American Cinematographers (ASC) presenta a 10 nuevos directores de fotografía que están dejando su huella. 27 de febrero 2019

Una parte esencial de la historia del ASC (American Cinematographers) es la larga tradición de fomentar nuevos talentos que ayudarán a marcar el camino hacia el futuro. Por lo tanto, nuestra función anual sobre Rising Stars of Cinematography de AC adquiere un significado especial este año cuando la Sociedad celebra su centenario. Sine Vadstrup Brooker, DFF; Ashley Connor; Boaz Freund; Damián García; Halyna Hutchins; Anka Malatynska; Jordi Ruiz Masó, AEC; Lowell A. Meyer; David Procter; y Zoë White, ACS han demostrado habilidades impresionantes y sensibilidad visual en sus proyectos hasta la fecha, que incluyen curriculums excepcionales de cortometrajes, comerciales, videos musicales, documentales, largometrajes y trabajo televisivo. Nos pusimos al día con estos directores ascendentes de fotografía para discutir sus historias personales y las historias que ayudan a crear.

Sine Vadstrup Brooker, DFF

En apenas cuatro años desde que la directora de fotografía Sine Vadstrup Brooker, DFF se graduó de la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca, ya ha acumulado una lista de numeración de créditos en docenas, que incluyen proyectos que se han proyectado en festivales como South by Southwest, Telluride, TIFF y Cannes Lions.

Brooker se complace en hablar sobre la producción que ganó altos honores en la última competencia, un proyecto de pasión de tres minutos titulado Period, que ella describe como un «comercial para períodos realizados por mujeres para mujeres». El corto – dirigido por Emilie Thalund, quien se llevó a casa el oro en los Young Director Awards en Cannes Lions, presenta una serie de imágenes de mujeres y sus cuerpos, y no rehuye el color rojo. «Queríamos mostrarle a la industria comercial que la sangre de la época no es de color azul o pastel», explica el director de fotografía.

«El concepto era que el proyecto debería ser lo más íntimo y genuino posible y, por lo tanto, aproveché la luz del día», agrega Brooker, quien disparó con una cámara Arri Amira y lentes Cooke S4. «No requería mucho equipamiento o una gran equipo humano; se trataba más de tener el coraje de dejar ir a un jugador y, a veces, incluso a un foquista y confiar en mi intuición creativa. Poder hacer esto, dependiendo del proyecto, es, en mi opinión, una parte esencial del trabajo del director de fotografía”.

Como estudiante de pregrado en estudios cinematográficos, Brooker descubrió el trabajo del director de fotografía Christopher Doyle, HKSC, y «fue como si algo hubiera hecho clic», recuerda. «Cuando vi Chungking Express de Wong Kar Wai, me sentí realmente inspirada por su poético movimiento de cámara, los colores de la luz y la subjetividad lúdica que utilizó en esa película». Su siguiente parada fue en la Escuela Nacional de Cine de Dinamarca, donde se especializó en cinematografía. y donde su trabajo atrajo la atención de ArtOfficial, una agencia escandinava especializada en la representación del talento creativo detrás de la cámara. Su proyecto de posgrado, Melon Rainbow, ganó el premio a la mejor fotografía en los London Independent Film Awards. También completó una clase magistral de ASC en 2015.

Desde entonces, Brooker ha filmado cortos, videos musicales, comerciales y varios documentales, así como Land of Glass, una característica de bajo presupuesto capturada con las lentes anamórficas Alexa Mini y Kowa Mirrorscope de Arri. «Debido a que la película tenía algunos elementos de fantasía, elegí lentes anamórficos para enfatizar este universo creando interesantes fondos bokeh», dice ella. «Una de las características de los Kowas es que crean estas llamaradas de arco iris que complementan muy bien la historia».

Brooker tiene otras tres características danesas en proceso y «me encantaría trabajar fuera de Escandinavia», dice. Después de filmar parte de la serie web de 2017 Polar en Groenlandia, y la corta Maria en Portugal con un elenco y equipo portugués, señala: «Me resulta muy inspirador trabajar en el extranjero, salir de su zona de confort y ver diferentes entornos, caras, texturas, luces y colores «.

Para Brooker, lo más importante es «un buen guión y una colaboración creativa y confiable con el director y la productora», ofrece. «Si la confianza es mutua, entonces te conviertes en una familia cinematográfica que crea algo juntos que es más grande que tú».

Ashley Connor

Ashley Connor creció en el suburbio de Chatsworth, en Los Ángeles, y se enamoró del cine a una edad temprana. Su padre era gerente de estudio para Universal Studios Backlot, y la llevó a muchos viajes en carritos de golf a varios sets. Si bien su posición estaba más relacionada con los negocios, abrió un nuevo mundo mostrándole muchas películas que ella reconoce que podrían no haber estado en las listas favoritas de otras chicas de 13 años, títulos como La naranja mecánica y Apocalypse Now (Ambas de Stanley Kubrk). «No entendí el papel de un director de fotografía hasta más tarde», recuerda, «pero creo que las imágenes se conectan con el espectador sin importar cómo se mire».

Connor se especializó en cine en el Ithaca College en el estado de Nueva York. Estudió principalmente cine experimental con un enfoque en luminarias como el cineasta de vanguardia de mediados de siglo, el coreógrafo y teórico Maya Deren, y el cineasta-fotógrafo-teórico Hollis Frampton. «Me fascinaban las imágenes y el movimiento, y fotografié cualquier cosa y todo», dice ella. “Esto era justo cuando las DSLR comenzaban a usarse para películas, y encontré formas de hacer muchos videos musicales de bajo presupuesto y funciones sin presupuesto. Así es como encontré los primeros colaboradores «.

El director de fotografía disfruta de una colaboración particularmente fructífera con la directora Josephine Decker, quien dirigió las dos primeras películas de Connor, Thou Wast Mild (Eres suave y encantador) y Lovely and Butter on the Latch (Mantequilla en el pestillo), que se proyectaron en el Festival de Cine de Berlín 2014. «Eso se sintió como un avance significativo», recuerda Connor. El crítico neoyorquino Richard Brody pareció estar de acuerdo, ya que escribió que el par de características «marcó uno de los debuts más notables en el cine estadounidense moderno». Con respecto a la última colaboración del director de fotografía y director, Madeline’s Madeline, Brody se entusiasmó con las imágenes de Connor, ofreciendo que la película fue filmada «en ángulos irregulares y bordes rasgados, con energía física y claridad penetrante».

«Soy una loca de la cámara», dice Connor. “Me encanta hacer efectos prácticos. Eso viene de estudiar procesos experimentales. Siempre estoy buscando formas de distorsionar y doblar imágenes. Josephine es uno de los únicos directores narrativos con los que he trabajado que se siente cómodo haciendo todo lo posible con ese tipo de efecto, no haciendo algo así en la post producción, sino grabándolo en la imagen real. Creo que cuando estás [afectando] la imagen en la cámara, hay una especie de magia que obtienes de la exploración de lo desconocido «.

El trabajo de Connor recientemente ha sido bastante visible en el circuito del festival. The Miseducation of Cameron Post, dirigida por Desiree Akhavan, se llevó el Gran Premio del Jurado en Sundance en 2018, mientras que Madeline también se estrenó allí y recibió múltiples nominaciones al Premio Gotham, incluida la Mejor Película, así como los Premios Film Independent Spirit Awards. Nominación a mejor fotografía.

En una nota algo más convencional, Connor filmó la última temporada de la serie de Comedy Central Broad City. «No había filmado una temporada completa de un programa de televisión», dice ella. «Broad City involucra tantos» idiomas «diferentes y va a muchos lugares surrealistas, así que realmente disfruté trabajando en ello».

Sundance 2019 vio el estreno de The Death of Dick Long, filmado por Connor, y dirigido por Daniel Scheinert, la mitad del equipo director responsable del extraño e innovador favorito Swiss Army Man, en su siguiente sección.

«Les digo a los jóvenes cineastas:» No tengan miedo al fracaso «, concluye Connor. «Mis cineastas favoritos a veces han aprendido más de sus fracasos, y eso es lo emocionante».

Boaz Freund

Cuando era un niño que crecía en Israel, Boaz Freund devoraba películas que alquilaba en la tienda de videos local. «Yo era uno de esos niños que no podían tener suficiente», recuerda. Cuando se matriculó en una escuela secundaria técnica y tuvo que seleccionar una especialización, la película fue una elección lógica, aunque dice que la decisión se debió menos a su amor por el cine que al deseo de ser social. «Quería estar afuera con todos los otros niños, en lugar de estar en una habitación frente a una computadora», explica.

Estudiar cine en la escuela secundaria le dio a Freund una base en cine, historia del arte y varios tipos de producción, todo lo cual informó la próxima etapa de su educación. «Yo era camarógrafo de las Fuerzas de Defensa de Israel», dice. “Mi trabajo consistía en transmitir noticias para el ejército, y me desplegaron en el Líbano, Cisjordania, Gaza, algunas situaciones bastante imprecisas y peludas. Pero ahí es donde me di cuenta, sí, me gustaría ser director de fotografía «.

Mientras estuvo en el ejército, Freund se ofreció como voluntario para enfocarse en las películas de los estudiantes cada vez que tenía tiempo libre, y eso lo llevó a su entrada en el campo de la cinematografía cuando fue liberado del servicio. Freund aprendió «de algunos de los cineastas más sorprendentes de Israel», recuerda. Destaca al director de fotografía Ofer Inov como un mentor particularmente importante. “Aprendí mucho solo viendo cómo pensaba. Me enseñó a prestar mucha atención a la luz natural y lo que hace «.

Después de mudarse a Nueva York, trabajó como tirador de foco y DIT. «Esto fue en 2005 y me habían capacitado en cámaras Sony CineAlta HDW-F900 en Israel», dice Freund. «Eso me puso en un pequeño privilegio, porque las cámaras como la F900 y la Panasonic VariCam eran muy populares».

Una vez más, Freund aprovechó el tiempo libre para perfeccionar su oficio en el siguiente nivel, sirviendo como director de fotografía en proyectos más pequeños. Finalmente, consiguió un trabajo filmando una serie documental para Barnes and Noble. «Recorrimos el país y filmamos viñetas documentales de tres minutos sobre personas que estaban obsesionadas con la lectura», dice. «Gané un premio Emmy en el capítulo de Nueva York por mi fotografía sobre eso, y el reconocimiento me permitió dejar de ayudar».

Entre los proyectos que siguieron, Freund está especialmente feliz con el documental Gored. «La forma de filmar documentales de la vieja escuela ha sido normalmente más observacional», dice. “Simplemente dejas que las cosas se desarrollen frente a ti y acercas y alejas las situaciones. Realmente quería utilizar lentes de primera calidad con esa película, ser más proactivo con mis elecciones y darle a la cámara un punto de vista más subjetivo”.

Otros créditos notables incluyen What Carter Lost, una película que Freund filmó para la serie 30 for 30 de ESPN, en la que mezcló material digital con imágenes de Super 16. El director de fotografía también prestó su talento para el trabajo comercial de Budweiser, lo que le permitió estar en Wrigley Field cuando los Chicago Cubs ganaron la Serie Mundial, y en Daytona, filmando un homenaje a Dale Earnhardt Jr.

Además de su trabajo cinematográfico y comercial, Freund dedica una gran parte de su tiempo a filmar instalaciones de videoarte como Paperweight, una producción de nueve minutos que consiste en una toma ininterrumpida. El siguiente es un proyecto de música para el director Dana Distortion, que Freund dice que es «muy emocionante». No puedo decir más que eso ya que está en las primeras etapas, pero solo diré que soy muy, muy afortunado «.

Damián García

Damián García, nacido en la Ciudad de México, creció con familiares que trabajaban en la industria del cine, e incluso cuando era niño, cada vez que visitaba un set, sabía que quería ser director de fotografía. Al principio, admiraba el trabajo de los miembros de ASC Sven Nykvist, Nestor Almendros y Gordon Willis, aunque ninguno era de su propio país. «Durante muchos años», señala, «incluso las películas mexicanas que fueron muy buenas todavía no me parecían tan buenas». Luego apareció la ola de talento: Emmanuel Lubezki, Rodrigo Prieto, Guillermo Navarro [todos ahora miembros de ASC] y muchos otros. Fue una revelación. ¡Estas personas cambiaron la apariencia de las películas mexicanas! Estaban creando un nuevo lenguaje visual «.

García siguió los pasos de algunos de estos talentos, asistiendo al Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) patrocinado por el gobierno. Mientras estuvo allí, pudo filmar uno de los proyectos de Opera Prima de la escuela, una pieza de largometraje que la escuela producía anualmente para proporcionar oportunidades para los novatos en todos los departamentos.

También estudió cinematografía en Barcelona, ​​España, en la Escuela de Cine y Audiovisual de Cataluña (ESCAC), y filmó un número considerable de comerciales tanto en España como en México. «Es una gran oportunidad para experimentar con ideas [con respecto] a la cinematografía», dice sobre este trabajo.

Un drama en blanco y negro a pequeña escala llamado Güeros, que García filmó, «fue un cambio de juego para mí», recuerda el director de fotografía. La producción recibió bastantes premios, incluido el Mejor Primer largometraje para el director Alonso Ruizpalacios en el Festival Internacional de Cine de Berlín y un premio a la Mejor Fotografía para García en Tribeca.

García señala que su corazón ahora está principalmente en el cine narrativo. “Me encanta trabajar con un director y formar parte de su proceso y visión, y ponerme al servicio de eso. Por eso creo que es tan importante trabajar con buenos directores. No importa si tu trabajo es bueno, si tu director no es bueno, estás condenado «.

Por lo tanto, es elegido sabiamente, filmando para directores como Luis Mandoki, para La Vida Precoz y Breve de Sabina Rivas; Jonás Cuarón, por Desierto protagonizado por Gael García Bernal; y Diego Luna, por Mr. Pig con Danny Glover y Maya Rudolph. Estos proyectos han acumulado premios y nominaciones, y ampliado la reputación de Garciá en todo el mundo.

Más recientemente, Garciá se volvió a reunir con Ruizpalacios para el Museo, una dramatización de un robo real en un museo de 1985, también protagonizado por Bernal, que recibió avisos estelares y una atención significativa en el circuito internacional de festivales. También filmó episodios para la primera temporada de Narcos: México, que se estrenó en Netflix en noviembre. Al momento de escribir este artículo, el director de fotografía espera ansiosamente el lanzamiento del próximo drama de boxeo Jungleland, que filmó para el director Max Winkler. Fue la primera película de García en los Estados Unidos, «y estoy muy satisfecho con el resultado», señala.

A pesar de los múltiples premios y reconocimientos, García insiste en que su trabajo no tiene características distintivas que hagan que alguien diga, como él describe, «Eso debe haber sido filmado por Damián García», y eso es por diseño. «No creo que tenga un estilo», afirma. “Tengo cosas que sé que me gustan y cosas que odio, pero lo más importante para mí es participar en proyectos que tienen una perspectiva diferente sobre sus temas. Siempre trato de no repetirme «.

Halyna Hutchins

En su primera carrera como periodista, Halyna Hutchins siempre se encontró más interesada en las historias individuales de las personas que encontraría. «Mi transición del periodismo comenzó cuando estaba trabajando en producciones cinematográficas británicas en Europa del Este, viajando con equipos a lugares remotos y viendo cómo trabajaba el cinematógrafo», señala el nativo ucraniano. «Estaba fascinada con la narración basada en personajes reales».

Habiendo crecido como «una mocosa del ejército» en una base militar del Ártico, Hutchins ya era fanática de las películas porque «no había mucho que hacer afuera». También tuvo una experiencia práctica de tiro al documentar sus incursiones en ese extremo deportes como paracaidismo y exploración de cuevas. Pero cuando decidió dedicarse al cine, se mudó a los Estados Unidos y aceptó los trabajos de asistente de producción que pudo, trabajando para agarrar la electricidad y filmar pequeños cortometrajes. También incursionó en la fotografía de moda para aprender más sobre la «estética de la iluminación: cómo se crea el estado de ánimo, el sentimiento».

Después de mudarse a Los Ángeles, Hutchins conoció a Robert Primes, ASC, quien la alentó a postularse al American Film Institute Conservatory, donde estudió de 2013 a 2015. “Realmente me hizo repensar quién era yo como artista y cómo quería hacer el trabajo «, dice de su tiempo en AFI, donde Stephen Lighthill, ASC se convirtió en un mentor particularmente valioso. “Una cosa que aprendí es que la cinematografía no es algo que haces sola. Es un grupo [proyecto]. Necesitas desarrollar tu propia visión, pero la clave para una película exitosa es la comunicación con tu director y tu equipo”. Está especialmente orgullosa de su trabajo con el director y ex compañero de clase Farzad Ostovarzadeh en su proyecto de tesis Hidden, que fue finalista de Vizio + Dolby Vision Filmmaker Challenge. Hidden también se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Camerimage.

Hutchins está agradecida de haber tenido la oportunidad de trabajar con varios formatos de película negativa en AFI, y dice que, si bien gran parte de su trabajo ha sido en formatos digitales, su enfoque se basa en la exposición y las curvas de la película. Cuando dispara digitalmente, dice: «Estoy más preocupada por las lentes, más que el sensor y la cámara». Cita el enfoque de la exposición a la película, la elección de la lente y la corrección del color como elementos que juntos proporcionan un equivalente al «stock de película contemporánea».

Desde que completó su curso de estudios en AFI, Hutchins ha estado ocupada viajando por el país mientras completaba dos funciones: Snowbound en Colorado y Darlin, así como un piloto titulado The Providers que «me dio mucho trabajo», dice, y una serie digital llamada A Luv Tale. En el momento de su entrevista en noviembre, estaba trabajando en una película sin título ambientada en la década de 1980, filmada en Michigan y Alemania con la ayuda de lentes anamórficas de Kowa para una «apariencia de período más suave», señala. También acababa de ser nombrada una de las ocho cineastas para participar en el primer Fox Lab Lab, un programa lanzado por 21st Century Fox y AFI para expandir las oportunidades para mujeres cineastas.

«En este momento, estoy realmente interesada en encontrar colaboraciones fructíferas», dice ella. «Para mí, es el esfuerzo de colaboración entre mentes creativas lo que eleva el trabajo de los demás». Desde el cine ruso, nombra al director de fotografía de The Cranes Are Flying Sergey Urusevskiy y al director Mikhail Kalatozov como un caso ejemplar. Otro, dice ella, es Christopher Doyle, HKSC y Wong Kar-wai. Hutchins agrega: «Solo espero encontrar mi Wong Kar-wai».

Anka Malatynska

Anka Malatynska llegó a la cinematografía a través de su padre, un alpinista del Himalaya que tomó fotos en sus expediciones. «Esas fotos fueron tan hermosas para mí», recuerda. “Trajeron tierras exóticas y personas distantes a nuestro hogar. Desde muy joven, me quedó claro que la fotografía era una ventana al mundo”. Después de que su padre falleció en un accidente de escalada, la familia de Malatynska se mudó a los Estados Unidos, donde la futura directora de fotografía comenzó a estudiar y practicar.

En la escuela secundaria, se había enamorado del cine a través del trabajo de directores como Wong Kar-wai, Andrei Tarkovsky y Sydney Pollack, a quienes admro porque «me llevaron a un viaje visual y emocional», dice. Cuando ingresó a la escuela de cine en la Universidad de Nueva York, descubrió que Eraserhead y Pi, la entusiasmaron y la inspiraron a encontrar nuevas formas de ver mientras filmaba películas de estudiantes en cámaras Bolex de 16 mm. «Recuerdo un proyecto en el que tenía una lente que no se montaba correctamente en la cámara», recuerda. «Creó un efecto visual interesante y filmé una película entera así».

Aunque Malatynska asistió tanto a la NYU como a la AFI, considera que su verdadera capacitación es trabajar para otros directores de fotografía, como James Chressanthis, ASC- GSC, quien se convirtió en un mentor de toda la vida después de ser aprendiz para él.  László Kovács ASC y Vilmos Zsigmond ASC: «Aprendí más acerca de la cinematografía y el desarrollo en una carrera cinematográfica de esos dos hombres de lo que podría haber imaginado al embarcarme en el proyecto».

La directora de fotografía señala que sus otros mentores clave incluyen a los miembros de ASC Stephen Lighthill, Steven Poster, y Bill Bennett. «Es uno de los aspectos más mágicos de la profesión», dice ella. «La forma en que nos alentamos, enseñamos y guiamos mutuamente, evolucionando el oficio y elevando el arte». Agrega que encuentra inspiración en el «trabajo y estilo» de Anthony Dod Mantle, ASC, BSC, DFF.

Malatynska también hizo cámara en un corto llamado Ruth, dirigido por Rose McGowan, basado en Ruth Coker Burks, que cuidaba a cientos de hombres homosexuales que morían de SIDA durante el apogeo de la epidemia. «La película tiene una cualidad de otro mundo», dice Malatynska. “Filmamos con lentes anamórficas de la serie C (Panavision) con una Arri Alexa XT. Usé el anamórfico de 60 mm casi exclusivamente. Tiene un enfoque cercano que permite primeros planos hermosos, pero aún puede obtener tomas amplias sin comprimir demasiado el espacio. Me asombraban estas lentes, tan absolutamente hermosas. De alguna manera, ese proyecto contribuyó a mi rodaje del proyecto en el que estoy trabajando hoy, que es una historia de amor gay musulmana ambientada en West Hollywood, para el director Michael Mosallam. Estoy muy entusiasmado con el aspecto que estamos creando «.

Malatynska participó recientemente en el Fox DP Lab inaugural, un programa lanzado por 21st Century Fox y AFI, diseñado para ampliar las oportunidades para las directoras de fotografía.

A principios de este año, Malatynska fotografió la adaptación de la directora Clare Niederpruem de Little Women with Red’s Dragon sensor, que combinó con Cooke S4s. «Teníamos enormes limitaciones de presupuesto, y estoy increíblemente orgullosa de cómo la fotografía apoyó la historia y elevó la película», dice la directora de fotografía.

Malatynska filmó la segunda unidad para la serie Insecure de HBO, donde empleó una Alexa Mini con Cooke S5s. «Entré en el proyecto para cubrir al operador de la cámara A durante un episodio, y terminé filmando toda la segunda unidad para el director de fotografía Ava Berkofsky», recuerda. “Fue interesante replicar una apariencia que me era tan extraña. Estaba filmando actores de piel oscura en exteriores nocturnos, sin apenas luz, mientras usaba un Polarizador y un ND .3: es una locura lo lejos que ha llegado la tecnología y lo que podemos hacer con la luz en estos días «.

Lowell A. Meyer

El director de fotografía Lowell A. Meyer creció amando las películas, pero no fue hasta que comenzó a andar en patineta que se dio cuenta de que el cine podría convertirse en una carrera. «Bajar un tramo de escaleras es difícil para las rodillas de un niño, y a veces estás en una propiedad privada con guardias, ¡así que será mejor que filmes cuando vayas por él!», Dice. «Pero después de un tiempo, has adquirido todas estas habilidades con la cámara y te das cuenta de que hay mucho para filmar además del patinaje».

Esta epifanía llevó a Meyer a estudiar cine y fotografía en el Emerson College de Boston. Allí, el profesor y director de fotografía Harlan Bosmajian le dio sus primeras lecciones de iluminación, trabajo de cámara y el cuidado que un director de fotografía debe ejercer como cineasta colaborativo.

Meyer también cuenta con el gaffer Mo Flam y la cineasta nominada al Oscar Rachel Morrison, ASC entre sus mentores. «Flam me dio lecciones increíblemente detalladas sobre teoría, práctica y color de la iluminación que fueron la culminación de sus décadas trabajando en la industria», dice. «Y Morrison me mostró el carácter y el liderazgo que un director de fotografía serio debe mostrar todos los días».

Como joven cineasta, Meyer asistió a proyecciones en la Academia de Música de Brooklyn y se inspiró en las películas de directores como Martin Scorsese y Alejandro G. Iñárritu. «Muchas de mis decisiones creativas y los proyectos que he elegido filmar a lo largo de los años han sido informados por mi sensibilidad como estudiante de cine y como skater», ofrece Meyer. «Me encanta moverme y no cortar porque, al igual que cuando filmamos skateboarding, significa que lo que se capturó fue real y no cambió con el proceso de edición».

El largometraje Thunder Road, que marcó la sexta colaboración de Meyer con el director Jim Cummings, y ganó el premio Narrative Feature Grand Jury Award en South by Southwest 2018, es un buen ejemplo. «Utilizamos camara en mano para una variedad de escenas para capturar momentos y actuaciones auténticas, pero sabiendo que eventualmente tendríamos que cortar, fuimos muy selectivos sobre cuándo y dónde ocurriría ese corte, y cuál sería la siguiente cobertura», explica.

En Thunder Road, Meyer también se aseguró de que la cámara se estuviera moviendo constantemente, haciendo zoom o ambas cosas. “Siempre teníamos el Angénieux Optimo 24-290mm T2.8 y el JL Fisher 10 Dolly con nosotros en cada ubicación, y los cargamos escaleras arriba, los montamos encima de camiones e incluso dentro de una ambulancia para una toma «, recuerda. “Nos aseguramos de tener un zoom lo suficientemente pequeño como para caber dentro de un automóvil, así como un ‘mini deslizador’ de 4 pies que podría hacer lo mismo: ¡hay varias tomas que se amplían y se deslizan dentro de un vehículo en movimiento! »

El director de fotografía obtuvo cierta visibilidad sustancial en el Festival de Cine de Sundance de este año, donde se estrenó la comedia surrealista Greener Grass, dirigida por Jocelyn DeBoer y Dawn Luebbe, y el corto Lockdown, dirigido por Logan George y Celine Held.

Meyer señala que, en lugar de obtener un «gran descanso», siente que ha recibido el inevitable karma que conlleva trabajar gratis o casi nada durante años en innumerables cortometrajes, comerciales especiales y proyectos de pasión. «También reconozco que nada de mi éxito sería posible sin el tremendo apoyo de mi equipo generoso, al que a menudo he tenido que pedir sacrificios sustanciales de su tiempo, trabajo», dice. «Un director de fotografía no es nada sin su equipo, y me siento muy afortunado de haber encontrado personas que creen en mí y en mi visión».

David Procter

Fue en la Universidad de Ravensbourne, Londres, donde David Procter, de 19 años, comenzó a trabajar con cámaras, revelando e imprimiendo imágenes fijas de 35 mm. Luego gravitó hacia la imagen en movimiento, inspirado principalmente en la realización de documentales. «Me di cuenta del poder del cine como medio para comentarios sociales y políticos», dice. «Historias humanas reales que necesitaban ser contadas».

Procter luego estudió en Hull School of Art and Design en el Reino Unido, un programa de tres años en televisión y diseño de películas, donde se especializó en cinematografía. Sus estudios fueron seguidos por una mudanza a Londres, donde no tenía una sola conexión con la industria. Comenzó a trabajar a tiempo parcial con una cámara local «fotografiando todo lo que pude», recuerda.

Procter encontró algunos de sus primeros reconocimientos en el trabajo documental con un cortometraje que filmó y dirigió llamado Red Sands, una mirada visceral al encierro de los toros y las corridas de toros en España, que fue nominado para un British Independent Film Award y el Golden Frog del Festival Internacional de Cine de Camerimage y proyectado en festivales de todo el mundo. Los cortos documentales The Corridor, que filmó en el desierto de Kalahari en Namibia, y Solace, filmado en Londres, le dieron más nominaciones a Golden Frog. «El trabajo documental que hice realmente me ayudó a formarme como director de fotografía», dice, «porque a menudo trabajas en un idioma que no entiendes, tratando de leer situaciones, entornos y personas, sin saber lo que realmente se dice. Desarrollas la intuición para leer el lenguaje corporal y reaccionar rápidamente «.

De ese período, recuerda, «viajaba a festivales de cine en toda Europa para reunirme con tantos directores y colaboradores como pude». En Camerimage, conoció a varios directores de fotografía que causarían una impresión duradera, en particular Phil Méheux, BSC, que se convirtió en una especie de mentor. «Podía enviarle un correo electrónico, llamarlo por teléfono o interrogarlo durante un almuerzo», dice Procter. “Era alguien con quien podía contactarme cuando me estaba mudando a trabajos de iluminación a gran escala y conjuntos mucho más grandes. A veces, dudaba de que tal vez fuera demasiado grande, y él estaba allí con consejos y tranquilidad «.

Entre los muchos futuros colaboradores / empleadores que Procter conoció en festivales de cine, el productor Samm Haillay fue fundamental en la expansión del cinematógrafo en la narrativa. De hecho, Haillay produjo las dos primeras películas de Procter: los dramas Bypass, dirigidos por Duane Hopkins y Blood Cells, del equipo director de Joseph Bull y Luke Seomore, que se estrenaron en el Festival Internacional de Cine de Venecia 2014. Bypass fue nominado en Camerimage al mejor debut cinematográfico, un honor que, según recuerda Procter, fue «abrumador».

El director de fotografía recientemente completó el rodaje del drama original de ciencia ficción de ocho partes de Netflix The Innocents, protagonizado por Guy Pearce. La serie a gran escala se filmó en partes remotas de Noruega, con ubicaciones adicionales y trabajos de estudio en el Reino Unido.

En cuanto a su trabajo en el video musical dirigido por Sam Pilling para “Nobody Speak”, una canción de DJ Shadow con Run the Jewels, Procter atestigua: “Creo que trasciende el entretenimiento y se mueve al área de los comentarios sociales. Fue un trabajo controvertido que se volvió viral casi de inmediato por su naturaleza política y provocativa”.

Procter señala que las lecciones de su trabajo documental temprano aún infunden su enfoque hoy, independientemente del género. Una de esas lecciones: «Solo porque tenga dos o tres camiones llenos de luces, eso no significa que siempre tenga que usarlos».

Jordi Ruiz Masó, AEC

Jordi Ruiz Masó, AEC aprendió el poder de la luz en lo que se refiere a la narración a una edad muy temprana. «Durante mi infancia, leía cuentos de hadas debajo de mi manta por la noche», recuerda. “Usando la linterna de mi padre como fuente, el brillo creó un ambiente que me cautivó y me permitió sentir e imaginar la historia. Fue entonces cuando comencé a notar que la luz afecta la narrativa «.

A partir de ahí, Ruiz Masó le da crédito a películas de terror como The Exorcist, Psycho, Halloween, Poltergeist y Friday the 13th con su introducción al arte de la cinematografía. Aunque inicialmente ingresó a la universidad con el objetivo de convertirse en un fotógrafo, se dio cuenta de que quería enfocarse en tomar la imagen en movimiento. «Decidí inscribirme en la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, ​​donde recibí mi licenciatura en cine y artes mediáticas», dice.

Ruiz Masó agrega que trabajó a lo largo de sus estudios. «Comencé como operador de cámara para las principales cadenas de televisión de difusión», dice, «lo que me permitió aprender mucho sobre lentes, movimiento de cámara, encuadre, exposición y ángulos. También aprendí a trabajar en un entorno acelerado. Lo que aprendí en ese período de mi vida ahora me permite dar libertad a los actores cuando se mueven durante la toma”.

Después de graduarse, Ruiz Masó trabajó como asistente de cámara en varias producciones, comerciales y videos musicales, y recibió un MFA en cinematografía en la Escuela de Cine y Audiovisual de Cataluña (ESCAC) en Barcelona. Afinando persistentemente su oficio, continuó asistiendo a los talleres de Eastman Kodak y Arri, mientras también se sumergía en películas, libros, pinturas y revistas como el cinematógrafo estadounidense.

Sin embargo, cuando se mudó a Los Ángeles en 2012, descubrió que tenía que comenzar desde cero. «Me involucré en varias películas de tesis (de estudiantes)», recuerda. “Uno de esos proyectos, de USC, me dio el premio al Mejor Operador del Año (en la categoría de estudiantes) de la Sociedad de Operadores de Cámara”. Ese galardón llevó a la presentación de Ruiz Masó al director Michael Feifer, quien lo contrató como segunda Unidad de cinematógrafo en dos películas antes de trasladarlo a la unidad principal en una función posterior.

Los dos continúan trabajando juntos y tienen en camino al nuevo Western Soldier’s Heart, protagonizado por Val Kilmer, AnnaLynne McCord y un conjunto de actores de personajes conocidos. «Estoy muy emocionado por ese lanzamiento», se entusiasma Ruiz Masó. “El enfoque consistía en combinar el uso de luz suave y dura, permitiendo que las sombras formaran parte del marco. No queríamos poner nuestras «huellas digitales» en la imagen; en cambio, dejo que la luz natural juegue «.

Al hablar sobre un corto en el que hizo camra, llamado Reflexiones: Desierto de Mojave, una pieza complementaria del álbum del mismo nombre del músico electrónico británico y productor musical Sam Shepherd, Ruiz Masó opina que la música es una influencia tan importante en la cinematografía como las artes visuales. «Creo que la cinematografía proviene de muchos lugares», dice. “La fotografía, la pintura, la arquitectura, la escultura y la música también son uno de ellos”.

Ruiz Masó señala que uno de los mayores placeres del cine es la gente con la que uno se encuentra y trabaja. «Me encanta lo que hago», agrega. «Creo que tengo un trabajo soñado».

Zoë White, ACS

La directora de fotografía Zoë White, ACS, ha pasado gran parte del año pasado inmersa en el mundo distópico de The Handmaid’s Tale, la serie de Hulu basada en la novela de Margaret Atwood. Es el trabajo que ella dice que, sin duda, «me puso en el mapa» después de años de entrenamiento y en constante aumento en la profesión. «Ha sido increíble», agrega, recordando cómo había visto la primera temporada de la serie, cuyos primeros tres episodios fueron dirigidos por Reed Morano, ASC, que trabajó junto al director de fotografía de toda la temporada Colin Watkinson, ASC, quienes ganaron Emmys por su trabajo, y apenas imaginaba su próxima participación.

«Cuando estaban armando la segunda temporada, Colin quería compartirla», cuenta White. De este modo, alterno bloques de episodios con Watkinson en la segunda temporada, y ahora alterna de la misma manera con el director de fotografía Stuart Biddlecombe en la Temporada 3, «con Colin abriendo la Temporada 3 y pasando el testigo», señala White. Agrega que, aunque fue un desafío llegar a un proyecto con una apariencia establecida, «Creo que estoy llegando al punto ahora, todo un año, donde siento que he encontrado mi voz como uno de los colaboradores creativos en el espectáculo.»

White, que creció en Australia, se formó como violista clásica, pero también fue educada en cine clásico por su madre aficionada al cine. Después de la escuela secundaria, «dio el gran salto» y se inscribió en el programa de cine de la Escuela de Artes de la Universidad de Carolina del Norte, y pronto descubrió su afinidad por la cámara. «Creo que se trata de tener una conexión con la música», dice ella. «Hay algo abstracto en la idea de composición y equilibrio, y en la disciplina artística que se necesita para hacer una imagen, de la misma manera que hay al hacer música».

Después de graduarse, completó una pasantía de verano en Los Ángeles con James Chressanthis, ASC, GSC, y luego pasó un año en Australia como asistente de cámara para el director de fotografía Newton Thomas Sigel, ASC en Superman Returns. «Seis meses después de la escuela de cine, estaba observando un gigantesco éxito de taquilla día a día, absorbiéndolo todo y entendiendo qué es el cine al más alto nivel», dice White. «Tom Sigel hasta el día de hoy ha sido una inspiración y un apoyo realmente maravillosos para mí».

White continuó filmando y asistiendo en proyectos más pequeños, después de lo cual completó un programa de maestría de dos años en la Escuela Australiana de Cine, Televisión y Radio. Luego vino la «construcción lenta», como ella dice, de cortometrajes, videos musicales y comerciales, así como algunos trabajos en funciones, su más notable de los cuales fue el drama familiar 2016 de Rachel Lambert, In the Radiant City. Lo que le encantó de esa producción, señala, fue la estratificación psicológica de la narración. «Algo no necesariamente en la página, tal vez inferido, pero son las imágenes las que lo llevan allí», describe la directora de fotografía.

Después de su primera temporada en Handmaid’s Tale, dio un giro visual fuerte a Dare Me, un piloto dirigido por Steph Green sobre porristas competitivas. «Es popular en estos días filmar con vidrio vintage para compensar la nitidez del sensor digital», dice White. “Pero me sentí obligada a filmarlo en Master Primes, que se sabe que son más comerciales y afilados. Estaba viendo esta paleta realmente saturada y contrastante. Tal vez sea solo un zigzag de aquí en adelante; sea lo que sea que haya intentado, querré probar algo nuevo. Eso es lo bueno de esta forma de arte. Nunca te quedas sin cosas para explorar «.

Por John Calhoun, Jim Hemphill y Jon Silberg

Todas las imágenes son cortesía de los cineastas.