Liz Nord

14 de noviembre de 2016

‘Llegada’: cómo DP Bradford Young deconstruyó la ciencia ficción

«Los directores y cineastas tienen que ser igualmente vulnerables»

Es una invasión alienígena. Hay bombas incendiarias que caen del cielo a ciudades hipersaturadas, seguidas de destrucción masiva y criaturas amenazadoras que arrebatan niños. ¿Derecha?

No No esta vez. Este es un tipo diferente de película alienígena.

La llegada es la primera incursión en la ciencia ficción para el director Denis Villeneuve , conocido por Sicario (2015) e Incendies(2010) nominados al Oscar . Pero ciertamente no es la última, actualmente dirige el remake del clásico de ciencia ficción Blade Runner. La llegada es protagonizada por una melancólica Amy Adams como una lingüista que es traída para tratar de comunicarse con extraterrestres que sobrevuelan la Tierra en enormes naves flotantes. La narración de combustión lenta, que gira en torno al dolor de Adams tanto como su trato con los visitantes alienígenas, tiene un giro espectacular al final.

«Cada película tiene un cierto nivel de reprogramación y deconstrucción de mi propia mentalidad colonizada en torno a lo que es el cine».

La película se basa muy poco en los efectos visuales, pero en gran medida en la iluminación evocadora y el trabajo de la cámara. Su enfoque de ruptura de convenciones es probablemente parte de la razón por la cual el guionista y productor Eric Heisserer tuvo muchos años para lograrlo . Cuando llegó el momento de la producción, eligieron al prometedor DP Bradford Young , quien le disparó a Selma de Ava Duvernay . Pero tenía muchos zapatos que llenar: el DP de la última película de Villeneuve fue el legendario Roger Deakins , un tirador de más de 70 películas, incluyendo Skyfall y No Country for Old Men .

No Film School habló con Young justo antes de la presentación teatral en Estados Unidos de la película sobre cómo desenmascararse de los tropos de género, «acolchar» las lentes para crear una textura visual, la importancia de la vulnerabilidad para los tiradores y directores, y más.

El director de fotografía ‘Arrival’, Bradford Young en el set de la película.

No hay escuela de cine: gran parte de la paleta de colores de Arrival , especialmente al principio, es muda y casi mundana, no lo que uno podría esperar en una ciencia ficción. ¿Cómo se hizo esa elección?

Bradford Young: Me alegra que haya usado la palabra «mundano», porque esa es la palabra que estoy usando mucho para describir la película. El enfoque se trata realmente de envolver nuestras mentes en torno a lo inesperado, que creo que es de lo que realmente trata la película.

Parte de eso no era encadenarnos al género. El género de ciencia ficción tiene todos los tipos de buenos tropos que funcionan de manera probada y verdadera, y que no tenían sentido para esta historia. En nuestro proceso como cineastas, debemos tratar de ser realmente honestos en la forma en que contamos una historia, que, en este caso, es resaltar la capacidad y la belleza de las emociones humanas.

«Cuando uso un carro o un movimiento de cámara, siempre quiero que sea lo más sutil y discreto posible».

La vida es bastante mundana a veces, y de vez en cuando algo inesperado aparece y crea un giro y giro realmente interesante. En esta historia, se trata realmente de la vida mundana de una persona solitaria y melancólica y, de repente, estos extraterrestres aparecen. Piensas que la película se trata de una cosa: mortalidad y pérdida, y luego aparecen estos alienígenas, y dices: «¿Qué están aquí para ofrecer esta historia? ¿Qué son estos extraterrestres, qué es esta cosa existencial que se ofrecerá a ¿Una vida que ya se ha realizado y resuelto? Eso es lo que intentamos lograr.

NFS: Me alegra que no te ofendieras con la palabra «mundano».

Bradford Young: Creo que esa es una palabra importante en mi proceso porque, como director de fotografía, ahora estoy más interesado en lo mundano. La simplicidad de la vida, la simplicidad de la historia. Gracias por traer esa palabra a la mesa.

Amy Adams como Louise Banks y Jeremy Renner como Ian Donnelly enCrédito

NFS: ¿Cómo te sacaste de las nociones preconcebidas de cómo debería ser una ciencia ficción?

Bradford Young: Creo que cada película tiene un cierto nivel de reprogramación y deconstrucción de mi propia mentalidad colonizada en torno a lo que es el cine. Como ya estoy constantemente en ese proceso, era solo una cuestión de apagar la cámara de eco. Apreciando y respetando todas las contribuciones que se han hecho antes, especialmente cuando piensas en un maestro como Stanley Kubrick o Ridley Scott , pero tampoco te detienen por lo que trajeron a la mesa.

«Intento crear una especie de delicadeza de cómo se mueve la cámara».

En términos de iluminación, fue una pregunta realmente seria: «¿Qué traen los extraterrestres cuando llegan?» Los seres humanos son arrogantes en el sentido de que piensan que los extraterrestres aparecerían y tendrían acceso a las mismas aleaciones o los mismos materiales a los que tenemos acceso. ¿Y si no lo hicieron? ¿Qué traerían? Eso nos permitió ser muy sensibles y muy particulares sobre cómo ejecutamos el estilo visual de la película.

Así que estaba girando la cámara de eco: deja de mirar, voltea hacia otra cosa. Use la música como inspiración, mire a los fotógrafos que pueden tomar cosas visualmente mundanas y convertirlas en cosas mitológicamente visuales.

Amy Adams como Louise Banks enCrédito de’Llegada’: Crédito de foto: Paramount

NFS: Creo que eso es importante en cualquier película, para inspirarse en todo tipo de otros esfuerzos creativos.

Bradford Young: Oh sí, definitivamente. Como padre, tengo que estar realmente, realmente presente. Estoy lejos mucho, por lo que estar presente fue una gran parte de mi comprensión de la secuencia de tiempo doblado (en Arrival). Estar presente con mi hijo en mi tiempo libre era un mantra, un catalizador de cómo fotografié el tiempo de Louise con [su hija] Hannah. Es ser muy honesto en el proceso de hacer una película y, honestamente, dejar que sea un reflejo de mi vida.

NFS: La cámara parece estar siempre moviéndose lenta y sutilmente en la película. ¿Qué estabas intentando comunicar con el movimiento de la cámara?

Bradford Young: Para mí, eso es una desventaja. Siempre he estado preocupado por el movimiento de la cámara, porque no empecé a hacer películas en las que tienes muñecas, tecnocranas y Steadicams. No podíamos permitirnos tener esas cosas. Cuando uso un carro o un movimiento de cámara, siempre quiero que sea lo más sutil y discreto posible. Con mucho de mi trabajo ahora, trato de crear una especie de delicadeza sobre cómo se mueve la cámara.

«Poco a poco he empezado a respetar realmente lo que se nos permite hacer con lo digital. Tiene muchas virtudes».

Cuando estamos entrando en más momentos de procedimiento donde [el personaje de Amy Adams] está tratando de descifrar el lenguaje, y ella se comunica con los extraterrestres … cuando está con su hijo, esos momentos surgen de mi amor por los documentales, y Algunos de los mejores documentales fueron aquellos en los que la cámara era de mano, inmediata y frenética, por lo que no se impuso. Nuevamente, solo trato de ser honesto con esas cosas que me inspiran y realmente me impulsan como creador de imágenes, trayendo esas cosas a esta conversación.

El director de ‘Arrival’, Denis Villeneuve y Jeremy Renner en el set de la película.

NFS: En el aspecto técnico, ¿con qué rodaste la película? ¿Por qué hiciste esa elección?

Bradford Young: Rodamos con la Alexa XST. Tomé fotografías con dos tipos diferentes de lentes: algunos Ultra Primes antiguos de CamTec, y también usé Super Velocidades . Denis tuvo resultados realmente positivos, excelentes con el trabajo que hizo con Roger [Deakins] y poco a poco he empezado a respetar realmente lo que podemos hacer con lo digital. Tiene tantas virtudes.

Cuando veo el tipo de películas que [Villeneuve] ha hecho antes, el tipo de películas que está haciendo y el tipo de películas que quiero hacer, tiene sentido que nuestras películas probablemente sean mucho más oscuras. Digital sería útil en eso. Esa es la razón por la que elegimos esa herramienta. Además, creo que es realmente útil poder ver lo que estás viendo en una película que está feliz con los efectos visuales, para dos cineastas que no han hecho grandes películas de efectos digitales.

En términos de lentes, siempre me gusta escoger el lente correcto para el momento adecuado. A veces eso significa que tengo un juego de lentes de retazos de Frankenstein, pero elegí las que sentía que se suavizarían y me darían mucho poder de exploración en la oscuridad. Elegí esas dos lentes porque me dieron miradas muy diferentes.

«En mi propia práctica como creador de imágenes, poco a poco comencé a preocuparme menos por la precisión y más por los sentimientos».

NFS: Leí algo en las notas de prensa sobre su uso de lentes, y usa este término «acolchar», que es una metáfora interesante. ¿Qué significa eso?

Bradford Young: Soy del sur, así que los edredones son una parte importante de contar nuestra historia. El acolchado es antiguo, pero en el Sur es una traducción muy particular de idea, tiempo y espacio. En mi propia práctica como creador de imágenes, poco a poco comencé a preocuparme menos por la precisión y más por los sentimientos.

Quiltmakers es riguroso, pero son un formato de medios mixtos. Creo que el cine debería ser un formato de medios mixtos. Simplemente estoy honrando lo que hacen los fabricantes de edredones, que es contar una historia usando una textura variable dentro de un marco específico para comunicar una idea. Para mí, con la tecnología digital, las lentes hacen lo mejor. Los chips no lo hacen ahora: el stock de película digital es básicamente todo lo que se captura, pero las lentes son la forma en que le das a la imagen su calidad de textura.

Jeremy Renner como Ian Donnelly y Amy Adams como Louise Banks enCrédito

NFS: ¿Qué crees que es lo mejor que puede hacer un director para ayudar al PD a  entender su visión?

Bradford Young: Creo que la vulnerabilidad es un gran elemento clave. Los directores y cineastas tienen que ser igualmente vulnerables. Mi gran mantra es que si no puedo romper el pan con usted después de que hagamos una película, probablemente no sea una película que queramos hacer juntos, porque voy a exponer a ciertas cosas emocionales y privadas de mi vida que no haría. No dejes que otras personas desempaqueten.

Creo firmemente que si estamos siendo vulnerables a la historia, lograremos algo, por más imperfecto que sea. La vulnerabilidad nos abre una puerta para que seamos mejores practicantes y también mejores proveedores de material para lo que es esencialmente un medio de comunicación impulsado por el deseo de comunicarse con las masas. No puedes hacer eso cuando estás protegido; Solo puedes hacer eso cuando te abres.

«Los directores y cineastas tienen que ser igualmente vulnerables».

Lo digo con un golpe realmente delicado. No es totalmente revelador porque no puede darles a todos su ADN, pero tiene que dar una parte de su ADN para establecer la conexión. Creo que la gente está respondiendo a la película porque dimos mucho de nuestro propio ADN, no solo como cineastas, sino también como padres. Dimos mucho de eso para hacer esta película, y especialmente cuando los padres exploraban a una mujer que cuestionaba su propia mortalidad.

Eso nos requería ser mucho más abiertos, ser buenos oyentes y no ser paternalistas sobre cómo abordamos esa idea. Eso requiere que seamos vulnerables, que seamos abiertos y no como hombres tontos y estúpidos que dicen: «Oh, lo sabemos, lo sabemos todo». No, tienes que ser un oyente para saber de qué historia estás contando. Solo tienes que ser mucho más susceptible a que tu mundo sea sacudido, incluso si esa no es la razón por la que empezaste a hacer películas.