Alexis Kavyrchine habla sobre su aproximación a las diferentes épocas en “La Venue de Lavenir (Los colores del tiempo) de Cedric Klapsch.

Para “La Venue de l’avenir” (Colores del tiempo), su 15º largometraje, Cedric Klapsch, uno de los cineastas más queridos de Francia con siete películas que han atraído a más de un millón de espectadores, ha reunido un elenco repleto de estrellas. Narra la historia, un poco como un cuento de hadas, de una familia que revolotea brillantemente de una época a otra para abordar temas cercanos al corazón del cineasta: la transmisión y el legado.

El director de fotografía Alexis Kavyrchine, que ya ha trabajado con Cédric Klapisch en varias de sus películas, incluidas “Ce qui nous lie” (Regreso a Borgoña) y “En corps” (Auge), ha creado un estilo visual sutil para su última película, capturando tanto la era contemporánea como finales del siglo XIX 

Reunidos por la inesperada herencia de una casa en Normandía, cuatro primos que nunca se habían conocido se embarcan en la búsqueda de su historia familiar. Mientras exploran la casa, abandonada desde la década de 1940, reconstruyen la vida de su antepasada, Adèle Vermillard, una joven que vivió allí en 1895. Viajando entre el siglo XIX ^y la actualidad, encuentran en los vestigios del pasado lo que les permitirá proyectar mejor su propio futuro. Protagonizada por Suzanne Lindon (Adèle), Abraham Wapler (Seb), Vincent Macaigne (Guy), Julia Piaton (Céline), Zinedine Soualem, Sara Giraudeau, Paul Kircher y Vassili Schneider.

BRIGITTE BARBIER: Aunque La Venue de l’avenir es bastante diferente de las películas anteriores de Cédric Klapisch, ¿ha vuelto a una forma de trabajar específica de su colaboración?

ALEXIS KAVYRCHINE: Como cada película presenta diferentes desafíos, adaptamos nuestro enfoque. Pero siempre es cine el que da placer, el que no se esconde de ser cine y el que está hecho para unir a la gente. Las películas de Cédric siempre exploran lo que significa vivir juntos, y La Venue de l’avenir no es la excepción. Creo que esto es más relevante que nunca. Estos primos lejanos, que descubren su parentesco al heredar algo, no se conocen y son muy diferentes. Se conocen y logran convertirse en una verdadera familia.

BRIGITTE BARBIER: ¿Cómo abordaste la difícil tarea de filmar un montaje que cambia tan a menudo entre distintos períodos de tiempo?

ALEXIS KAVYRCHINE: Siempre resulta muy atractivo trabajar con diferentes épocas. La idea era abordar la era contemporánea y el final del siglo XIXde una forma ligeramente diferente. La película juega con las comparaciones, contrastes y similitudes entre ambas. Cédric presta mucha atención al color en sus elecciones estéticas, y queríamos encontrar diferentes estilos para distinguir las dos épocas sin romper la unidad de la película.
Para la era contemporánea, queríamos aprovechar el aspecto digital, a la vez que intentábamos crear una imagen rica. Queríamos asegurarnos de que la era contemporánea no fuera menos alegre que la era histórica.
Nuestro objetivo era que los personajes se encarnaran, que pudiéramos sentir el sol y las texturas, con colores ligeramente eléctricos, a veces muy brillantes, con amarillos y rosas ligeramente agresivos. Intentamos encontrar una paleta de colores contemporánea.
Para el período más antiguo, Cédric tuvo la idea de usar la colorización para transportarnos a una «época» imaginaria con algo parecido a imágenes coloreadas o autocromos, como la fotografía de finales del siglo XIX.

Suzanne Lindon en «La Venue de l’avenir»Foto Emmanuelle Jacobson Roques / StudioCanal – Colores del tiempo – Ce Qui Me Meut

Autocromos Lumière

BRIGITTE BARBIER: Las imágenes de las escenas de finales del siglo XIX resuman cierto encanto y un sutil romanticismo. ¿Podría explicar su proceso de tratamiento de estas imágenes?

ALEXIS KAVYRCHINE: El procesamiento de imágenes fue bastante exhaustivo y se desarrolló en varias etapas. Creé tablas de conversión (LUT) para la sesión, y luego hubo una fase inicial de etalonaje para obtener una imagen con la que estuviéramos satisfechos como referencia base. Esta referencia fue utilizada por Jérôme Da Silva, de la empresa Color’Histoire, quien coloreó las imágenes en blanco y negro que le enviamos.
Esta coloración evoca inmediatamente una fuerte imaginación, incluso inconscientemente, con una amplia variación de saturación: los pequeños personajes del fondo permanecen completamente en blanco y negro, mientras que el vestido rojo del personaje en primer plano se vuelve de un rojo plano. La coloración también introduce imperfecciones, pequeños artefactos, sangrados y vibraciones de color que cambian ligeramente de repente con el movimiento. 
Después, durante el etalonaje, utilizamos esta imagen coloreada tal cual o la mezclamos con la imagen base para armonizarla según las escenas.

BRIGITTE BARBIER: ¿Qué te hizo decidir mezclar la imagen recolorada con la imagen original?

ALEXIS KAVYRCHINE: La colorización ofrece una mayor separación de colores y una reducción en el número de colores. Obviamente, eso era lo que nos interesaba, como en las secuencias de la época temprana, cuando Adèle se va a París, donde mantuvimos la imagen 100 % coloreada. Sin embargo, en algunos sets, la imagen base era más interesante debido a su mayor profundidad de color.
La colorización a veces hacía que los rostros parecieran planos, con falta de tono de piel. Así que reelaboramos estos rostros añadiendo un pequeño toque digital de la imagen de referencia sin color. El objetivo era que la imagen nos transportara a un mundo imaginario, acercándose lo más posible al aspecto de las imágenes coloreadas de la época, asegurándonos de que este efecto nunca se manifestara.

BRIGITTE BARBIER: Todo lo que compone la imagen, el vestuario, la escenografía, es increíble. Siempre hay que recordar que todos estos elementos se combinan con tu trabajo para crear la fuerza de este universo visual.

ALEXIS KAVYRCHINE: Es cierto que todos los departamentos hicieron un trabajo magnífico, y queríamos destacar los colores de los decorados y el vestuario, la atención al detalle en el maquillaje y la peluquería. Y los actores son fantásticos, tienen una presencia muy fuerte. Teníamos que hacer justicia a toda esta riqueza.

Sur le tournage de «La Venue de l’avenir» De i. à d.: Juliette Pruvost, segunda asistente de cámara, Louis Douillez, asistente de vídeo, Cédric Klapisch, Alexis Kavyrchine, Jérémy Stone, chef maquinista – Foto Emmanuelle Jacobson Roques

Alexis Kavyrchine – Foto Emmanuelle Jacobson Roques

BRIGITTE BARBIER: La Venue de l’avenir trata de las imágenes y la representación de imágenes con la llegada de la fotografía.

ALEXIS KAVYRCHINE: Cédric también quería filmar este momento histórico en el que la llegada de la fotografía revolucionó la pintura y, en cierto modo, dio origen al impresionismo. La representación de la naturaleza juega un papel importante en la película.

Foto Emmanuelle Jacobson Roques / StudioCanal – Colores del tiempo – Ce Qui Me Meut

BRIGITTE BARBIER: ¿Utilizaste un equipo de filmación diferente para cada período?

ALEXIS KAVYRCHINE: La cámara principal era una Sony Venice 2. Sin embargo, los objetivos eran diferentes para cada época. Elegimos objetivos anamórficos Cooke Full Frame x1.8 para esta época. Son objetivos muy bellos que permiten lograr una profundidad de campo reducida incluso en tomas panorámicas. Esto nos permitió acercarnos a las fotografías de cámara oscura de la época y, en la mayoría de los casos, lograr un desenfoque encantador. 
Para la parte contemporánea, el enfoque inicial fue filmar muchas tomas cámara en mano de forma ligera y dinámica. Elegimos el zoom Angénieux Optimo 28-76 mm por este motivo, pero también para contar con objetivos esféricos con efectos de desenfoque muy diferentes.
Cédric es muy pragmático; se guía ante todo por el deseo de contar una historia, de hacer sonreír y conmover a la gente. Este pragmatismo rápidamente trastocó nuestro enfoque inicial, algo teórico. La película está narrada al estilo de Cédric, y filmamos rápidamente y con acierto secuencias de época cámara en mano y creamos planos de gran composición para las escenas contemporáneas. Al final, nuestras dos historias se unen, tal como lo hacen nuestros personajes a lo largo de la película.

BRIGITTE BARBIER: ¿Las ambientaciones de la época, como el café y las calles de Montmartre en París, se rodaron en un estudio?

ALEXIS KAVYRCHINE: Sí, el restaurante «Le Rat Mort» y las calles circundantes se rodaron en un estudio. Algunas de las calles exteriores nocturnas son calles reales, con efectos visuales que, por ejemplo, eliminan las bombillas de las farolas y las sustituyen por llamas.

BRIGITTE BARBIER: En realidad, todavía hay faroleros, pero éste es el comienzo del alumbrado público, y una escena muy romántica ilustra perfectamente la magia de este nuevo invento.

ALEXIS KAVYRCHINE: Sí, estamos en la cúspide de la transición de la llama a la electricidad, así que intentamos experimentar con una mezcla de ambas. Hoy en día, consideramos la luz eléctrica cálida, pero parece que en su época se percibía como muy blanca y deslumbrante, dando la impresión de luz diurna.
Para una escena clave de la película, filmamos a los actores frente a una pantalla verde y el equipo de efectos visuales recreó el París de aquella época de noche, con esta avenida iluminada por electricidad, que, de hecho, parece muy blanca en comparación con el resto de París, que está iluminado por farolas de gas.