JOEWI VERHOEVEN, NSC, DF del cortometraje “Taha” de MAHYAR MANDEGAR (2024)

En su proyecto de tesis final en el Amercan Film Institute, el director de fotografía chino-holandés Joewi Verhoeven NSC colaboró ​​con el director Mahyar Mandegar para crear Taha, un cortometraje sobre un jardinero de circo iraní en Los Ángeles que tiene la oportunidad de unirse al espectáculo. Taha, una película hermosa y melancólica con efectos visuales impactantes, ganó el premio John Bailey Student Heritage Award 2024 de la ASC en la categoría de posgrado, elogiado por su enfoque realista, iluminación auténtica y uso excepcional del contraste de color.

El honor fue entregado durante una ceremonia celebrada en el ASC Clubhouse el 13 de octubre, y el premio fue entregado a Verhoeven por Ellen Kuras, ASC.

Además de formar parte de la Junta de Gobernadores de la ASC durante muchos años, Bailey fue presidente de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de 2017 a 2019. Fue galardonado con el premio ASC Lifetime Achievement Award en 2014, lo que reconoce aún más su notable influencia y dedicación al arte de la cinematografía. Falleció el 10 de noviembre de 2023.

Este reconocimiento marcó un hito importante para Verhoeven, cuyo camino hacia el AFI incluyó estudios en la Academia de cine de Pekin y casi una década de rodaje de anuncios y narrativa en China. Su traslado al AFI, dice, fue impulsado por la pandemia, que provocó un período de reflexión. “Me di cuenta de que quería seguir un camino que me permitiera crecer creativamente”, explica. A través del AFI, Verhoeven refinó su enfoque en la narración visual: “Estar rodeado de personas talentosas y con ideas afines reavivó mi amor por el cine”.

“Queríamos contar una historia honesta a través de imágenes que se sintieran fieles al personaje”, comparte Verhoeven y agrega: “Todo tenía que estar al servicio de la historia, no solo verse hermoso”.

Para dar vida a Taha, Verhoeven, Mandegar y su equipo de producción se inspiraron en películas clásicas, pinturas y fotografías. “Estudiamos películas como Happy as Lazzaro y La Strada por su estilo tranquilo y observacional y su iluminación honesta”, dice el director de fotografía. El equipo trabajó para crear una atmósfera auténtica, haciendo referencia al pintor estadounidense del siglo XX Everest Shinn, conocido por sus melancólicas escenas de circo. “Era esencial crear un mundo que pareciera sólido y no demasiado estilizado”, recuerda Verhoeven.

Esta estética realista es especialmente evidente en las escenas entre bastidores, para las que Verhoeven se basó en una iluminación práctica de almacén. “La mayor parte del trabajo pesado se realizó con fluorescentes prácticos y luces sutiles que no abrumaran el espacio”, señala, y explica: “Quería capturar un aspecto de ‘fluorescente sucio’ que pareciera real y se adaptara al entorno industrial y sucio del almacén”. Verhoeven incorporó las luces industriales existentes del lugar para lograr este aspecto.

Durante gran parte de la película, Verhoeven se centró en crear contraste con Storaro Yellow (un gel Rosco (#2003) del que fue pionero el director de fotografía Vittorio Storaro, ASC, AIC) y azules intensos. “Me gustó mucho el Storaro Yellow que encontramos durante las pruebas; tenía un brillo dorado intenso que parecía casi del siglo XIX, como una riqueza antigua”, explica. “Añadía calidez a las escenas, especialmente en el entorno del circo, y se convirtió en nuestra opción preferida”. Complementó el amarillo con azul intenso y dijo: “Jugamos mucho con los contrastes de color. Las escenas de la hora azul y la luz fría del día a través de las ventanas contrastaban con la calidez del Storaro Yellow, creando un equilibrio que parecía realista pero visualmente atractivo”.

Verhoeven encontró a menudo soluciones creativas para mantener esta combinación de colores. En una escena en la sala verde, donde la trapecista comparte sus visiones con el jardinero, utilizó la luz natural que entraba por la ventana para lograr el efecto azul y amarillo:

“Queríamos la hora azul, pero la escena estaba tardando mucho más de lo que nos permitía una ventana de hora azul”, explica. “Así que gelificamos las ventanas, comenzando con tres capas de geles CTB y ND, luego retiramos las capas a medida que nos acercábamos a la hora mágica, equilibrando los niveles de la iluminación interior para mantener una exposición constante”.

La elección de Verhoeven de la cámara Panavson DXL2 combinada con lentes Ultra Panataragregó una textura distintiva a la película. “Estos lentes, de la década de 1970, tienen un aspecto orgánico con destellos que parecen auténticos y no demasiado estilizados”, dice, destacando su capacidad para ofrecer la estética honesta que él y Mandegar buscaban. La elección de lentes anamórficas reflejó aún más la perspectiva del protagonista. “Nuestro protagonista se siente pequeño en este vasto mundo, y el formato anamórfico le dio vida a esa sensación”, reflexiona Verhoeven.

La mayor lección que aprendió Verhoeven al hacer la película fue adaptarse a las circunstancias, incluido un cambio de reparto de último momento que llevó a un actor no profesional a la película principal. “A veces, lo que parece un contratiempo resulta ser exactamente lo que la historia necesita”, dice. “La experiencia de crear a Taha me enseñó a mantenerme flexible y a confiar en el proceso, sabiendo que incluso los cambios inesperados pueden llevar a algo mejor”.

En la actualidad, Verhoeven vive en Los Ángeles y continúa con su trabajo como director de fotografía independiente, apasionado por contar historias. Su experiencia con Taha, afirma, reafirmó su compromiso con los proyectos que fomentan el crecimiento creativo: “Fue un viaje de descubrimiento y estoy entusiasmado por seguir con estas lecciones”.