Lachlan Milne ACS NZCS

BRITISCH CINEMATOGRAPHER – “Minari. Historia de mi familia”

Enraizado en la realidad

Por Zoe Mutter 

 

Los recuerdos personales y las tiernas instantáneas de la vida familiar se capturan con gracia y compasión en Minari, una historia semiautobiográfica de una familia coreanoamericana que hace valientes sacrificios en la búsqueda de una vida mejor.

Lachlan Milne ACS NZCS estaba terminando el último día de filmación de acción y aventura Love and Monsters en Queensland cuando recibió la llamada de su agente, rebosante de emoción ante la perspectiva de la próxima producción del director de fotografía australiano. “Esto es lo mejor que he leído en mucho tiempo. Por favor, no hagas nada esta noche más que leer el guión de Minari”, instaron.

Con su título derivado de la resistente hierba coreana que florece en la naturaleza, el drama Minari sigue a una familia coreano-estadounidense que se mudó de California para tratar de establecer una granja y una vida mejor en la Arkansas rural de los años 80. A través de la sincera historia de esperanza, determinación, conexión familiar y choque cultural, vemos a Jacob Yi (Steven Yeun) esforzarse por superar los obstáculos en un intento por lograr el sueño americano de su esposa Mónica (Yeri Han) y sus hijos David y Anne.

Una película profundamente personal para el escritor y director Lee Isaac Chung, muchos momentos de Minari se sacan de sus recuerdos de la infancia. Desde el exuberante entorno verde hasta los detalles íntimos de la vida familiar, fragmentos de los primeros años de Chung se retratan con una ternura rica y mágica, reflejada en las experiencias de David (Alan Kim), de siete años. Por ejemplo, cuando Chung emigró con su familia cuando era niño, su abuela plantó semillas de Minari, al igual que la extravagante y libre abuela de David, Soonja (Youn Youh-jung) en la película.

Minari está mostrado desde el punto de vista de David, por lo que el DF Milne quería que David esté tomado desde abajo. (Crédito: Melissa Lukenbaugh/A24)

“Mi agente tenía razón; inmediatamente me enamoré de la historia. Era exactamente el tipo de guión que estaba esperando. Una vez que hablé con Isaac sobre el tono de la película, estaba claro que quería hacerla exactamente de la manera en que imaginaba filmarla”, dice Milne (Hunt for the Wilderpeople, Stranger Things, Little Monsters, Next Goal Wins).

“Una de mis primeras preguntas para Isaac fue si quería que Minari se sintiera como una serie de recuerdos instantáneos. ¿Quería que se sintiera como lo recordaba de niño? Si bien no recuerdas realmente los detalles de cómo era tener siete años, recuerdas un tono, una idea o un olor. Así que fue así como nos acercamos a hacer la película: en lugar de ser exactamente lo que sucedió, usamos un poco de licencia creativa en el interés de la historia, pero realmente nos enfocamos en el tono de las escenas».

Fui un verdadero defensor de tratar de mantenerme amplio y ser bastante simple fotográficamente mientras lo trataba como una imagen de actuación en conjunto. Solo pasaríamos a un primer plano cuando fuera importante para la historia – Lachlan Milne ACS NZCS

Fascinado por el poder de la edición en el proceso de realización de películas, Milne se concentró en el ritmo editorial desde las etapas iniciales de planificación y consideró cómo el editor Harry Yoon podría ayudar a dar forma a cada escena. “Me encanta abordar el rodaje desde un ángulo editorial y eso también habló con Isaac. Sentí firmemente que debería ser una película de una sola cámara y después del primer día, cuando vimos la conexión natural entre el elenco, fui un verdadero defensor de tratar de mantenerme amplio y ser bastante simple fotográficamente mientras lo trataba como una imagen de actuación de conjunto. Solo pasaríamos a un primer plano cuando fuera importante para la historia».

Los conceptos musicales del compositor Emile Mosseri están disponibles para Milne desde la etapa de preproducción, actuando como un valioso recurso creativo durante la formación del compositor y la sensación de la película e informando parte del encuadre. «Nunca he trabajado en una película en la que haya tenido música temporal por adelantado y fue tan útil», dice. “La música te dice cómo debes sentirte en un momento determinado. Si hay un componente de montaje en una película, siempre le pregunto al director qué tipo de partitura musical tienen en mente porque puede influir en cómo fotografías algo».

Shoplifters (2018) de Hirokazu Kore-eda y Burning (2018) de Lee Chang-dong se encontraban entre las películas en las que Milne y Chung se inspiraron, especialmente en su enfoque para capturar actuaciones de conjuntos. “El aspecto familiar y el concepto de Shoplifters son geniales y me encanta lo simple que es la cobertura. En Burning hay excelentes tomas largas o tiros largos en los que la gente entra y sale. Me encanta darles a los actores la libertad de actuar en el lugar de saltar editorialmente, manteniéndolos en un momento más observado en vivo. Isaac estuvo de acuerdo, así que ambos nos aferramos a la misma dirección tonal».

TENER RECURSOS

Filmado durante 25 días en julio de 2019, en Tulsa, Oklahoma, el equipo trabajó durante el verano y las temperaturas en los 30 grados. La mayor parte de la acción se desarrolla dentro del tráiler, el nuevo hogar de la familia, o en las tierras de cultivo que han comprado. “El presupuesto no permitirá la construcción de decorados, por lo que todas las tomas del tráiler se filmaron bajo el sol radiante en un tráiler real en la granja”, dice Milne.   

Director de fotografía Lachlan Milne ACS NZCS (Crédito: Melissa Lukenbaugh) 

“Como cualquier película independiente, los principales desafíos son el tiempo y el dinero, por lo que debes ser ingenioso e inteligente. Estaba rodeado de un pequeño equipo tan dispuesto e increíblemente dedicado. Dentro de mi excepcional departamento de cámaras, trabajé por primera vez con el equipo de foquistas, hermano y hermana, Jon y Jamie Roman. Fueron tan solidarios y trabajaron increíblemente duro, merecen ser reconocidos por su esfuerzo”.

El diseñador de producción Yong Ok Lee comenzó los preparativos y la búsqueda del tráiler del período perfecto, dos semanas antes de la preproducción de cuatro semanas de Milne. Como Minari es un drama de mediados de la década de 1980 y gran parte de la película se filmaría en el tráiler, tenía que ser específico para un período sin dejar de parecer relativamente nueva. “Yong, que es surcoreano de nacimiento, vistió el tráiler antiguo que compramos para que pareciera auténtico. Muchos de mis amigos surcoreanos que tenían alrededor de la edad de Isaac cuando se ambienta la película comentaron sobre el diseño de producción de Yong y cómo los detalles son coreanos, lo que ayuda a fundamentar y legitimar la película”, dice Milne.  

También elegí confiar en una gran cantidad de iluminación práctica porque quería que el interior del remolque tuviera una sensación más cálida y hogareña que contrastara con lo brutales y expuestas que eran las escenas diurnas de exteriores – Lachlan Milne ACS NZCS

El director de fotografía habló extensamente con Chung sobre la mejor manera de filmar lo más amplio posible para maximizar el ancho adicional que ofrecía la relación de aspecto elegida de 2,39. Al capturar tomas amplias en el remolque, que tenía paredes fijas y solo dos puntos de acceso, había poco espacio para el equipo. Milne confiaba en una gran cantidad de iluminación práctica y, a menudo, colocaba la cámara en la entrada para lograr el resultado visual deseado. “También elegí confiar en mucha iluminación práctica porque quería que el interior del remolque tuviera una sensación más cálida y hogareña que contrastara con lo brutales y expuestas que eran las escenas diurnas de exteriores. No iba a controlar la iluminación de ninguna toma exterior ya que quería que se sintiera tan duro y caliente como era, para ayudar a vender la prueba y atormentar a Jacob por intentar crear una vida mejor para su familia».

Él agrega. El Gaffer Steve Mathis (El amanecer del planeta de los simios, Romeo + Julieta, Moulin Rouge) fue un “maravilloso colaborador” durante este proceso. “Ha trabajado en películas de gran presupuesto, pero sabíamos que este sería un paquete de iluminación mucho más sencillo y modesto. Steve aceptó el desafío y presentó muchas ideas geniales para los accesorios que se adaptarían a la escala de la producción, incluida la fijación de la cinta luminosa bicolor LiteGear en las luces prácticas y debajo de los gabinetes en el remolque.  

“No puedo hablar lo suficiente de la tecnología LED – las luminarias bicolores son tan pequeñas, pueden ser alimentadas por baterías, recableadas y escondidas dentro de las pantallas de las lámparas si las lámparas no son lo suficientemente brillantes, lo cual fue un verdadero salvavidas. El contraste de color es una gran herramienta emotiva para los directores de fotografía, especialmente cuando se trabaja con iluminación práctica en ubicaciones de casas en una película de la década de 1980 como esta, y se utilizan tubos de fluoro, bombillas de tungsteno, y luces exteriores de sodio».

Queriendo que la casa rodante se sintiera más relajante que las tomas exteriores más duras y blanqueadas, Milne discutió su visión con el colorista de Fotokem David Cole y creó dos LUT: una LUT exterior con negros levantados y el color ligeramente bajado y una LUT interior con los reflejos. tirado hacia abajo, con un contraste más suave y más calidez.

Al capturar tomas amplias en el tráiler, que tenía paredes fijas y solo dos puntos de acceso, había poco espacio para el kit (Crédito: Melissa Lukenbaugh) 

“Estos se utilizan como punto de partida para mis conversaciones de clasificación con Dave, quien adopta un maravilloso enfoque centrado en la historia para calibrar. Teníamos conversaciones sobre cómo queríamos que se sintiera una escena y por qué se filmó de cierta manera y él interpretaba esa conversación en su trabajo».

Debido a la cantidad de escenas que se desarrollan dentro de los límites del tráiler, Milne quería abrir la película tanto como fuera posible en las secuencias exteriores en los exuberantes paisajes verdes, bañados por un sol abrasador. “Esto le da a la audiencia un poco de espacio para respirar, una idea de escala y alcance, destacando la gigantesca y casi imposible tarea que le espera a Jacob. Ves esta extensión interminable de campo en contraste con el hombre que está tratando de ararlo y desarrollar su granja. Como hacía tanto calor, la calidad de la luz era bastante desafortunada desde el punto de vista fotográfico, pero sentí que, si empezábamos a dar forma o difundir algo, se convertiría en una película diferente, demasiado esculpida y pulida».

CAPTURA DE ACTUACIONES HONESTAS

Milne grabo con su cámara de elección probada y confiable, la ARRI Alexa Mini, y lentes prime Panavision PVintage. “Sabía que la mayor parte de la película se colocaría en el rango de 24 mm a 35 mm y la familia de lentes PVintage ofrece grandes distancias focales. Es un cristal más antiguo y rápido, y fue perfecto para la sensación que buscábamos. También me gusta la disponibilidad y la velocidad de los objetivos al grabar 2,39, mi relación de aspecto favorita, que era importante tener en cuenta cuando sabía que quería trabajar y encender rápidamente dadas las limitaciones de tiempo”, explica.

“La naturaleza de enfoque cercano de las lentes anamórficas tampoco te lleva a donde necesitas estar cuando estás filmando niños que a menudo hacen cosas impredecibles. Eso es lo maravilloso de esas escenas más francas, especialmente si estás filmando en la computadora de mano».

Al filmar momentos selectos en la computadora de mano, Milne quería ser más libre en su movimiento para capturar actuaciones honestas, lo que a su vez hacía que Minari se sintiera más observado, crudo y vivo en lugar de demasiado compuesto. “Trato de no limitar a los actores, especialmente a los niños, si puedo evitarlo porque entonces le haces un flaco favor a la película, más aún si estás tratando de transmitir honestidad. Debes ser capaz de ser reactivo y adaptativo, por lo que en muchas de las escenas en las que David estaba, simplemente lo seguía en todo lo que hacía».  

Con el objetivo de agregar un sentido de perspectiva único a cada toma, Milne incorpora la profundidad con cuidado. Si los actores están en segundo plano, intenta introducir un elemento en primer plano para que actúe como separación. Minari es importante desde el punto de vista de David y uno de sus atributos principales es lo pequeño que es, por lo que Milne quería que el hecho de que David estuviera más cerca del suelo tuviera en cuenta las imágenes. “Quería llevar el concepto de instantáneas desde la perspectiva de un niño a la película, a menudo filmando desde un ángulo bajo y a través del césped, inmerso en el entorno”.

El tiempo más limitado con el talentoso actor infantil Alan Kim en comparación con el elenco adulto también se tuvo en cuenta en la preparación. “Está en casi todas las escenas. Si programamos una jornada de 12 horas, es posible que solo tengamos seis horas con Alan, por lo que debemos pensar detenidamente en bloquear algunas escenas, ubicar a los adultos en un extremo del tráiler ya él en el otro extremo, fuera de cámara».

Minari está predominantemente en coreano y es la primera película en idioma extranjero que ha rodado Milne. Le exigió que considerara su enfoque para filmar diálogos que no estaban en su lengua materna. “Pensé que podría ser un obstáculo que solo había leído el guión en inglés y luego estaría filmando algunas escenas en la computadora de mano, rebotando entre dos personas que tenían una conversación en coreano. Al final, no importó tanto como esperaba, y seguí una fisicalidad instintiva de las escenas, sabiendo cuál debería ser el tono por haber visto el guión escrito en inglés. Escuchaba las palabras claves que entendía para saber cuándo cortar entre los personajes».

La experiencia de filmar una secuencia «hermosa» y llena de diálogos entre Jacob y Mónica, después de visitar el tendero coreano para vender sus productos, fue una lección poderosa en el arte de la interpretación para Milne. “No se trataba necesariamente de la fotografía. Me encantó operar cámara en esa escena y ser la persona más cercana al talentoso elenco, ver cómo sucedía en vivo y luego ver cómo terminó editorialmente en el corte final».

Para el crescendo de Minari, una secuencia de fuego cargada de emociones, Milne era consciente de que solo debería tener una pequeña ventana de tiempo para grabar y la sensación manual le permitiría filmar una variedad de ángulos de forma rápida y sin ataduras.

Para el crescendo de Minari, el granero fue quemado hasta los cimientos de verdad en lugar de depender de los efectos visuales (Crédito: Melissa Lukenbaugh) 

“Me encanta la combinación de imágenes, música, edición y la escala de esa escena y lo que significa para los personajes. El mayor desafío fue convencer a todos de que deberíamos incendiar el granero de verdad, ya que esta no era una película de gran presupuesto”, dice. “Isaac y yo realmente presionamos para hacerlo en cámara en lugar de a través de efectos visuales, ya que fue el clímax emocional de la película, el momento trágico en el que dos personas se sientan frente a un infierno y ven todo lo que invirtieron su tiempo en arder en llamas. No se sintiera decepcionada por esa secuencia y sabíamos que los actores se beneficiarían de que fuera real en el lugar de estar frente a una pantalla azul».

La escena del granero en llamas se filmó durante dos noches: la primera noche dedicada a capturar las imágenes fuera del fuego, las actuaciones y las tomas del automóvil iluminado para que parezca que hubo un incendio fuera de cámara. Las escenas de incendios interiores se rodaron en la segunda noche usando barras de fuego y fuego controladora antes de capturar tomas exteriores del granero que se incendió en el suelo. 

Comencé a escuchar lo que parecía un llanto, así que me acerqué a [Steven Yeun y Yeri Han], me di la vuelta y ambos estaban llorando, emoción pura y natural – Lachlan Milne ACS NZCS

“Quería poder tener una lente y correr mientras el fuego crecía, filmando desde una variedad de ángulos, así que tomé una cámara con una lente de 29 mm para mantenerlo un encuadre amplio. El fuego comenzó relativamente tranquilo, pero se intensificó rápidamente y seguí rodando, filmando a Yeri y Steven y alejándolos del fuego por seguridad. Luego, nos retiramos a una toma amplia y capturamos este hermoso momento cuando están en silueta frente al imponente infierno. Comencé a escuchar lo que parecía un llanto, así que me acerqué a ellos, me di la vuelta y ambos estaban llorando: emoción pura y natural. Mientras filmamos esa escena hacia el final, todos estaban tan interesados ​​que se sintieron como un verdadero alivio para ellos, lo que hace que esa escena sea aún más poderosa. Esta fue una lección valiosa en la realización de películas: si puede presentar un escenario lo más realista posible, solo beneficiará a la producción. Fue un verdadero regalo para la actuación poder ver el granero en llamas»

La magia de Minari también radica en su sencillez y “lo que no teníamos”, según el director de fotografía. “Me encanta lo moderados que fuimos en las tomas cobertura de la película. Si eres valiente, comprometido y todos en la misma página sobre cómo quieres que se sienta la película, entonces no creo que sea necesario una toma cobertura adicional. Intento mantenerme fiel a eso en mi trabajo y tener claro el tema de tomas cobertura porque a veces menos es mucho más. Y debido a que se trataba de una película de bajo presupuesto, no utilizamos grúas o cobertura de múltiples cámaras, que es una de las bellezas de Minari: lo honesta que se siente y lo simple y pura que es fotográficamente».