Love Languages presenta seis retratos íntimos de hombres negros británicos que comparten sus experiencias personales de amor y pérdida en su espacio seguro, una barbería afrocaribeña. El director del cortometraje documental, Jason Osborne, y la productora Precious Mahaga formaron parte de la generación ganadora de 2021, impresionando con su visión del tema: «Gran Bretaña no es aburrida y aquí hay una historia». Los ganadores recibieron financiación de hasta 40.000 libras para su película y pudieron beneficiarse de un programa de mentoría financiado por Netflix y WDW Entertainment.

El director de fotografía Olan Collardy filmó el documental final, le cuenta a British Cinematographer sobre su experiencia en el proyecto y comparte sus decisiones creativas y técnicas.

BRITISCH CINEMATOGRAPHER: Cuéntanos sobre tu camino hasta convertirte en director de fotografía. ¿Quién o qué te inspiró a trabajar en cine?

OLAN COLLARDY DF: Mi camino hasta convertirme en director de fotografía fue poco convencional, ya que inicialmente no estudié cine ni tuve formación académica en cinematografía. Estudié informática y trabajé en finanzas durante varios años, pero siempre me apasionaron las actividades creativas como el dibujo, la pintura, la música, la escritura y el diseño de interiores.

De niño y adolescente, pasé mucho tiempo experimentando con diferentes formas de arte visual y narrativa, y siempre me fascinó cómo la luz y la composición pueden usarse para crear estados de ánimo y emociones. Sin embargo, no fue hasta más tarde en mi vida que decidí cambiar de carrera y dedicarme a mi pasión, el cine.

Fue una combinación de factores lo que me inspiró a dar el salto. Primero, me di cuenta de que mi carrera anterior no me satisfacía del todo y quería hacer algo que me permitiera usar mis habilidades creativas y, lo más importante, forjar relaciones significativas con la gente, creando historias significativas y generando un impacto positivo en la comunidad a diario. Segundo, me inspiraron algunas películas y cineastas increíbles a lo largo del camino y estaba convencido de que podía hacer algo similar. Así que empecé a aprender sobre el arte, la artesanía y la cinematografía, lo que finalmente me llevó a la cinematografía, donde sentí que mi sensibilidad era la más adecuada. Fue un proceso desafiante, pero estaba decidido a lograrlo, y con trabajo duro, dedicación y mucho aprendizaje en el trabajo, pude forjarme una carrera como director de fotografía. Fue un camino largo y sinuoso, pero estoy agradecido por el recorrido y me siento increíblemente afortunado de poder hacer algo que me apasiona cada día.

El director de fotografía Olan Collardy (derecha) en acción (Crédito: Cortesía de Netflix)

BRITISCH CINEMATOGRAPHER: ¿Cómo te involucraste con Love Languages y qué te entusiasmó del proyecto?

OLAN COLLARDY DF: Como director de fotografía, siempre busco proyectos que conecten con el espíritu de la época, que aporten un comentario y que influyan en la cultura y la sociedad en relación con el tema. El proyecto me llamó la atención inicialmente a través de un colega, Steven Eniraiyetan, quien trabajaba en los cierres con Jason en ese momento, y pensó que yo encajaría a la perfección. Precious Mahaga, la productora, posteriormente me contactó formalmente para que me uniera al proyecto como director de fotografía. Fue entonces cuando me reuní con el director, Jason Osbourne, para hablar del proyecto. Lo que me entusiasmó fue la oportunidad de abordar un tema que se debatía con fuerza en el espacio físico donde se filmaría. La yuxtaposición de un tema tan delicado y un espacio que rezumaba tanta bravuconería masculina fue cautivadora. ¿Cómo podríamos usar la narrativa visual para crear un mundo y una sensación que cautivara a nuestra audiencia y ayudar a concienciar sobre la importancia de comprender y celebrar las diferentes maneras en que las personas expresan y reciben amor? Me atrajo especialmente la misión del proyecto de fomentar una mayor empatía y comprensión entre los hombres, y me entusiasmó formar parte de la creación de algo que pudiera marcar una verdadera diferencia en la vida de las personas.

BRITISCH CINEMATOGRAPHER: Cuéntanos sobre tus conversaciones iniciales con Jason y Precious. ¿Qué opinaron sobre la estética de la película y qué nuevas ideas y perspectivas aportaste a la conversación?

OLAN COLLARDY DF: Jason quería capturar la verdadera esencia de la cultura de barbería afrocaribeña en Londres rodando en exteriores, en lugar de en un estudio. Quería que la película no solo fuera auténtica, sino que también evocara una sensación de calidez y confort tanto para el espectador como para los participantes que compartían sus historias íntimas. Sabía que rodar en una locación pequeña con múltiples cámaras y adaptar la iluminación sería un reto, pero también sabía que la propia locación desempeñaría un papel vital en la formación de la película, guiándonos sobre cómo iluminar y dónde colocar la cámara.

Para aprovechar al máximo esta oportunidad, hablamos sobre el uso de elementos como el dispositivo EyeDirect [diseñado para colocarse frente a la cámara y garantizar el contacto visual entre el entrevistado y el objetivo] y la grabación controlada con trípodes para crear una conexión más profunda entre los participantes y el espectador. También planeamos usar tomas insertadas para conectar las escenas en la edición, y yo estaba decidido a encontrar la locación perfecta que sirviera como personaje y lienzo para contar la historia de forma impactante y hermosa. Al optar por una locación con textura y paredes más oscuras, podríamos destacar a los participantes y dar vida a la historia de forma tridimensional.

BRITISCH CINEMATOGRAPHER: ¿Había alguna referencia creativa que mencionaras al definir tu enfoque de Love Languages? En general, ¿hay algún director de fotografía u otro creativo en particular que inspire tu enfoque cinematográfico?

OLAN COLLARDY DF: En cuanto a las referencias visuales para nuestro proyecto, no queríamos ser demasiado específicos ni restrictivos. En cambio, nos centramos en crear una sensación y un tono a través de la fotografía. Queríamos jugar con el equilibrio entre una cámara mesurada y compuesta, a la vez que le infundíamos una sensación de energía dinámica. Quería emplear la luz y la sombra, jugando con los contrastes para añadir profundidad y atmósfera a nuestras imágenes.

Mi enfoque de la iluminación cinematográfica está fuertemente influenciado por las técnicas empleadas por los pintores holandeses del Siglo de Oro, en particular por su forma de representar la luz natural que incide en los espacios y el uso de texturas en sus pinturas. Me inspiro en cómo estos pintores lograron transmitir una sensación de realismo y atmósfera mediante el uso de la luz y la sombra.

Además de esto, también estoy muy influenciado por el trabajo de directores de fotografía contemporáneos como Bradford Young ASC y Harris Savides ASC, conocidos por su intenso uso de las sombras. Considero que este enfoque de la iluminación es particularmente efectivo para crear profundidad y atmósfera en una escena.

La combinación de luz, espacios y textura es lo que realmente busco en mi trabajo para crear imágenes que evoquen sentimientos. Me esfuerzo por crear una sensación de realismo y atmósfera utilizando la luz natural y las texturas para realzar la atmósfera de la escena. En general, mi objetivo es crear imágenes que no solo sean visualmente impactantes, sino que también tengan una profunda resonancia emocional.

No entramos en detalles sobre las referencias visuales. Para nosotros, se trataba más de crear una sensación y un tono con la fotografía. Queríamos jugar con una cámara mesurada y objetiva, a la vez que dinámica, sobre todo en la superposición y la composición dentro del encuadre.

BRITISCH CINEMATOGRAPHER: ¿Dónde se filmó el documental y cuáles fueron los desafíos de la ubicación desde una perspectiva cinematográfica?

OLAN COLLARDY DF: Para preparar nuestro proyecto, dedicamos varios días a explorar ubicaciones, buscando un espacio que fuera adecuado para todos los departamentos. Si bien algunas ubicaciones ofrecían mucho espacio, presentaban limitaciones como una paleta de colores o un control de iluminación limitados. Otras tenían la estética adecuada, pero resultaban poco prácticas para fotografiar e iluminar debido a la falta de espacio. Después de mucha consideración, finalmente nos decidimos por una barbería en Brixton, ya que proporcionaba un punto medio entre el espacio para disparar varias cámaras, no requería mucha remodelación para crear la atmósfera deseada y tenía techos lo suficientemente altos como para permitirnos usar iluminación para una cámara de 360 grados.

El principal reto al que nos enfrentamos fue encontrar la manera de iluminar el espacio para que la cámara pudiera moverse con libertad y rapidez. Con solo dos días de entrevistas y un día de conversaciones grupales, el tiempo era crucial. Dado que la peluquería era bastante estrecha, nos centramos en capturar la profundidad durante las entrevistas y utilizamos la iluminación del espejo para realzar la textura.

Para las conversaciones grupales, buscamos crear la ilusión de profundidad enfocando las paredes más oscuras y colocando nuestras cámaras en la periferia de los participantes. Para asegurar una cobertura adecuada, giramos las cámaras durante las entrevistas.

Love Languages se filmó con la Sony FX9 (Crédito: Cortesía de Netflix)

BRITISCH CINEMATOGRAPHER: ¿Qué cámara elegiste y qué la hizo especialmente adecuada para Love Languages? Lo mismo con tu elección de lentes. ¿Qué look buscabas lograr con ellos?

OLAN COLLARDY DF: A la hora de seleccionar el sistema de cámaras para nuestro proyecto, inicialmente me propuse grabar con cámaras ARRI porque me encanta su sensor y la forma en que captura hermosos tonos de piel. El sensor ARRI tiene fama de producir tonos de piel naturales, orgánicos y precisos, algo crucial para mí como director de fotografía. Sin embargo, Jason estaba interesado en lograr la máxima resolución de imagen posible, 4K, ya que es un requisito para Netflix. Desafortunadamente, las únicas cámaras ARRI ALEXA con captura nativa en 4K en ese momento eran la Mini LF y la ALEXA 65, que estaban fuera de nuestro presupuesto para el proyecto.

Tuve que considerar otros sistemas de cámara y recordé mi experiencia previa con la Sony FX9, cuando se lanzó por primera vez. Conocía el sensor y su comparación con la SONY VENICE, y me impresionó lo que vi. El sensor de la FX9 era muy similar al de la VENICE, y tener varias FX9 era mucho más económico que tener varias ALEXA Mini LF. Aunque podríamos haber usado el recorte Super35 en la Sony FX9, opté por fotografiar en gran formato y usar objetivos de gran formato. En concreto, usamos la Angénieux Type EZ 1 y un objetivo Fujinon S35 de 19-90 mm, un zoom muy versátil y atractivo que uso mucho. Para las entrevistas con nuestros colaboradores, usamos unas Canon Sumir.

La casa de alquiler Shift4 nos proporcionó un paquete de alquiler completo y generoso que incluía tres Sony FX9, un juego de lentes fijas Canon Sumires, un Angénieux Type EZ 1 para FF/VistaVision y S35, y un Fujinon Cabrio 19-90 mm T2.9, por lo que quedamos muy agradecidos. A pesar de las dificultades iniciales, logramos nuestro objetivo de capturar imágenes en 4K manteniendo los hermosos tonos de piel que buscaba, gracias al equipo proporcionado por Shift4.

BRITISCH CINEMATOGRAPHER: Cuéntenos más sobre su enfoque íntimo del encuadre y la composición.

OLAN COLLARDY DF: En cuanto a mi enfoque para la selección de lentes, me atrae especialmente la subjetividad que los teleobjetivos aportan a una imagen. El efecto de compresión que crea un teleobjetivo, fusionando el primer plano con un fondo bokeh pictórico, me resulta especialmente atractivo. Este enfoque resultó ser una situación beneficiosa para nuestro proyecto, ya que me permitió crear la intimidad necesaria, a la vez que creaba una sensación de expresionismo y profundidad en el espacio.

Durante las entrevistas con los colaboradores, solía fotografiar justo por debajo de la línea de visión para elevar al orador y dar más peso a sus palabras. Este enfoque ayudó a crear una sensación de importancia y énfasis en las palabras y emociones del sujeto. Además, el uso de un teleobjetivo ayudó a comprimir el espacio y desenfocar el fondo, enfatizando aún más al sujeto y sus palabras.

En general, mi uso de lentes largos fue una decisión consciente, orientada a crear una sensación de intimidad y expresionismo en el espacio, permitiéndome transmitir las emociones e ideas del proyecto con un fuerte lenguaje visual.

BRITISCH CINEMATOGRAPHER: Además, ¿Cómo intentaste capturar la sensación de la barbería como un espacio seguro en tus fotografías?

OLAN COLLARDY DF: La iluminación jugó un papel crucial para crear la sensación de un espacio seguro en nuestro proyecto. Decidí optar por colores cálidos, principalmente a través de la iluminación, utilizando bombillas de tungsteno y otras fuentes de luz. Esto ayudó a crear una atmósfera cálida y acogedora y marcó el tono del proyecto.

También era importante que la luz fuera suave y no demasiado intensa, ya que una luz intensa puede crear una sensación indeseada de dramatismo e intensidad. Para evitarlo, utilicé sombras suaves y fuentes de luz difusa, lo que contribuyó a crear una sensación de intimidad y calidez.

Como se mencionó anteriormente, el uso de lentes más largos para comprimir la imagen y disolver el ruido de fondo y las distracciones fue otra forma de fomentar una sensación de intimidad entre los participantes y el espectador. Esto contribuyó a crear una sensación de cercanía y conexión entre los participantes y el público. La puesta en escena y el encuadre de nuestra discusión grupal también fueron factores importantes a la hora de transmitir la sensación de seguridad y comunidad entre nuestros participantes. Me aseguré de tener una cámara para capturar momentos espontáneos de ellos riendo, sonriendo y disfrutando de la compañía mutua, ya que esto ayudó a crear una sensación de positividad y conexión entre nuestros sujetos. En general, la iluminación, la elección del objetivo, la puesta en escena y el encuadre fueron factores clave para crear una sensación de seguridad y comunidad en nuestro proyecto.

BRITISCH CINEMATOGRAPHER: Hablemos de iluminación: ¿Cuál fue tu enfoque general para iluminar a los sujetos?

OLAN COLLARDY DF: El enfoque general para la iluminación fue una configuración suave, cálida y controlada. El objetivo era minimizar el uso de lámparas de pie el día de la sesión, excepto durante las entrevistas. Reemplazamos las bombillas del espejo de la barbería por bombillas de bajo voltaje para evitar que se fundieran en cámara, ya que no teníamos control de atenuación.

Para motivar la fuente de luz de las bombillas, revestimos la pared sobre ellas con una serie de Litemats Litegear y los cubrimos con una capa de muselina cruda para romper el efecto digital de las fuentes de luz LED. Se instalaron Litemats adicionales en las esquinas de la tienda para proporcionar retroiluminación en todas las direcciones, que podía ajustarse según la dirección de la toma.

Para crear una luz ambiental base en el espacio, se instaló una Jem Ball de tungsteno 2k sobre el espacio donde tuvo lugar la conversación grupal, con un borde de Bolton negro para evitar que el derrame impactara contra las paredes. Esta fue la idea principal de la iluminación. Para las entrevistas, acentuamos la luz principal con un LiteMat o una Jem Ball y alternamos la dirección con cada participante, para que la iluminación fuera dinámica y no se sintiera monótona durante toda la película.

BRITISCH CINEMATOGRAPHER: ¿Cómo fue tu colaboración con el jefe de iluminación Vini Curtis y en qué consistió tu paquete de iluminación?

OLAN COLLARDY DF: Llevo varios años trabajando con Vini Curtis y tenemos una relación muy sólida. Él comprende perfectamente mi enfoque y sensibilidad en cuanto a la iluminación, y nuestra comunicación es muy fluida. Normalmente le doy un resumen general de lo que busco lograr y él puede explicarlo con detalle.

Aunque prefiero fotografiar con fuentes de luz de tungsteno, ambos entendemos la practicidad y flexibilidad que ofrecen las fuentes de luz LED. Para este proyecto, decidimos combinar fuentes de luz de tungsteno y LED para lograr el efecto deseado.

Nuestro paquete de iluminación LED consistió en un LiteGear LiteTile de 8×8, un LiteMat 4 Spectrum y un Litemat 3 Spectrum. También incluimos algunas bombillas Astera NYX. Nuestro paquete de tungsteno incluyó una Jem Ball de 2k, dos Source4 y un kit KFlect, que utilizo con Dedos para crear pequeños focos de luz y ventanas eléctricas. Esta combinación de fuentes de luz nos brindó la flexibilidad necesaria para lograr la estética deseada para el proyecto.

El proyecto fue calificado por Jonny Tully en CHEAT (Crédito: Cortesía de Netflix)

BRITISCH CINEMATOGRAPHER: Cuéntenos más sobre el enfoque colaborativo de la producción hacia la hermosa paleta de colores.

OLAN COLLARDY DF: La paleta de colores del proyecto fue algo que todo el equipo, incluyendo al director y al diseñador de producción, debatió y consideró cuidadosamente. Sabíamos que las paredes oscuras de la tienda proporcionarían un lienzo negro sobre el que construir, así que decidimos incorporar tonos cálidos y terrosos como rojos, naranjas y marrones a la escena. Estos colores combinaban a la perfección con los tonos de piel de nuestros sujetos y ayudaron a crear una atmósfera cálida y acogedora.

La iluminación cálida ayudó a integrar todos los tonos en una paleta cohesiva. Esto, combinado con el uso de una LUT integrada en la cámara, nos permitió crear una estética distintiva y cohesiva en el set, en lugar de intentar encontrarla en postproducción o durante el etalonaje. En general, la paleta de colores y la iluminación se diseñaron cuidadosamente para crear una atmósfera cálida, acogedora y cohesiva que evoca sensaciones de confort y seguridad.

BRITISCH CINEMATOGRAPHER: ¿Quién realizó la calificación y cuál fue su tarea?

OLAN COLLARDY DF: La corrección del proyecto estuvo a cargo de otro de mis colaboradores de toda la vida, Jonny Tully de CHEAT. Jonny es uno de los pocos coloristas en quienes confío para llevar mi trabajo al siguiente nivel sin necesidad de mucha instrucción ni supervisión. Para este proyecto, era importante para mí destacar las contribuciones de nuestros sujetos y hacer justicia a sus tonos de piel. Por eso supe que Jonny, conocido por su experiencia en hacer brillar los tonos de piel más oscuros, era la elección perfecta para la corrección.

La imagen que capturamos ese día era muy cálida, tal como pretendíamos inicialmente. Sin embargo, tras ver el primer borrador, sentí que debíamos reducir ligeramente la calidez para crear una separación de colores. Al añadir sombras más frías, logramos complementar los tonos cálidos de la piel y crear una imagen más dinámica y visualmente impactante. La experiencia y la atención al detalle de Jonny en el proceso de etalonaje nos ayudaron a lograr la estética deseada para el proyecto.

BRITISCH CINEMATOGRAPHER: ¿Cuál fue tu recuerdo favorito del proceso de producción?

OLAN COLLARDY DF: Uno de los momentos más memorables y significativos del proceso de producción fue escuchar las poderosas y valientes historias de nuestros colaboradores. Estas historias me recordaron la importancia del trabajo que realizamos en la industria cinematográfica y cómo podemos honrar y contar las historias de otros. Estas historias tienen el poder de brindar una luz de esperanza y ayudar a moldear sus percepciones sobre temas importantes. Escuchar cómo se recibieron estas historias y cómo impactaron la forma en que los espectadores entienden y perciben el amor en sus comunidades fue sumamente reconfortante. Fue una experiencia humilde formar parte de un proyecto que tuvo la capacidad de tocar la vida de las personas de una manera tan significativa. Fue un recordatorio del poder de la narración y el impacto que puede tener en la formación de actitudes y comprensión social. El proceso de capturar estas historias fue una experiencia sumamente gratificante, una que permanecerá conmigo mucho después de que el proyecto haya terminado.

BRITISCH CINEMATOGRAPHER: ¿Qué papel desempeñan programas como el Fondo de Talentos Documentales de Netflix en el apoyo al trabajo que realizas?

OLAN COLLARDY DF: El Fondo de Talento Documental de Netflix ofrece una oportunidad única para que los cineastas cuenten historias importantes y subrepresentadas sobre sus comunidades. Estas historias suelen pasar desapercibidas para los grandes medios de comunicación y los organismos de financiación debido a la falta de datos que respalden su audiencia potencial. Pero con el apoyo de este fondo, los cineastas pueden romper ese círculo vicioso y crear películas impactantes y significativas que se dirijan a las comunidades subrepresentadas.

Como director de fotografía, esta es una oportunidad para trabajar en historias que se alinean con mis valores y mi visión personal. Para colaborar con cineastas afines que se apasionan por marcar la diferencia con su trabajo. Es una oportunidad para usar mi talento para crear imágenes emotivas y evocadoras que den vida a estas historias de una manera nueva y poderosa.

El fondo me permite trascender los límites de lo posible y crear películas que no solo entretienen, sino que también inspiran y educan. Es una oportunidad para formar parte de algo más grande que yo, para ayudar a cambiar el mundo y la cultura a través de mi trabajo. Creo que este fondo puede abrir nuevas puertas a los cineastas, y me siento honrado de formar parte de él.