Hace unos pocos años recibí una llamada de un director con el cual habíamos colaborado en una película independiente, un proyecto que tuvo por supuesto ciertas comodidades presupuestarias de salarios, equipo técnico y de rodaje. Era la ópera prima del director, pero este tenía un buen currículum dirigiendo escena, su familiaridad con el teatro fue importante, aunque no práctica. Sin embargo, nos lo pasamos muy bien haciendo la película, y resultó en un esfuerzo creativo particularmente valioso.
Arranqué disfrutándolo desde el inicio en preproducción, donde se discutió el estilo y el tono hasta que las velas no ardan. Los scouting de locaciones habían sido gratificantes, ya que el director estaba abierto a mis comentarios sobre beneficios prácticos y el look de cada lugar. Hicimos pruebas y tuvimos a disposición una suite de Grading para crear las LUT para la película, y decidimos favorecer los lentes de gran angular mientras discutíamos la sensaciones inmersivas y dinámicas que nos provocaban los primeros planos sobre los rostros de los actores.
Una vez finalizada la producción, dimos los toques finales a la película en la suite de color y luego pasé al siguiente proyecto. Entonces, cuando el director me llamó, me emocionó escuchar que la película había sido invitada a un pequeño pero prestigioso festival de cine. Continuó diciéndome que le habían pedido que yo asista, pero desafortunadamente no pudieron proporcionarle viaje ni alojamiento al director de fotografía. Sin embargo, sugirió que sería fantástico si pudiera ir de todos modos, especialmente teniendo en cuenta nuestra estrecha colaboración.
Así que fui un par de semanas más tarde, emocionado y colmado de esperanza de que por fin habría algún reconocimiento de nuestro arduo trabajo.
Intenté reservar una habitación en el hotel del director, pero las tarifas eran prohibitivas debido al festival, así que encontré un alojamiento modesto a pocos kilómetros de la ciudad. Me tomé un Uber para ir al estreno, pero, por supuesto, el modesto Uber no tenía permitido dejarme en el frente del teatro. Mientras caminaba desde el auto hasta el lugar del evento vi al director llegar en su 4×4 negra, desde el cual fue llevado rápidamente a la alfombra roja de la sala de cine. Treinta minutos más tarde, entré con el resto de la audiencia. Me senté en la primera fila y me dijeron que podría haber algunas preguntas de la audiencia durante el debate previo a la proyección.
Hubo un gran aplauso cuando el conductor del festival, un destacado crítico de cine, invitó al director del film al escenario. Al principio, hablaron sobre lo que había inspirado al director a tomar este guión. Pero luego, cuando la conversación cambió al lenguaje cinematográfico (el aspecto y el tono de la película) y el director comenzó a compartir sus intenciones, me pregunté si estaba en el teatro equivocado. De lo que él habló no tuvo nada que ver con nuestra colaboración intensiva en la preparación, nuestras discusiones filosóficas en el set o la expresión de nuestras sensaciones sobre el color y la densidad durante la postproducción. Hizo referencia al drama y la literatura que nunca habíamos considerado. Y cuando llegó el momento, habló sobre Basquiat y Rembrandt, una pareja rara por lo menos, dos artistas que nunca habíamos nombrado.
Fue entonces cuando me di cuenta de que no se refería a “nosotros” o “nuestra”, sino simplemente a “yo” o “mi”.
De la nada, el director me señaló en la primera fila, presentándome como “mi director de fotografía”. Después de un breve reconocimiento de la audiencia, el moderador preguntó si había alguna pregunta para el director de fotografía. Había una: “¿Qué cámara usaste?” Me quedé sin palabras. Un pensamiento corrió por mi cabeza: “Qué irrelevante”, pero mi pensamiento evitó ser vocalizado cuando el conductor interrumpió para anunciar que, por motivos de tiempo, teníamos que comenzar a proyectar la película.
Inmediatamente una agradable y confortable oscuridad descendió sobre el teatro. Aliviado, me dejé caer en mi asiento. Pero luego, en la pantalla que estaba a solo dos metros de distancia sobre mi cabeza, el primer título apareció en la oscuridad: “UNA PELÍCULA DE …”
Hace poco más de 100 años, en 1915, el icónico cineasta estadounidense D.W. Griffith (con el director de fotografía Billy Bitzer, ASC al mando de su cámara Pathé) afirmó en los créditos de “El nacimiento de una nación” que la película era “una película de” nada menos que él mismo. Fue la primera aparición de lo que ahora se conoce comúnmente como un “crédito de vanidad”. Como Margaret Heidenry escribió para Vanity Fair en 2015, la práctica se ha convertido en “una fuente continua de conflicto de plató de exteriores entre directores y casi todos los demás cuyos nombres se desplazarán en el rol final de una película. Cuando un director califica una película como suya, el argumento se perpetúa: él o ella desmerecen las contribuciones creativas de 500 profesionales entre elenco y miembros del equipo, rebajando a todos a una simple imagen mediocre al tiempo que alzan su propio estatus”.
Probablemente no sea una coincidencia que ASC se fundó hace 100 años, cuando el debate sobre el “crédito de vanidad” estaba empezando a molestar. Nuestros fundadores en la formación de la Sociedad estaban muy preocupados por el papel del “camarógrafo”, tal como se mencionaba en aquellos días. Buscaron un reconocimiento artístico y se esforzaron por educar al mundo en que un director de fotografía no era solo un técnico con una cámara, sino un artista visual que contribuía a la narración real. Y así fue como nuestra Sociedad se fundó como la Sociedad Americana de Cineastas (cinematographers), y no la Sociedad Americana de Camarógrafos.
En su artículo de Vanity Fair, Heidenry continuó: “Un director que estampa su ADN creativo en todo, desde el vestuario de una película hasta la cinematografía, disminuye el medio inherentemente sinérgico del cine representado por los otros 13 gremios y sindicatos de la industria”.
En particular, el Gremio de Escritores ha estado más o menos abiertamente en guerra por el crédito de vanidad esencialmente desde su primera aparición. En 1966, la WGA y la Alianza de Productores de Películas y Televisión forjaron un acuerdo por el cual un director sólo podía reclamar el crédito de vanidad si él o ella también habían escrito el guión; El rechazo de los directores fue inmediato y vehemente, y el fallo fue abandonado. Siguieron más batallas y, luego, en 2004, el Gremio de Directores aceptó sus propias pautas para el crédito, pautas que también definieron como “no vinculantes”.
Entonces, después de un siglo de debates y discusiones, los escritores y cineastas siguen encontrándose en la misma incómoda posición. Considere los deberes del director de fotografía como se señala en la mayoría de los foros públicos, Wikipedia por ejemplo: “Un director de fotografía o Cineasta es el jefe de cámara y equipos de iluminación que trabajan en una película, producción de televisión u otra pieza de acción en vivo, y es responsable de tomar decisiones artísticas y técnicas relacionadas con la imagen”.
Wikipedia continúa con una observación significativa: “El director de fotografía o cineasta selecciona la cámara, el material de película, las lentes, los filtros, etc., para realizar la escena de acuerdo con las intenciones del director. Las relaciones entre el director de fotografía y el director varían. En algunos casos, el director permitirá al cineasta independizarse completamente; en otros, el director permite poco o nada, incluso llegando a especificar la ubicación exacta de la cámara y la selección de la lente. Este nivel de participación no es común una vez que el director y el director de fotografía se sienten cómodos entre sí; El director generalmente transmitirá visualmente al director de fotografía lo que se quiere de una escena y le permitirá al director de fotografía libertad para lograr ese cometido”.
Lo que se destaca de todo esto es que el significado de “colaboración” se aplica de forma selectiva. En el principio de un proyecto la colaboración entre director y cineasta surge de manera natural, pero suele erosionarse en la postproducción y difusión del proyecto. Francamente, no tengo conocimiento de que los directores de fotografía traten de obtener el crédito de los directores, pero ocurre que los directores extraen los créditos de los directores de fotografía, incluso con el crédito “película de”.
Hoy en día, cada vez más directores están fotografiando sus propias películas, y el crédito de posesión parece ser tan popular como siempre. Steven Soderbergh ha estado fotografiando durante mucho tiempo sus propias películas, pero en su caso, no solo se ha mantenido alejado de reclamar “una película”, sino que ha sido un opositor vocal de ese título. El cine, argumenta, es un medio de colaboración donde todos los que trabajan en él forman parte del proceso. “Una película de” es un crédito destructivo, vanidoso. No podría estar más de acuerdo.
Revista ADF
Abril 2019