea relacionada de] vulnerabilidad. [La vulnerabilidad es] a lo que tenemos que acceder para abrir nuestros sentidos creativos en el cine, porque estamos mapeando el comportamiento humano en tiempo real en cualquier coyuntura que ocurra en términos de historia. La vulnerabilidad es una de nuestras ‘armas’. Y debido a que siempre trato de ser, incluso a través de mis propios filtros, una persona vulnerable, ese proceso de aprender y cometer errores y fallar es, en última instancia, más importante que [lo que] consideramos éxitos o cómo [cuantificamos] el éxito.

[Cuando] luché cuando era joven pensando en la creación de imágenes como el ‘hacha’ que utilizo para expresar mis propias ideas personales, mi dilema personal, [descubrí que] la vulnerabilidad es esa ancla en la que puedo apoyarme mientras desentraño [si] en El momento con el que estoy tratando es auténtico. Así que es importante para nosotros que trabajamos como creadores de imágenes profesionales [utilizar] este oficio, esta forma de arte, como un vehículo de curación. Para ayudarnos a lidiar con nuestro trauma. Y es importante que los jóvenes sepan que todos nosotros, en general, en el mundo occidental, estamos lidiando con el mismo tipo de trauma. El proceso de exorcizar que es un camino personalizado, pero en el que estamos todos juntos. La vulnerabilidad puede ayudarnos a abrirnos y acceder a habilidades, técnicas e ideas que a menudo se nos cierran porque somos muy protectores de nuestro trauma y dolor.

Es interesante porque nuestra contribución como directores de fotografía es tan visible pero tan invisible, ¿sabes? A veces pienso que, aparte de los actores, somos las personas más vulnerables del set. Y es importante que la gente sepa que parte de nuestro proceso es ser vulnerable. Cada director de fotografía puede usar una palabra diferente para describir cómo abren ese espíritu o cosmos interno para producir imágenes, pero «vulnerable» es la que uso.

«Si eras un joven negro que crecía en Louisville y no habías visto
School Daze, entonces te habías perdido una auténtica experiencia negra». Bradford Young ASC

En School Daze (1988), el líder de la fraternidad, el Gran Hermano Todopoderoso (Giancarlo Esposito) se viste de promesas Half-Pint (Lee). (Fotografía de la unidad de David Lee, cortesía de Columbia Pictures).

Ernest Dickerson, ASC y Lee en la Universidad de Atlanta.

AC: ¿Cuáles fueron algunas de las primeras experiencias que te ayudaron a descubrir el cine como una “cosa” e incluso como algo que puedes hacer? Mucha gente que ama las películas nunca se da cuenta de eso. Has dicho antes que al ver School Daze de Spike Lee [1988; filmado por Ernest Dickerson, ASC] fue un gran momento.

Young:  Esa es una [pregunta] constante que he estado teniendo conmigo durante algún tiempo, y su versión actual tiene muchas capas. Mi experiencia de ver películas como un joven negro en Estados Unidos, y me estoy concentrando en esa palabra negro con una ‘B’ mayúscula, ha influido en mi compromiso con la comprensión del cine. Estoy respondiendo a eso ahora en mi práctica actual. Sin que yo lo supiera, las películas que vi antes de School Daze en realidad estaban haciendo cosas que no sabía que estaban haciendo. No me veía a mí mismo en las películas, no veía a mi familia ni a mi comunidad ni las cosas que me importaban. Cuando era un niño estadounidense, [sentí] que [ofrecieron] una cierta cantidad de escapismo y me dieron alegría, me hicieron reír y llorar, y todo se sintió bien. Fue una experiencia comunitaria, compartíamos una caja de palomitas de maíz y la pasábamos muy bien. Pero School Daze cambió todo eso, en varios niveles. Primero, si eras un joven negro que crecía en Louisville y no habías visto School Daze, entonces te habías perdido una auténtica experiencia negra. Necesitabas ir a un teatro porque este joven cineasta negro llamado Spike Lee hizo esto para ti. 

Esa fue la primera vez que experimenté el cine como movimiento. Entonces no estaba al tanto de esa [idea], pero sabía que todo el mundo estaba hablando de esta película. Fui con mi mamá y mis hermanas que eran un poco mayores que yo, y vi a mis amigas en el teatro. Fue la primera vez que fui al cine y vi solo familias negras en un solo lugar viendo algo hecho específicamente para una audiencia negra. Había ido al cine 100 veces y nunca había visto [que eso sucediera] antes. No para los Goonies, no para el Retorno del Jedi, nada de eso. Pero para School Daze, todos estaban allí, y recuerdo que eso resonó conmigo porque sentí que estaba compartiendo algo con ellos. Y luego llegó la película. 

Un enfrentamiento en el campus entre el director de la fraternidad Gamma Phi Gamma, Julián (Giancarlo Esposito) y Dap (Larry Fishburne), mientras la líder de la hermandad de Gamma Rays Jane (Tisha Campbell-Martin) los evalúa.

Ahora, mis abuelos eran relativamente ricos y nos recalcaron que la cultura era importante. Así que conocí a artistas en su casa, fui a las inauguraciones de las galerías de arte, fui a la ópera y vi a Porgy y Bess. Eso fue parte de nuestra crianza y parecía natural. Entonces, cuando era joven, tenía cierta comprensión del arte. Pero esta película tenía un temperamento y una pátina que no había visto antes. Primero que nada, los tonos de piel. Recuerdo que pensé que casi podías comértelos; podría sacarlos de la pantalla. No podía soportar los musicales mientras crecía, pero la mezcla de drama y musical de esta película fue agradable, lo cual era nuevo para mí, tal vez porque estaba rodeada de muchas otras cosas nuevas. Se trataba de una universidad históricamente afroamericana. La mayor parte de mi familia había ido a colegios y universidades históricamente afroamericanos, por lo que esa experiencia me resultó familiar. Esta película tenía todas estas cosas trabajando en mí, al igual que muchas otras películas que había visto antes, pero esta fue fabricada para mí, cuando era joven en un cine. Eso realmente generó muchas preguntas y dejó un profundo grabado en mí. Lo único que no pude comunicar entonces y que puedo ahora es que esa película fue hecha para nosotros. 

Eso es algo de lo que en el mundo occidental luchamos por hablar: películas hechas para una audiencia específica. Es contrario al comercio. Es contraria a la idea de que hayamos exorcizado estas cosas de nuestra cultura, cuando no lo hemos hecho. Y [conduce] a la conversación sobre la representación. Por qué es importante que las mujeres hagan películas sobre y para mujeres. Por qué es importante para los cineastas italianos hacer películas sobre esa experiencia. Por qué es importante que los cineastas chinos hagan películas chinas. Estas son cosas con las que todos los cineastas luchan, y para mí fue ejemplificado cuando vi por primera vez School Daze. Estaba claro que Spike Lee hizo eso para mí, pero que también habló con todas las demás personas en el teatro, y eso me mostró el poder del cine. Si miras el panorama actual de las personas de color que hacen películas, estoy seguro de que School Daze fue una influencia en su búsqueda para convertirse en cineasta o narrador.

Young y el equipo de producción filman el drama de época A Most Violent Year (2014), dirigido por JC Chandor. (Fotografía de la unidad de Atsushi Nishijima, cortesía de A24 Films).

Una inspiración visual clave para la película de 1981 fue el trabajo del fotógrafo Jamel Shabazz. «Para nosotros, representó esta belleza escondida dentro de toda esta decadencia», dijo Young a AC. 

AC: ¿Qué hizo el joven Bradford Young con esta epifanía?

Young: [Risas.] Primero, me escapé porque soy nieto de un funerario y mi abuelo era una presencia muy poderosa en mi vida. Ni en un millón de años pensé que podría ser un artista. Así que, cualquier sentimiento que tuviera, lo guardé en una bolsa, en su lugar ‘apropiado’, a un lado, porque… como muchos de nosotros, sentí el gran peso de cumplir con una responsabilidad familiar. Se esperaba que me hiciera cargo del negocio familiar. Sentí esa carga, a pesar de que no se dijo ni se dijo en absoluto. Mi bisabuelo y mi abuelo habían construido una empresa familiar exitosa y necesitábamos mantenerla. ¿Entonces ese sentimiento que tuve en el cine? Enterré eso. Tenía miedo de que, si expresaba ese deseo de ser artista, en una familia muy pragmática, la idea simplemente se cerraría. Como una persona mayor, ahora criando mis propios hijos, [Sé] que mi abuela era una gran defensora de las artes y que le estaba enseñando a mi abuelo lo que podía ser el arte, pero en ese momento eso no importaba. No estaba equipado con el lenguaje para decirles que quería ser un artista, cualquier tipo de artista, y no estaba interesado en lo que era importante para ellos. Pero después School Daze, sabía que quería ser cineasta.

Young filmando “Solo: A Star Wars Story” (2018). (Fotografía de la unidad de Jonathan Olley, cortesía de Lucasfilm Ltd.)

Trabajando fuera de su timonera, la referencia visual clave de los cineastas de McCabe y la Sra. Miller le dio un punto de partida. “Estaba pensando, ‘esto va a ser un western que tiene lugar en otro tiempo y dimensión’”, le dijo a AC. “Una vez que me dieron esa referencia, pensé, ‘Está bien, pertenezco aquí’”.

AC:  Entonces, ¿cuándo fue posible hacer ese cambio por ti mismo?

Young:  Cuando tenía 18 años, literalmente ni siquiera sabía que los negros hacían películas. Es una locura. Pero no tenía ejemplos; no tenía ninguna referencia. Y eso me emociona un poco … porque estoy feliz de que la gente de esa edad hoy pueda ver algunos ejemplos, pero no tenía a nadie más que a Spike Lee, y más tarde a John Singleton, que estaban contando historias excelentes de una manera visual y artística. [Esos cineastas] nunca descartaron la importancia de una buena cinematografía que pudiera expresar la profundidad visual de la experiencia negra en Estados Unidos. Y puedo reflexionar sobre el sentido de responsabilidad que tomó hacer eso.

John Singleton durante la producción de 2 Fast 2 Furious (2003). (Fotografía de la unidad de Eli Reed, cortesía de Universal Pictures).

Utilizo a Spike Lee y John Singleton como ejemplos porque eran los únicos dos cineastas negros que conocía en ese momento. No fue hasta que llegué a la Universidad de Howard que descubrí que había gente, como mi maestro Haile Gerima, que sabía más que yo. Entonces comprendí que había una larga tradición de cineastas negros en Estados Unidos, y que ese conocimiento tenía que transmitirse a los jóvenes, especialmente a los jóvenes de color.

En la universidad, vi las películas de Oscar Micheaux, Bill Greaves, Kathleen Collins, Charles Burnett, Julie Dash y Haile Gerima. Eso cambió el mundo para mí, no solo que hicieron películas, sino que hicieron películas que fueron indispensables para ellos. 

Young conversa con el director Denis Villeneuve en el rodaje de “Arrival” (Llegada), 2016. (Fotografía de la unidad de Jan Thijs, cortesía de Paramount Pictures).

Haile Gerima, cineasta y profesor de la Universidad de Howard. (Vía Facebook)

Pero también quiero dejar claro que mi existencia como cineasta fue totalmente habilitada por mis dos hermanas. Incluso cuando era solo algo en mi imaginación, me permitieron ir allí. Pero eso también significó, para mi cerebro particular de 18 años, ese cerebro de lagarto, tuve que dejar ir a mi familia por un tiempo. Tuve que mudarme e ir a la universidad, con el apoyo de mis hermanas, para encontrar una nueva familia. Las personas que encontré no eran mi familia de sangre, sino mi familia creadora de arte, y las encontré en Howard. Hay demasiados para nombrar, pero la persona que nos contuvo fue el Sr. Haile Gerima.

Lo que tenía que hacer era complementar la voz fuerte, muy racial, presente y pragmática de mi abuelo, el Sr. Woodford Porter, con otra voz fuerte similar: la del Sr. Haile Gerima. Necesitaba esa sabiduría enriquecedora en la realización cinematográfica, que no pude obtener de mi familia, de alguien que validara lo que quería reclamar. Quería ser artista y necesitaba a alguien que me guiara con ese pragmatismo abuelo, pero [con] un espíritu libre. Necesitaba que alguien me dijera: “Vas a ser un artista; vas a hacer películas». Una vez que lo conocí, pude reclamar ese bolso y perseguir esta forma de arte de una manera receptiva y responsable con mi comunidad, específicamente, la comunidad negra. La comunidad africana de la diáspora. Eso fue clave.