Rodrigo Prieto utilizo película y video para ‘Silencio’ de Martin Scorsese para recrear el Japón del siglo XVII.

En su raíz, el ”Silencio” desafía lo que significa apostar-renunciar a la fe. La historia, adaptada por Jay Cooks y basada en la novela de 1966 de Shusaku Endo, examina el Japón del siglo XVII cuando los funcionarios se sienten amenazados por la propagación del cristianismo entre los pueblos campesinos, forzándolos a abandonar su fe o enfrentar un sufrimiento inminente.

Después de la desaparición del Padre Christavao (Liam Neeson), dos misioneros portugueses, Rodrigues (Andrew Garfield) y Garrpe (Adam Driver), emprenden un viaje para encontrar a su mentor desaparecido y difundir el evangelio del cristianismo.

Martin Scorsese había estado tratando de conseguir el “Silencio” durante 27 años. Después de 15 años de reescrituras, múltiples demandas y talento que abandonó, la película finalmente entró en producción a principios del año pasado.

Filmado en Taipei, Taiwán, en los estudios cinematográficos de CMPC y en sus alrededores, el director de fotografía Rodrigo Prieto combinó películas y formatos digitales, utilizando cámaras ARRI con lentes Hawk, Zeiss y Angenieux Optimo para pintar paisajes exuberantes y capturar la pasión por el triunfo emocional de Scorsese.

Prieto recientemente se sentó con No Film School para compartir su experiencia.

No Film School: Tuviste un año muy ocupado. ¡Tanto Morten Tyldum’s Passengers como Scorese’s Silence están siendo lanzados en el mismo mes!

Rodrigo Prieto: Lo ha sido. De hecho, los coloree uno después del otro. Fue interesante para mí, no sólo preparar y hacer las dos películas – no podría haber sido más diferente. La calificación de “Silencio” fue Japón del siglo XVII y luego pasó a 600 años en el futuro en los pasajeros … ambos tenían apariencias completamente diferentes. Fue bastante divertido.

No Film School:  El silencio era casi 30 años en la fabricación para Scorsese. ¿Cuáles fueron algunas de las primeras conversaciones como con el director?

Rodrigo Prieto: Marty estaba realmente abierto a todo lo que estaba sucediendo. Evidentemente, había escudriñado diferentes lugares en Japón y Canadá, muchas veces se iba a hacer la película, pero se acercó a la película con el corazón abierto.
Terminé empujando digitalmente a ASA 1600, lo que lo hace un poco más ruidoso, pero de alguna manera ayudó a igualar la estructura de grano de la película».

No Film School: Con Scorsese tan cerca del tema, ¿cómo se materializaron algunos de los primeros elementos visuales?

Rodrigo Prieto: Scorsese es muy meticuloso con su plano de lista y diagramas. Se convierte en parte de la Biblia de lo que estamos rodando. Es interesante porque los hace incluso antes de ver los lugares. Terminó haciendo la mayoría de ellos en Taiwán, donde esta película fue filmada. Algunas de las localizaciones no eran absolutamente fijadas todavía. En el día, nos volveríamos a terminar ajustando como nos fuimos.

Si Marty imagina algo -una cierta toma o movimiento de cámara en su mente- le resulta difícil dejarlo de lado. Diga que algo se mueve de derecha a izquierda en su imaginación, pero la ubicación no funciona de esa manera. Todavía tenemos que encontrar una manera de hacer que funcione de la manera que él lo ha imaginado. Otras veces él sería flexible con lo que la ubicación presentada. Nos mantuvo desafiados.

No Film School: ¿Cómo querías pintar la paleta de colores de la historia?

Rodrigo Prieto: Hay una progresión de color en la película. Nos inspiraron los pintores barrocos, partiendo de tonos más fríos -blues y cyans- y avanzando hacia el verde de la naturaleza, ya que es un personaje importante de la historia. Entonces, pasamos a una sensación más japonesa, si me permite. Fuimos con matices más ámbar, amarillo y oro que representarían el mismo arte de pantalla japonés durante el período Edo.

Marty es conocido por su elaborado lenguaje cinematográfico … Sintió que esta historia requería un lenguaje más sencillo».

No Film School: ¿El período inspiró las composiciones de la cámara?

Rodrigo Prieto: Desde el principio, hablamos de las restricciones en términos de tiro. Marty es conocido por su elaborado lenguaje cinematográfico; El diseño de tiros complejos le viene naturalmente. Sentía que esta historia requería un lenguaje más sencillo. Esto no significa que el rodaje no fuera extremadamente técnico y desafiante: las tomas son más silenciosas visualmente. Sólo había ciertos casos en los que la cámara se encontraba en una posición extraña o un movimiento repentino de la cámara. Nunca hay un movimiento aleatorio de la cámara para Martin Scorsese. Cada toma proviene del contenido emocional de la historia.

No Film School: ¿Más de un enfoque documental que crear un estilo visual?

Rodrigo Prieto: En cierto modo, pero es más que eso. Marty elige cada ángulo de la cámara, y si la cámara se mueve o no es el resultado de una profunda comprensión de lo que quiere expresar en cada escena. Nunca hay un movimiento aleatorio de la cámara. Cada toma que surge con el contenido emocional de la historia. La cámara está impulsando la energía y si la tensión de la escena requiere que usted sea estático, él irá de esa manera.
Utilizamos la película para lo que es mejor en el tono de la piel y el matiz en las caras y el color del paisaje, a continuación, digital para situaciones de poca luz.